Palomitas-en-los-ojos

Palomitas se muda...

2009-07-28T03:31:00.000-07:00

Hola a todos, estamos de mudanza…

Desde hace tiempo el sistema blospot.com del que, la verdad, tanto he aprendido, me estaba dando muchos dolores de cabeza (por ejemplo, tenía muchos problemas si estaba abierta mi cuenta gmail), estos problemas se hacían más graves si intentaba actualizar el blog desde un ordenador que no fuera el de casa: todos aquellos que os metéis desde mozilla-firefox, que es el navegador que recomiendo, habréis podido comprobar que el blog, que últimamente tiene tantas imágenes y videos, estaba hecho un desastre. En fin, que llega el momento de echar por la calle del medio… Y la calle del medio en este momento es wordpress que pese a que debe de tener sus desventajas (yo aún no las he descubierto) da más posibilidades y un aspecto más profesional, aunque yo lo único que espero es ganarme la vida con mis hobbys. Por eso, os invito a todos al nuevo sitio, que como primera y fascinante novedad me permitía comprarme el dominio. Chica, dicho y hecho, yo me lo quitaré de comer pero a mí, para dominios no me ha de faltar. Así que ya existe un flamante…

We are moving to…
http://palomitasenlosojos.com/

Pero antes un video de despedida (dedicado a mi vecina loca preferida, Chelo, que no podía dejar mensajes)…

Dutronc, el dandy revolucionario

2009-07-27T07:35:00.000-07:00

Aunque esta es una confesión muy personal creo que es esencial para comprender las líneas siguientes: yo, señores, me torcí a una edad muy temprana. Sé que no es una historia muy original, pero siendo joven y débil (soy de ese tipo de personas que aún midiendo dos metros se le puede llamar “enjuto”) me puse a toser, a leer y a ver cosas para las que ni mi cerebro ni mi frágil salud estaba preparada. Pronto, y para evitar encontrarme con mi familia me quedaba hasta las tantas delante de la tele y me tragaba en el “Cine club”, una sesión de cine, nocturna, televisiva y alevosa de la segunda cadena, donde pude ver películas de los grandes maestros italianos Fellini o Pasolini. O películas suecas donde se hablaba poco y como queriendo decir muchas cosas recuerdo haber visto de una manera completamente innecesaria Ordet como a los 17 años. Por esa misma época también me interesé por la ópera y los musicales, lo cual daba un carácter tramoyístico a los ataques de histeria propios de la adolescencia que se sumaban a mis silencios copiados de las grandes obras suecas (eran silencios prolongados e inquietantes).

Ante ese panorama y de una manera muy razonable mis padres empezaron a animarme a que alargara mis horarios nocturnos, y así ellos también evitaban cruzarse con esa mezcla de decorador de interiores e intelectual de izquierdas en el que me había convertido. Todo eso, claro, cercenó una de las partes más alegres de mi adolescencia: el pop y el fenómeno fan. De hecho mi interés por la cultura pop viene de esa imposibilidad de llevar la carpeta llena de fotos de personas atractivas y prefabricadas. Miraba con la envidia de una mariquita de pueblo a mis compañeras de clase que enviaban mensajes semióticamente inequívocos en sus carpetas: por un lado fotos de machos alfa, de los mejores ejemplares de masculinidad que además habían superado la selección natural de la fama; por el otro, fotos de bebes. Sus carpetas decían “soy una mujer cuyo útero ya está preparado para procrear”. Mis carpetas, en cambio, decían “soy una persona insulsa a la que su madre le forra los libros y los utensilios de clase”… de hecho creo que en un arrebato paroxista tuve un boli bic completamente forrado. Vaya, yo en aquella época era ya un intelectual de izquierdas y un coñazo, y no podía hacer lo que por aquel entonces veía en la tele

Sin embargo hace unos meses he descubierto un cantante en el que puedo unir mi intelectualismo a marchamartillo con mi faceta más pop de fan completamente histérica (¡¡¡¡Maaaaaartin te quieeeeeeero!!!!). Ese hallazgo, no nos engañemos, es digno de celebrar, porque ciertamente la música pop es muy divertida y nos gusta a rrrrabiar pero no es uno de los métodos ideales de transmisión ideológica (o quizás la no-transmisión ideológica sea uno de los mejores métodos de transmisión ideológica). Los “wah wah”, “yeh, yeh”, y “oh, oh” son fantásticos, muy tatareables y divertidos, pero dejan una sensación, ay no sé, como de poco pensar. Así pues, ¿qué puede hacer un intelectual de izquierdas con un alma de quinceañera como yo para resolver esa carencia, ese nudo gordiano entre sesudismo e histerismo?. Ustedes siempre pueden decir, “chico, échate por el punk que aúna estribillos sabrosos y posición política”… y yo les tengo que dar la razón. Pero lo mío, definitivamente, no son las soluciones fáciles. Yo quiero pop, pop concienciado, pero para eso hay que hacer un poco de arqueología y plantarse en mayo del 68.

Los agitados años que precedieron y que siguieron a la revuelta sesentayochista tuvieron a un guapo oficial, a uno de esos cantantes a los que se puede tirar las bragas no como simple celebración sexual sino como acto situacionista, como absurdo intelectual. Él es, claro, Jacques Dutronc antiguo miembro del grupo El Toro et les Cyclones, compositor de canciones, amigo de Serge Gaingsbourg, y según la wiki cantante de las letras escritas por “Jacques Lanzmann, escritor, periodista, hermano de Claude Lanzmann (ex secretario de Sartre)” (¡¡¿¿??!!). Aunque la línea que une a Dutronc con Sartre es ciertamente débil, Dutronc se embebe del ambiente de la época, y canta su primer gran éxito en Francia “Et moi, et moi, et moi” de 1966. Una canción cuyo primer estribillo promete mucho: « Sept cent millions de chinois / Et moi, et moi, et moi / Avec ma vie, mon petit chez-moi » . O sea : “Setecientos millones de chinos / Y yo, y yo, y yo/ Con mi vida, mi pequeña casa”…

La canción tiene momentos cumbre, la verdad, siendo mis favoritos:
«Trois cent millions de soviétiques / Et moi, et moi, et moi / Avec mes manies et mes tics /Dans mon petit lit en plume d'oie » o sea « Tres cientos millones de sovieticos / Y yo, y yo, y yo/ Con mis manias y mis tics/ Con mi pequeña cama de plumas de oca ».

« Cinquante millions de gens imparfaits / Et moi, et moi, et moi / Qui regarde Catherine Langeais / A la télévision chez moi » « Cincuenta millones de gente imperfecta / Y yo, y yo, y yo/ Que miro a la Catherine Langeais (la Anne Ibartiguru del momento)/ en la televisión de mi casa »

« Cinq cent milliards de petits martiens / Et moi, et moi, et moi / Comme un con de parisien / J'attends mon chèque de fin de mois » « Cinco mil pequeños marcianos / Y yo, y yo, y yo/ Como un parisino capullo/ Espero el cheque de fin de mes » y luego el estribillo de toda la canción « J'y pense et puis j'oublie / C'est la vie, c'est la vie » o sea « Yo pienso, y yo olvido / Así es la vida ».

La canción, claro, trata de una de las tendencias del capitalismo contemporáneo, una de la que ya han hablado de manera extensa gente como Agustín García Calvo o Vicente Verdú quienes han demostrado sobradamente que una de las herramientas básicas de una sociedad de consumo acelerada es el personalismo. La tendencia al divide y vencerás, a que cada uno de nosotros somos especiales, a que no pertenecemos a ninguna colectividad, sea esta el pueblo o la gente (“la buena gente de Calahorra del Subidillo”). Que somos únicos y exclusivos y que como tales necesitamos que los bancos, las agencias de viajes y otros nos den servicios personalizados. En un mundo con cinco millones de soviéticos lo que importan son mis manías y mis tics. “Y yo, y yo, y yo… yo es que soy muy de… a mi es que no me gusta…yo no puedo soportar”. Yo pienso, y luego olvido.

Ustedes dirán que él es guapo y simpático y que la canción es saltarina, pero que, en definitiva, es un poco sesuda. Sin embargo, en la siguiente, J'aime les filles (1967), el Dutronc se deja de intelectualismos y se pone en plan crooner romántico, uno de esos que mira directamente a los ojos y susurra en francés. Ante esas eficaces armas de destrucción masiva de bragas, lo mejor, claro, es dejarse hacer. Sin embargo, por debajo de una trabajada seducción sostenida mediante la susurrante letra y la pose indolente, creo que está es una de las canciones más revolucionarias que he oído, porque consigue, y de ahí su éxito, ser radical bajo su capa facilona. Veamos como lo hace.

La clave, claro, está en ese perfecto flequillo y en la letra, en la que hace una lista de tipos de chicas que le gustan. Están, claro, las del cine, las del Vogue, la de los grandes almacenes, pero junto a ellas Dutronc también ama a:

«J'aime les filles des magazines / J'aime les filles de chez Renault / J'aime les filles de chez Citroën / J'aime les filles des hauts fourneaux / J'aime les filles qui travaillent à la chaîne » « Me gustan las chicas de los grandes almacenes / las de la Renault / la Citroen/ de los Altos Hornos/ las que trabajan en la cadena de montaje ».

« J'aime les filles qui radotent / J'aime les filles à papa / J'aime les filles rigolotes / J'aime les filles sans papa / J'aime les filles de Megève / J'aime les filles de St-Tropez / J'aime les filles qui font la grève /J'aime les filles qui vont camper » « Me gustan las chicas que desvarían / las de papa/ las cachondas / las que no tienen papá / las de Megève / las de St-Tropez / las que hacen huelga / las que van de camping »… me tendrán que reconocer que alguien como Dutronc diga « me gustan las chicas que hacen huelga » es un llamamiento a la movilización general, es como si uno de estos chuletones de la MTV se pone a cantar algo así como me gustan las chicas “antiglobalización” sin que eso resultara una enorme contradicción.

Entre todos los hallazgos que tienen las canciones de Dutronc -“J'aime les filles qui font vieille France” (Amo a las chicas que hacen vieja a Francia)- están también las rimas directamente políticas. En 1968, un año calentito para Francia y para parte de Europa y América (recordemos los muertos en México) Dutronc saca una pegadiza canción muy a contrapelo, llamada L'opportuniste donde dice “Je suis pour le communisme / Je suis pour le socialisme / Et pour le capitalisme / Parce que je suis opportuniste”. Pronto señaló Dutronc que en todas las revoluciones siempre hay listos que sobreviven mejorando su situación, dejando atrás a un montón de tarados que se creyeron el cambio. Para saber que despojos dejó atrás el mayo del 68 es muy interesante de leer el libro de Daniel Cohn-Bendit La revolución y nosotros que la quisimos tanto donde aparecen junto a esa nueva generación de gobernantes que escaló el poder tres el 68, esa retahíla de perseguidos, encarcelados o empobrecidos por llevar sus ideas a sus conclusiones lógicas. Mientras tanto, el Dutronc cantaba esta canción tan chula, con un extraño video pop…

« Je crie vive la révolution / Je crie vive les institutions / Je crie vive les manifestations / Je crie vive la collaboration »

Sin embargo, volvamos a la anterior canción, la de J'aime les filles (1967), porque la hemos dejado a medias ya que nos faltaba hablar del estribillo en el que dice “Si vous êtes comme ça, téléphonez-moi / Si vous êtes comme ci, téléphonez-me” es decir “si eres así (si eres huelgista) llamamé”. Entre las multitudes de mujeres, que creemos, le llamaron, estaba la Francoise-Hardy con quien inicio una larga relación, para quien compuso varias canciones, y con el que tuvo un hijo Thomas Dutronc que, como era de suponer, les ha salido un solete y que canta canciones así de divertidas

Mientras tanto su padre, Jacques Dutronc, dejó de lado la carrera de cantante por la de compositor, y sobre todo, actor, habiendo participado en más de 40 películas y series, entre ellas Merci pour le chocolat (2000) de Claude Chabrol o siendo protagonista de un biopic de Van Gogh dirigido por Maurice Pialat. Pues eso, os dejo con la última canción de Dutronc, una de esas que hace mover la cadera y las neuronas, preparado para forrarme la carpeta del año que viene con fotos de él. Saludos desde Paris!!!!.

Fiesta en la playa, canciones de verano

2009-07-24T03:21:00.000-07:00

Unas simpáticas lectoras de esto, que son unas señoras historiadoras del cine de esas que se visten por los pies, celebran todos los años por estas fechas una sofisticada fiesta en la playa a base de mucha bebida y muchos bocadillos de atún con pimiento y huevos duros, amén de otras aceitosas delicatesen. Todos los años, y si las inclemencias del tiempo en forma de olas gigantes o ráfagas de viento lo permiten, se lo pasan pipa, beben y charran sin parar. Yo todos los años me pierdo la fiesta porque me encuentro en algún sitio improbable haciendo algo improbable tanto sea emborrachándome una fiesta de la cerveza en Colorado o mirándole el culo a alguna estatua de Mirón de Eleuteras en el Louvre y, haciendo esas cosas improbables, me acuerdo ellas. Para todas, van dedicadas estás canciones del verano que he encontrado perdiendo el tiempo por el youtube. La primera de ellas es un hit veraniego de Bobby Vee “The Night Has A Thousand Eyes” (La noche tiene miles de ojos) donde se ve una fiesta surf en toda regla comparable a la que se realizará esta noche. Con fogata, bikinis y un ataque sorpresa de algas que colonizan el cerebro de una de las muchachas. Sin embargo, si por algo destaca el video, a parte del aspecto asquerosamente WASP del cantante, es por los bailes de su churri, a base de unos movimientos hipnóticos, espasmódicos, y mecánicos que recuerdan a los de la “falsa María” de Metropolis (el robot para aclararnos), a la que la escritora Pilar Pedraza llamó “la histérica mecánica” o “la libélula mecánica”. Porque, evidentemente, ella con su cardado rubio es una Mantis (P)Religiosa de aúpa. Una de esas que al finalizar el acto se va a merendar a Bobby Dee, y me parece a mí que le sabrá a poco, porque cuando una señorita se pone a airear el potorro (literalmente) sobre una moto es que ha de tener buen apetito.

Pero, ay, el verano no sólo es tiempo de fiestas, bailes locos, y lagartas, también de llevarse sus buenos disgustazos. En el siguiente video, uno de mis favoritos, la que se lleva un soponcio de los buenos, de los de hipar, es Patricia Carli en su famosa canción “Arrete, Arrete” (“Detente, Detente”). Pero la Carli no se lo dice a un bicho, no es “Detente” en plan “Quita bicho”, sino que se lo dice a un muchacho, personificado en este video por Frank Alamo. La canción, en definitiva, es un gran dramón sobre el último encuentro entre dos amantes, un encuentro lleno de reproches en los que ella le echa en cara que ¡¡¡mañana se casa!!!. La historia se va poniendo calentita cuando descubrimos que él ha pegado el braguetazo del año: “Elle a de l'argent /elle est jolie / Elle a toutes les qualités / Mon grand défaut c'est de t'aimer” (Ella es de oro, ella es la gracia, ella tiene todas las cualidades, mi único defecto es que te amo”). O «Mais tu as préféré les grands honneurs / À la place de notre bonheur / Et, et pour garder tes ambitions/ Tu as détruit mes illusions » (Tu prefieres los grandes honores, a nuestra felicidad, Y por conseguir tus ambiciones, Has destruido nuestras ilusiones). En fin, que lo que le dice, y con toda la razón, pasa de lo grave a lo gravísimo, hasta que le espeta en toda la cara “Tu es le maîtrrgggggggge de ton sorrggggggggt” (eres el dueño de tu destino). La canción y la actuación de Patricia Carli es perfecta: con esos violines sostenidos, ese eyeliner que es un horizonte de desesperación, ese echarse las manos al cuello, ese final truculento con ese atávico “NON” mientras que Frank Alamo repta en la oscuridad. Para mí, una obra perfecta del pop elevado a la categoría de aria de ópera.

En fin, todo muy bonito, pero aquello fue una noche toledana: el Alamo se queda con lo que se conoce popularmente con “dolor de huevos” (“pero no me dejes con este dolor de huevos”) y a la Carli no se le va a pasar el disgusto en una semana, que ya se la ve. Mientras tanto la gente celebra fiestas, se enamora, se junta con amigos… echo de menos Valencia.

Turista con obra maestra al fondo

2009-07-17T03:35:00.000-07:00

Los aficionados y los degustadores de arte somos, y no podemos negarlo, unos elitistas de mierda. La nuestra es una afición que parte de un duro aprendizaje previo, de muchas lecturas y de muchas noches de invierno solitarias con el viento azotando nuestras contraventanas. Fuera, sólo la fría noche y un montón de gente estúpida. Aunque en eso de la soledad, como en todo, siempre han habido clases: mientras los aficionados al cine de autor o europeo (si ambas categorías coinciden, ya es lo más) tenemos que aguantar que cualquier indocumentado se alquile una de Michelangelo Antonioni y nos suelte “pues a mí no me ha gustao” (a mi no me he gustao, a mi no me ha gustao…). Los admiradores del arte contemporáneo viven tranquilamente su afición tan sólo molestados por los periódicos que hacen burla y cuchufleta de los artefactos del S.XX y el SXXI. Porque vamos a ver, nadie en su sano juicio visita un museo de arte contemporáneo a no ser que el edificio esté firmado por un arquitecto chino gay y su madre, estilo Ryue Nishizawa y Kazuyo Sejima .Encargados de la ampliación del IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno), y que han elaborado un interesante proyecto en el que unen el arte contemporaneo con la colombicultura o la competición con palomo deportivo y la exposición de palomos de raza buchona (que es una costumbre muy valenciana). Por qué díganme que si la ampliación de la terraza del IVAM no es un palomar, ustedes dirán. Pero bueno, los que los tienen mal, pero mal fatal, son los aficionados al arte del SXVIII y el SXIX, porque ahí sí que existe quórum: el arte de esos dos siglos es “bonito”. Que lo dicen desde los libros de arte más sesudos hasta la Mía (todo lo que interesa a la mujer dinámica, práctica, moderna y actual). Ese arte es “bonito” y gusta a todo el mundo. Con lo cual, los museos parisinos dedicados a este periodo cronológico están a rebosar.

Ver a un connaisseur del arte impresionista apartar cabezas, culos, y mochilas en el museo de Orly. Observar como la mirada pensativa es interrumpida por miles objetivos de cámaras y de móviles, es, definitivamente, una delicia y uno de los grandes lujos que ofrece esta ciudad. Primero porque uno descubre las asociaciones terriblemente fascistas que tiene la apreciación estética (y fíjense la animalada que he dicho). Asociaciones que en parte derivan de toda esa propaganda nefanda del dialogo entre el alma del artista y el alma del espectador, del conocedor, que se hace imposible ante la horda de gafas japonesas que reticulan las obras maestras del SXIX. El arte, se supone, no puede hablar a gritos y no puede comunicarse por encima de todos esos ruidosos turistas. Esta situación que imposibilita el arrebato estético hace que uno rememore la apreciación original de las obras: cuando las terribles circunstancias económicas hacia que unos pocos podían disfrutar de la calidad estética. Uno se pone sentimental y se imagina como un gran burgués del SXIX, en cuyas fábricas moría la gente a puñados, o ya directamente como un buen Luis XIV o XV, con los menesterosos pudriéndose en las calles, mientras la rocalla y el rococó acogían los amables salones literarios o artísticos.

Pues fíjense aquí estamos, en pleno SXXI, donde, a pesar de que el vuelo a París y las entradas a los museos no están al alcance de todo el mundo (desde luego), el arte se ha convertido en un entretenimiento de masas de gentes. Las salas están llenas de turistas, de turistas como yo. Y observándolos, observándonos, durante un largo tiempo en el Musée de l'Orangerie donde se exponen los famosos Nenufares de Claude Monet pensé en el maravilloso espectáculo que suponía todo ese ballet de cámaras, de modos de enfrentarse a la obra maestra, de poses delante de los cuadros. Era un rito increíble. Además toda esa gente que como yo había venido de lugares lejanos, siguiendo las mismas direcciones y los mismos consejos de la misma guía, habían llegado a la misma maravillosa conclusión: las Bellas Artes en el SXXI no valen nada. Bueno, no valen nada, no valen más que cualquier otra imagen ya sea esta una esquina pintoresca, un cartel de publicidad o una imagen conocida de una película. Y de cosas así, créanme, está lleno un París que se ha convertido en un gran buffet libre y audiovisual para turistas. Quienes lejos de querer apropiarnos de los cuadros, queremos consumirlos rápidamente y pasar a la siguiente imagen que nos lleve a la siguiente… es en definitiva llevar el capitalismo cultural al extremo, consumir imágenes por consumir imágenes, hasta el agotamiento. Pero, oye, que nosotros no hemos inventado el sistema, tan sólo lo sufrimos y lo mantenemos a marcha martillo intentando buscar algún resquicio por donde respirar.

Por eso, y aunque no quiero entrar en el espinoso debate de que en definitiva de Disneyland® Resort Paris es más real que el Louvre, ya que ambos están orientados a pasear al turistas por fantásticos escenarios que imitan películas con la finalidad de entretenernos, aunque el primero no pretenda engañar a nadie. Y no quiero entrar en el debate no porque no tenga miga, sino porque a los turistas, la verdad, nos da igual, no vemos diferencia entre una cosa y otra. Por eso, como decía, obviando ese debate, y con la certeza de que cualquier foto de un cuadro sin gente (sin turistas) no vale un pepino, surge el tema del arte convertido en espectáculo. Pero espectáculo en su sentido canónico: como una relación de poder entre observador y observado. Evidentemente, los turistas ejercemos nuestro poder sobre la obra de arte, del mismo modo que la ejercemos sobre los nativos del lugar. Nuestra mirada se obtiene mediante la posición de poder que da el dinero. Sin embargo lo bueno del espectáculo, y he ahí su genialidad y la razón de que sea la máxima expresión del capitalismo tardío, es que nadie es libre: ni el observador ni el observado. Sobre la persona o el objeto observado se ejerce el poder, pero el observador tampoco es libre. No tiene la oportunidad de mirar cosas nuevas o frescas. Su itinerario está marcado y no se puede desviar de ahí. Cuando te montas a una atracción de Eurodisney tu camino y tu mirada esta prefijada, te subes a una vagoneta, y ves fantásticos dioramas que te resumen tridimensionalmente la película Peter Pan, pues con el Louvre o el Centre Pompidou, pasa lo mismo pero más disimulado. Por eso en mi “Cruzada Infantil contra la Hipocresia Cultural” lo que propongo es que se instalen en el mismo Pompidou barcas o asientos móviles con formas de animales que lleven a los visitantes a lo largo del museo, para que estos sin moverse y con un tiempo y un grado de atención prefijados puedan ver las grandes obras que allí se depositan. El viaje podría estar amenizado por una canción pegadiza y por simpáticas mascotas (¿quizás los grandes genios de la pintura animalizados, Van Gogh como un león, Lautrec como una ratita, Monet como una morsa…?). Al final quedaría una cosa muy divertida e ingenua, que es en definitiva lo que todos queremos, una cosa como mi atracción Disney preferida, “Its a small world” (nótese que en que en minuto 2.12 se habla de los Balcanes sin recurrir a las terribles matanzas que alli ocurrieron… por cierto molaría hacer un “Its a small world” pero economica y socialmente corrento, con hambrunas, guerras étnicas, desplazamientos de civiles, encarnizadas luchas étnicas, genocidos y feminicidios, homofobia…).

En definitiva, la diversión requiere sacrificios, y éstos no sólo son económicos, sino también rituales o simbólicos. ¿Qué hace el turista ante una obra maestra, ya habiendo pagado el vuelo, el hotel, las caras comidas, los suvenires, la entrada a los museos?. Sacrificar lo único que le queda, su familia. Uno coloca a su familia delante de una obra maestra y hace click. Y eso durante miles y miles de veces, como pude observar el museo de el Musée de l'Orangerie donde saqué estas fotos de gente haciéndose fotos delante de los Nenufares. Robarles con la cámara ese instante me producía un placer fetichista, al obtener un momento no reservado para mí del que me apropiaba. Además, claro, estaba el asunto del sadismo: ver como todos esos fotógrafos, en su mayoría padres y madres de familia, sacrificaban a sus familias y las hundían en el agua cenagosa y putrefacta de los nenúfares. Esa agua pestilente que para mí es el SXIX y la historia del arte en general donde llevo tanto años hundido, y comprobar cómo ese montón de gente quería hundirse conmigo. Indudablemente me gusta mucho más la gente que el arte.

Clásicos franceses (de hoy): Julien Doré

2009-07-07T01:46:00.000-07:00

Aunque este post esté literalmente copiado del magnífico blog del programa de radio Nuestros vecinos del Norte, de Radio3, dedicado a la música francesa, no puedo dejar de poner la que considero mi canción y mi cantante del verano, uno que, la verdad, tiene tela. Porque cómo reaccionarían si les digo que lo más guay en este maldito París sin aire acondicionado (ya les contaré mi golpe de calor en la ópera Gardnier con vómitos incluidos entre los allegros ma non tropos de Schubert) es el único descendiente, el ta-ta-ta-ta-ta-tara nieto-sobrino del famoso ilustrador del SXIX, Gustave Doré, quien a su vez también estudió Bellas Artes. Que además participó en la versión francesa de “Operación Triunfo”, causando estupor con sus versiones en ukelele de grandes éxitos –que le valieron serias amenazas de expulsión de la casa- y donde alcanzó una primera fama con su versión de Moi lolita de Alizee una canción de los 90 que todos estábamos intentando olvidar, y que ya casi habíamos conseguido hacerlo… Pues si todo eso no era suficiente, va el tío y saca una magnifica canción titulada “Les limites” cuyo multi premiado video es un “homenaje” (por no decir “se caga en la boca”) de uno de Serge Gaingsbourg. Como ya no podrán aguantarse más las ganas de verlo, porque además el chico lo vale, porque está como los huevos fritos con puntilla, o sea, para mojar pan (lo dice la “Elle” y mis 40 mejores amigas), disfruten de este despropósito de persona, de este hombre rumboso que presume de apellido llamado JULIEN DORE. Pero eso, sí, antes, vean el vídea de Serge Gainsbourg que le inspiró, que también…

Y ahora dos de las cuatro versiones del video de Doré

Cómo ver estos videos le convierten a uno inmediatamente en fan absoluto de Doré, les pongo una versión ukelele de la magnifica Cette Air-la de France Gall, por cierto que en la página de donde saqué el video http://ukulelehunt.com/ una página dedicada a la difusión del ukelele estaban contentísimos de que este noble instrumento se relacionara con una persona guapa y moderna y no sólo con gente como Tiny Tim… el ukelele mola:

Para terminar otro video del Doré con la Catherine Deneuve que también es digno de verlo con un aire retro-chungo que remite directamente a lo peor de la filmografía de los 80 desde Flashdance (1983) hasta esa peli sobre la moda de los rollers y el patinaje en línea que hizo la niña del exorcista Linda Blair llamada

Si pinchan en el blog de Nuestros vecinos del Norte podrán ver además un extraño dueto de Julien Doré con la Primera Pilingui Francesa… digo Primera Dama Francesa. A vernos y a divertirnos…

Les chinois a Paris, les américaines a China

2009-06-30T04:22:00.000-07:00

Como nada más llegar a París me voy a ver inmerso en la majestuosa “pompa introitus” que me está montando mi señora esposa como recibimiento y que incluye una vista a Eurodisney ® (¡¡¡¡bien!!!!) y un concierto de Schubert en la Ópera Gardnier (¡¡¡doble bien!!!)… por cierto, qué pena que se haya perdido la bonita costumbre de la “pompa introitus”, que consistía básicamente en montarle la fiesta a un personaje importante cuando llegaba a una ciudad, que si sus buenas fanfarrias, que si sus buenas composiciones musicales ad hoc, que si sus buenas arquitecturas efímeras, que si sus buenos menesterosos doblegándose ante la majestuosidad y apoteosis de los dirigentes. De esas cosas tan bonitas queda poco o nada, si acaso cuando viene Obama, los Take That o un equipo de balompié de esos que ganan copas. Pero salvo esos concretos ya no existe ganas de hacer las cosas bien y bonitas (sobre todo bonitas), por eso esta “pompa introitus” que me van a montar va a ser de andar por casa, sin querer desmerecer conocer a Minnie o la schubertiada, pero vamos que no espero ni cornucopias ni una ramillete de bellezas autóctonas portando productos de la tierra, sino una cosa más sencilla, a la altura del personaje. Por eso aunque ustedes, queridos lectores, vayan a pasarse el verano en el pueblo con sus primos capando lagartijas y diciendo cosas como “sí, pero el calor de Madrid es más seco…”, no se preocupen, que yo los dejo apañados, entretenidos e ilustrados. Porque hoy no sólo vamos a ver cosas que van de muy extrañas a bizarrísimas, sino que además, y por variar, vamos a ir a la ópera y al ballet. Ala, para que después digan que sólo hablamos de tonterías…

La verdad es que con el post de hoy estoy fascinado (mal que me sepa decirlo a mí), pero he encontrado un tema de estudio que es que tiene miga, uno que mezcla la alta política, con los coros y danzas, los bromazos más absurdos y trabajados con la música contemporánea. Síganme y aprendan como trabaja un buen documentalista pop, que no me contrataron para una famosa exposición por la caída de mis ojos (qué subidito estoy). Toootal, que me encontraba vagueando en internet que es a lo que en el gremio llamamos “fase de toma de contacto”, y descubrí una peli de esas de no-me-lo-pue-do-cre-er, o como decimos los documentalistas, un material que era “buena mierda”. La película en cuestión era la francesa Les chinois à Paris (1974) de Jean Yanne, una peli que proponía una distopía política totalmente disparatada, presentada a través de un humor trabajado e inteligente. La distopía, como todos sabrán, que para eso está la wiki, es “una utopía perversa donde la realidad transcurre en términos opuestos a los de una sociedad ideal. El término fue acuñado como antónimo de utopía y se usa principalmente para hacer referencia a una sociedad ficticia (frecuentemente emplazada en el futuro cercano) en donde las tendencias sociales se llevan a extremos apocalípticos”. Siguiendo estos planteamientos esta película materializaba una anti-utopía concreta: ¿Qué hubiera sido de Francia si esta hubiese sido conquistada, como el resto de Europa, por la china comunista de Mao durante los 70s?. La película, una superproducción, lleva ese planteamiento hasta sus consecuencias más histéricas, y lejos de limitarse a poner a cuatro chinos en el Sacre Coeur (que también), investiga las consecuencias culturales que ese hecho histórico podría acarrear, inclusive en el mundo de la danza y la ópera. Si ustedes, como yo mismo hace una semana nunca se hubiesen imaginado ver una versión maoísta de Carmen de Bizet, aquí la tienen con la coreografía de Monique Vence y con los solistas Anne Golea y Jean-Pierre Toma:

La película como se habrán imaginado tiene que ser un despropósito pero de los grandes, ya que el Politburó se instala ni más ni menos que en Galerías Lafayette, y desde ese centro del capitalismo, controlan la Francia entera. Disfruten de más imágenes de esa rareza totalmente reivindicable, y déjense caer en la tentación: experimenten el placer culpable que se encuentra imaginando una buena purga cultural de esas que hace que se renueven (a la fuerza) las castas universitarias, culturales y científicas:

Les Chinois à Paris - Bande-annonce
Cargado por moidixmois. - Mira películas y shows de TV enteros.

Si ustedes ya han dejado de reírse o de gritar aquello tan bonito de “¡¡¡ Una buena revolución cultural tendría que venir para librarnos de todos estos malfainers!!!” (o en su defecto “¡¡¡Una buena Semana Trágica tendría que venir, que allí se disparaba sin preguntar!!!”) no esperen más datos sobre este delicado hongo de la comedia francesa, porque no he encontrado prácticamente nada en internet. “No hay buena mierda”. Sin embargo, sí que encontré sobrada información del otro referente sobre el que se construye la “Carmen Maoista”. Porque el ballet que aparece en Les chinois à Paris mezcla de una manera tan absurda como divertida dos óperas completamente distintas: la Carmen de Bizet con una famosa ópera comunista llamada 色娘子 o en inglés The red Detachment of Women (“El destacamento rojo de mujeres”, haciendo referencia a la Compañía Especial de la 2ª División Independiente del Ejército Rojo Chino, formada toda por mujeres). La historia de este destacamento femenino que fue narrado en forma de novela, película, ballet y ópera, pertenecía a los terroríficos y coloridos “8 modelos de obras”, los únicos permitidos durante la Revolución Cultural China (1966-1976) todos con temas comunistas o revolucionarios. Ésta obra en concreto narraba la historia de una pobre campesina, Wu Qinghua o Wu Ching-hua, toda vestida de rojo, que es liberada por las milicianas de la Segunda División del yugo de Nanbatian, el señor feudal despótico que amordaza y ata a incómodos pilones a aquellos campesinos incapaces de pagar unos impuestos desproporcionados. Les dejo con el prologo de la ópera, para que vean el grado de perfección y de belleza que se alcanza con una buena partitura y unos buenos bailarines. Es, como verán, un gran espectáculo del que me interesa que presten atención a los minutos que van del 1:20 para adelante. Las imágenes que les ofrezco pertenecen a la versión de la ópera rodada en 1970 con el título original de Hong se niang zi jun (1970) y con Ching-hua Ching como solista:

Tras ver estas imágenes ustedes seguro seguro dirán “ya salió la roja extravagante que dice que le gusta el ballet de la Revolución Cultural China”, pero ay que necia es esa afirmación, porque este ballet en concreto tiene un notorio fan, alguien que es de todo menos rojo y extravagante. Ya que quien cayó rendido a los pies de esta ópera fue, y aquí viene el giro melodramático, Richard Millhouse Nixon quien asistió a una representación abreviada de la misma en su famoso viaje a China en 1972 acompañado de los Mao (vamos, de los Maos de toda la vida). El tipo que ha colgado la película de 1970 entera en youtube dancefrenzy (pinchando ahí pueden acceder a todos sus vídeos) explicaba de una manera muy directa las razones por las que Nixon quedo fascinado: “Ey, y ¿por qué no?. Es un gran espectáculo, lleno de emoción, canciones pegadizas, y un fondo al más puro estilo Hollywood, ¡¡bastante para ganarse a un presidente Republicano!!. Porque eso es lo que importa en el arte y en el espectáculo: ganarse a la audiencia”.

Pero lo más extraño de todo es que el viaje que Nixon realizó a China entre el 21 y 25 de febrero de 1972 inspiró a su vez a una ópera (¿me siguen o ya se me han perdido?): la famosa Nixon in China compuesta por John Adams en 1987, una obra espectacular por donde desfilan los Nixon, los Mao, Henry Kissinger… La cuestión es que en la segunda escena del acto II vemos a los Nixon asistiendo a la representación de Red Detachment of Women. El fragmento que les adjunto recoge ese extraño momento de ópera dentro de la ópera (la música es de poner los pelos de punta) donde se hace un juego sutil y muy inteligente a partir de las actitudes de Richard y Pat Nixon quienes, impresionados por la obra, deciden meterse de lleno en el ballet e interactuar con los personajes. Mientras Pat Nixon representa los valores cristianos de la Primera Dama Republicana que corre al auxilio de la campesina Wu Ching-hua, Richard... bueno, Richard es que siempre ha sido muy suyo…

Como harán comprobado no sólo la obra es una pasada, es que la dirección está llena de aciertos. No en vano es obra de mi director de ópera favorito, siempre hay que tener uno por si sale la conversación en la cola de la verdulería, el director como decía es el psicópata Peter Sellars. Quien combina en su carrera tanto los aciertos absolutos como un Don Giovanni situado en el Bronx, con un Don Juan negro y heroinómano, como las meteduras de pata descomunales como un Cosi fan tutte situado en Baja California que convertía la obra de Mozart en Beverly Hills, 90210. A mí me gusta todo lo que hace, más aún porque de él se han dicho verdadera sbarbaridades: que si es un enfermo, que si el emperador va desnudo, e incluso una soprano muy famosa llegó a afirmar que el suyo era uno de los nombres que “no quiero que se mencionen en mi casa. No pronuncies ese nombre en mi presencia. He visto lo que él hace, y es criminal. Como solía decir mi marido, hasta ahora nadie se ha atrevido a ir al Museo del Louvre a pintar un graffiti sobre la Mona Lisa, pero algunos directores de ópera están haciendo un graffiti sobre obras maestras." Para ver qué hace este hombre que a todos enfadan vean esta preciosa aria del final de Theodora de Handel convertida pues en esto:

En fin, que no los entretengo más, que estos señores tendrán cosas que hacer. Pero por no terminar con un aria de despedida vía inyección letal, pongamos algo más alegre y popular en el sentido, no de la República Comunista China, sino del pop francés, en el siguiente video el cantante francés Monty y sus problemas idiomáticos con las chinas. Ala, ¡¡¡ salud!!!.

Clásicos franceses: L'école est finie!!!!!

2009-06-27T01:13:00.000-07:00

Existe una definición preciosa de los sentimientos que dice “los sentimientos son los movimientos del alma”. Si aceptamos como verdadera esa premisa, he llegado a la conclusión que habiendo terminado mis exámenes y estando muy cerca de acabar la carrera (estoy “así” de cerca) los movimientos de mi alma imitan a la perfección los bailes de Sheila en el video que adjunto y que personalmente he visto como dos millones de veces:

Nous irons danser ce soir peut-être
Ou bien chahuter tous entre amis
Rien que d'y penser j'en perds la tête
Mais oui Mais oui l'école est finie
Donne-moi ta main et prends la mienne
La cloche a sonné ça signifie
La rue est à nous que la joie vienne
Mais oui Mais oui l'école est finie

(Iremos a bailar, esta noche quizás/ o iremos a armar jaleo, todo entre colegas/ Sólo de pensarlo pierdo la cabeza/ Oh sí, oh sí, se ha acabado la escuela/ Dame tu mano y toma la mía/ La campana ha sonado indicando/que la calle es nuestra, que venga la alegría/Oh sí, oh sí, el colegio se acabado).

Y fíjense si he desarrollado una esquizofrenia paranoide obsesiva con estas imágenes que he llegado a notar que Sheila me guiña el ojo varias veces a lo largo del video. Incluso he invitado a casa a amigos para que certifiquen que Sheila lo hace: “veis, aquí, y aquí… pero ¿cómo no lo podéis ver?. Ahí claramente me guiña el ojo… pero si hasta pronuncia mi nombre, fijarse si dice Nacho… l'école est finie, concretamente en el minuto 1:33, si lo pasáis a velocidad muy lenta ello lo dice, de verdad, Nacho l'école est finie”. Vamos que he alcanzado un esto de puro “arrebato” tal y como este concepto fue enunciado de manera clásica por Iván Zulueta en su película Arrebato (1980), o sea tal que así:

Me he pillado un cuelgue pop con la Sheila de los cojones que me puedo pasar un día entero viendo el puto video en el repeat y estudiando sus evoluciones que me han llegado a parecer el baile metafísico de los astros. Y fíjense que he llegado a temer por mi cordura que he decidido que la única forma de huir del influjo de Sheila (“la perra pop de Satán”) es invocar todos mis temores y montarme un psicodrama. He aquí mi palabra solemne: si yo, y ojo que esto lo digo en serio, si yo el año que viene termino con la carrera, me depilo de arriba abajo, me hago las cejas, me pongo un pelucón con lacitos, llamo a unas amigas (a la Rosa, la Fina, la Pere, la Aurea, la Mónica, la Chelo, la Paula, la Chus, la Eva et alii) nos disfrazamos de chicas francesas de los 60s, e imitamos plano por plano este video como celebración del final de esa maldición en que se ha convertido el grado superior que estoy cursando. El resultado, claro, lo cuelgo en el youtube.

Mientras voy buscando faldas plisadas os dejo con un trabajo de historia que he encontrado por internet y que es de un alumno de secundaria americana, del gran Chris, puntuado con un cero y que dice:

“Es obvio que el Halocausto (sic) fue una mentira creada por las corporaciones americanas propiedad de los judíos para conseguir más dinero para sus hábitos judíos. Ellos aún siguen pensando que les tienen que seguir dando cosas porque un tipo con peinado de casco mató a sus antepasados hace 700 años. Ok, para ser honesto, en realidad no prestó mucha atención en sus clases, y ahora mismo estoy realmente colocado… Seamos claros, he perdido el juego, ¿no?”… Uhmm, ¿Quién no ha deseado hacer alguna vez una cosa así?. Brindemos por el nihilismo adolescente:

PD: Todo el video de Sheila es un aquelarre, ¿verdad?, y los últimos segundos hacen referencia a la quema de brujas. Sheila es una bruja mayor y “el colegio” del título de la canción hace referencia al Vaticano, vamos que sólo falta la consagración de una hostia quemada y la bendición con el hisopo negro. Por favor, que alguien me diga que ha llegado a la misma conclusión…

¡¡¡Muchas gracias a todos por las respuestas!!!

Clásicos franceses: ¡¡¡FELIZ VERANO!!!

2009-06-24T02:19:00.000-07:00

Feliz veranooooooohhhh aaahhhh ooooooffenbach:

Dúo de La Perichole de Offenbach con Marcel Amont y Nana Mouskouri, segun la wiki:

"La Périchole es una opereta en tres actos, compuesta por Jacques Offenbach, sobre un libreto en francés de Henri Meilhac y Ludovic Halévy, basado en la novela Le Carrosse du Saint-Sacrement de Prosper Mérimée. La Périchole es una adaptación francesa del apodo que se le daba a Micaela Villegas (1748–1819), mas conocida como La Perricholi, popular actriz y amante de Manuel de Amat y Juniet, Virrey de Perú entre 1761 y 1776. El origen de este apodo, tal vez en forma errónea, se ha considerado como la unión de las palabras "perra" y "chola", proferidas por el Virrey Amat hacia Micaela en un momento de ira. Sin embargo, se considera que el origen de este apelativo se debería, mas bien, a una expresión de cariño en la lengua materna del virrey, es decir, en catalán: "petita chola", lo cual significa, en español, "cholita".

Clásicos franceses: initials BB

2009-06-20T00:39:00.000-07:00

Como este verano se plantea muy francés, por lo menos pour moi, que me voy a pasar el mes de julio a Paris (oh-la-la) que mejor que ir haciendo cuerpo y empezar una serie de posts sobre los más grandes poetas franceses del siglo XX, es decir, los cantantes y cantantrices franceses que tanto hicieron soñar a ese pueblo de piel áspera que somos los españoles. Y qué mejor forma de comenzar este recorrido veraniego que con Baudelaire… digo con Serge Gaingsbourg. Gaingsbourg como todos ustedes sabrán es uno de los grandes, pero de los del Olimpo de semidioses de traje de chaqueta, bebidas fuertes y havannes. Influencias de Vian, jazz y la mala vida. Estrella indiscutible de la Francia setentera y autor de canciones para las mejores del momento, entre ellas, su estupenda señora la grandísima Jane Birkin. La Birkin a todos gusta, da igual que seas hombre mujer o mineral. Ella es estupenda, inteligente, natural, y sus apariciones en cine son espectaculares; desde unos primeros cameos en la supercool The Knack ...and How to Get It (1965) o en Blowup (1966) donde aparecía en bolas. Hasta unas actuaciones más que estimables en On connaît la chanson (1997) y en una de mis películas favoritas Daddy Nostalgie (1990) donde hace lo que los críticos con pocas ganas de pensar llaman “un duelo interpretativo” con Dirk Bogarde, ambos dirigidos por Bertrand Tavernier (háganse con esa película y háganme caso que es una de esas pequeñas joyas del cine que hay que ver). Además de todas esas, y unas cuantas más hasta llegar a las 80ytantas, tiene una con un título ideal, así en italiano, llamada Alba pagana (1970) que si de mí dependiera sería el nombre de mi futura e hipotética hija (¡¡¡¡¡¡¡Aaaaaaaaaaalba Pagaaaaaaaaaaana, neeeena!!!). Pero volvamos a la Birkin y a su señor esposo (por cierto, ella lo abandonó), y veámosles en acción en una canción de muchos ruiditos y muchas onomatopeyas inspiradas en el comic. Ya que la canción fue escrita para la Bardot en la cumbre de su fama y su belleza tras haber rodado ese TBO gay que era Barbarella (1968), Queen of the Galaxy, pinchando aquí tienen la versión canónica y comiquera, y pichando abajo tienen la versión pues más de barra de bar. Con la Birkin haciendo ruiditos a pesar de que lo suyo fuera, a qué engañarnos, el susurro el cachondo...SHEBAM ! POW ! BLOP ! WIZZ !:

Aunque ella se descuenta entre tantos SHEBAM y CRASH, y a pesar de que Gainsbourg la mira como diciendo “¿estamos a lo que estamos?”, nadie en su sano juicio puede negar que eran una pareja ideal que se movía entre el escándalo y la inteligencia pop… vamos, en serio. ¿a quién no le gustaría ser un genio del pop y tener una bella e inteligente mujer, a una verdadera artista con él?… ¿a quién no le gustaría ser Serge Gaingsburg?. Pero ayyyyy que cretinos y que fatuos somos y que razón tenía Santa Teresa de Jesús cuando dijo aquello de “existen más lágrimas derramadas por las plegarias atendidas”. Toda la vida fantaseando con el dueto que harías con Jane Birkin, y llegado el momento quedas como un necio, pero como un necio absoluto (muy tierno, eso sí). Y eso lo cuento porque lo he visto y porque le pasó al Beck, el día que tuvo la brillante idea de hacer un dueto con la Birkin (de “L´anamour” ni mais ni moins) y así le quedó, véanlo como ya lo han hecho otro millón largo de personas por you tube y después comentamos:

Vamos a ver no es sólo que la Birkin esté más guapa ahora que en los 60s, y que sea capaz de comerse a Beck y sus mariachis en el escenario, pero es que Beck ya empieza mal, empieza disculpándose por su francés justo antes de atacar la canción (pólice? pólice?). Y a partir de ahí pues todo va de mal en peor, la Birkin transforma a Beck, que recordemos no es uno que empezara a cantar ayer, en un estudiante americano de secundaria al que le han suspendido lengua extranjera. En esa situación lo único que te queda hacer es poner esa cara de póquer que uno pone cuando la profe te saca a la pizarra sin tener ni repajolera idea, eso y mirarla de reojo, y esperar que termine la última estrofa, porque qué vas a hacer, ya estas metido en el lío. Menos mal que la Birkin es estupenda ya que por un momento parece que al termina la canción le iba a poner un “regulín” como nota. En fin, pura plegaria atendida y uno de mis videos preferidos del youtube.

Pero como no puedo dejar el post así porque la otra B de les initial BB (Birkin&Beck) también nos gusta a rabiar voy a hacer un acto de desagravio poniendo una de las canciones más guays de Beck “Que onda güero” donde se pueden escuchar en la misma canción cosas tan poéticas como
“Abuelitas with plastic bags
Walking to the church with the Spanish candles
Dirty borracho says 'que putas!'
Ándale, Joto, your popsicle's melting
Run better run, da doo run run”
(Abuelitas con bolsas de plástico / Andando hacia la iglesia con velas/ un borracho sucio dice “Que putas” / Ándale Joto se te derrite el polo/ Mejor corre, da dooo run, run). Donde se nombra juntos a James Joyce y a Michael Bolton (¡¡¿¿??!!) y donde se alcanza la perfección de un pop que no renuncia a la reflexión social con esta estrofa

“Hey vamos a jugar futbol ahí en el Griffith park
La Pico and Vermont
La locura
Yeah now I'm going to LACC
I'm taking a ceramics class
See the vegetable man”

(la última parte: “Yeah, ahora estoy yendo a los Angeles City College/ a tomar clases de cerámica/ Mira al verdulero”).

Órale.

Mitad exámenes, así me siento:

2009-06-18T08:45:00.000-07:00

Esperando ser re introducido en sociedad...

Girls und Krise: El ye-yé como primer estilo internacional

2009-06-03T23:27:00.000-07:00

Robo cinco minutos de lo que se presenta como una pesadísima temporada de exámenes (hasta fin de mes no volveré a actualizar) para dar rienda suelta a una de mis ya viejas obsesiones: la música y el cine popular oriental, pero como siempre no en su versión de mamporros y karatekas, sino en su versión más girlie, de apasionadas historias de amor, aparatosos modelos y gente moderna. A poder ser de la década de los 60, momento en el que podíamos considerar que se instaura el primer estilo internacional de ser “chica”. Porque si como decíamos en un post anterior la década de los 20 y 30, con su catastrófica crisis económica, instauró los primeros signos de una cultura cinematográfica de chicas, va a ser la segunda mitad del siglo XX cuando veamos el asentamiento de la misma. La cultura de chicas, empieza evidentemente con el nacimiento de una cultura popular para adolescentes pensada para que éstos se gasten los cuartos en discos de rock and roll. Es decir, la primera cultura popular para adolescentes nació en la América de los años 50 y dentro de ella, los grupos de chicas (como veremos en otro post) estilo The Crystals van a ser una de las cumbres de todos los tiempos en el arte de ser una teenager. Sin embargo, esa capacidad de consumo que en los años 50 detentaba el adolescente granuliento de Arkansas tardará aproximadamente diez años de extenderse mundialmente hasta que podamos encontrar un adolescente parecido en Badajoz o en Kioto. Es decir, nos encontramos en plena cultura ye-ye sesentera derivada del éxito masivo e internacional de los Beatles.

No en vano, los casos de Japon y España asustan por las extravagantes similitudes: en ambos países el nacimiento de una cultura yeyé coincide con un desarrollismo económico, con un capitalismo acelerado (España sale del ostracismo económico y Japón se recupera vertiginosamente de la Segunda Guerra Mundial) que va a presentar un nuevo modelo de chica, la chica moderna que canta en inglés. Lean sino una descripción sacada del libro Las chicas son guerreras de Vicente Fabuel Caba (vamos, el de Discos Oldies de Valencia) y comparen con el siguiente vídeo: “Eso de ser una cantante yeyé con todas sus consecuencias imprimía un carácter de cierta uniformidad física y musical que quizá la restara variedad a la tribu pero que no reducía para nada su capacidad de fascinación. La ye-yé, rubia, morena, o –raramente- pelirroja, solía ser una chica bonita con melena corta sobre los hombros con cinta o pañuelo anudado convenientemente, niki o blusa camisera de los más chillones colores y una exigua faldita por encima de los muslo. Si el músculo estaba quieto, la actitud era de aparente desgana sin perder la elegancia, si poseída por el ritmo, jugaba a atolondrarse retorciendo sus articulaciones. Cualquier ingenio de Adolfo Waitzman bastaba para que una voz apañadita y unos grititos acabaran de liarla”. Aquí traduzcan el niki por el kimono, el pelo recogido por el flequillo (que gran momento el del flequillo), y los grititos por "ni-ni-ni" y ya tienen la idea:

Como han podido comprobar el varón heterosexual japonés tenía sus problemillas para seguir los modernos ritmos sincopados (se aburre, no pilla el rollo). Aquí, en España, pues era otra cosa. Que pasábamos de la burla más soez a entregarnos frenéticamente al baile, para acabar, como buenos españoles, cabreados. Es José Luis López Vázquez en Operación cabaretera (1967)

Aunque si esa película tiene una escena genial es cuando Gracita Morales, en el papel de Hipólita 'Lita' intenta pillar cacho con un chino en un inesperado choque de culturas salpicado de insultos y ofensas a amplios sectores de la población en una misma frase, para que encima tus amigas se acaban riendo de tí. ¡¡¡ Qué difícil es ser china... digo, chica!!!... Hasta el mes que viene (o antes).

Wasabi Kitsch: Rebecca Pan

2009-05-29T00:01:00.000-07:00

A los que somos petardos, pero petardos a conciencia, occidente, como se suele decir, se nos ha quedado “chico”. Por eso, los amantes de las sensaciones estéticamente fuertes no tenemos otro remedio que girar la vista a oriente, en busca de lo que hemos dado en denominar “Wasabi Kitsch”. Un kitsch, que como el wasabi, tiene colores brillantes pero luego se te pega a la boca de una forma amarga y horrible. Si hace unos posts hablábamos de Grace Chang, esta vez toca a la gran Rebecca Pan (¡¡que nombres más bonitos!!). Rebecca Pan Di-hua (潘迪華, 潘迪) nacida en Shangai, se traslada en 1949 a Hong Kong para iniciar una rutilante carrera como cántate y actriz que le llevará a producir el primer musical en Hong Kong, que prácticamente puso la ciudad boca abajo. Sin embargo, durante toda su larga carrera ha participado en muy pocas películas pero muy bien seleccionadas y de prestigio. Por ejemplo, una de las últimas fue Fa yeung nin wa/ In the mood for love (2000) donde interpretó el papel de Mrs. Suen. Sus otras apariciones en recitales como el que recoge el video siguiente le confieren el status de “gran dama de la canción japonesa” que todo extravagante debe apreciar. Aquí interpretando la clásica, “ Can't help loving that man” con la bonita letra “Los peces tienen que nadar / los pajaritos volar / yo no puedo evitar amar a mi chulo”. Y no es que no lo haga mal, es que lo hace estupendamente:

Y es que a la Pan, siempre le ha dado por cantar en otros idiomas (quizás por el desarraigo de los exiliados chinos), cosa llamativa sobre todo para un mercado como el japonés de los primeros 60s dominado por el idioma mandarín, lengua de prestigio. Pero allí estaba la Pan, que como toda buena diva de la canción igual te canta en inglés, francés, o alemán aunque todo suene a rayos y centellas. De hecho su primer gran éxito fue una versión en inglés de una famosa canción del folclore indonesio "Bengawan Solo" (que aparece también en In the mood...). Pero, oye, quien te dice el folclore malayo te dice el folclore de Castilla la Vieja. Aquí amigos interpretando esa famosa canción del Maestro Padilla que me dice白蘭花幽香四放 / 真教人神往 / 它好像十八姑娘情竇初開放 / 美艷吐莽芳買一枝送給他 / 名貴又大方情意最深長 / 我不是讚花香好花不愁沒人賞 / 蘭花香味不尋常送給愛人最理想 / 送給愛人最理想.

¡Ole!, ¿ole?.. ¡ala! yo vuelvo a estudiar a ver si me convierto en precrursor de lo mío...

Dónde verme esta semana (a parte mi domicilio particular)

2009-05-25T04:24:00.000-07:00

¡¡¿¿Quiere pasar una noche de cines y citas enrevesadas con nosotras??!!. Pues pague, hombre de Dios, que es todo por una buena causa. La cuestión es esta: la asociación Valencia Acoge que lleva años haciendo una labor maravillosa de ayuda, formación, acogida y recepción de inmigrantes y refugiados va a realizar una subasta solidaria para recaudar fondos el próximo viernes 29 de mayo a las 19 horas en Ca Revolta (Santa Teresa, 10). ¿Y en qué consiste esta subasta que han organizado los chicos y chicas de Valencia Acoge?. Pues la idea es sortear tiempo y habilidades. Es como un banco de tiempo pero transformado en pujas. Tú vas allí, y pujas por lo que más te interese: tres sesiones de relajación, una autentica velada Marroquí con taller de henna y té, estancias en la maravillosa ciudad de Marrakech durante cuatro días, una comida cubana con Enrique, brunch en inglés, reparación de ordenadores a domicilio, paellas, paseos guiados en bici… y bueno, ir al cine con nosotros. Y quien dice nosotros, dice con la famosa autora de La pintura en el cine (junto con la Chus) doña Aurea Ortiz, y nada más y nada menos que conmigo, autor de lo mío.

Cuando la simpática directora de la asociación, Ms. Carolyn Phippard, nos pidió colaboración pensamos que dada nuestra escasa habilidad para arreglar cosas, cocinar, pintar o hacer cualquier actividad práctica podríamos ofrecer de lo nuestro esto del cine. Oye, que dicho y hecho, esto es lo que ofrecemos: una tarde cine en la que te pagamos la entrada, y la cerveza de después que acompañará el análisis y amarga discusión sobre la película ("pero tú.. ¿tú has estudiado cine?... tú ni solidario ni solidaria ni leches, tú lo que no tienes es puta idea") . La puja empieza con 8 eurazos. Lo divertido es que el o la agraciada puede elegir la película que después analizaremos, por la cosa esa de que cualquier producto es analizable y porque “Hanna Montana” puede hablar tan claro de nuestra sociedad como una de Haneke. Se entiende que no haciendo ascos a ningún género, la elección puede incluir también una película porno en un cine x… pero ¡¡¡OJO!!! cada una la suya. Que una cosa es echar una mano y otra cosa es otra cosa.

Por otro lado, este jueves 28 de mayo a las 12:30 imparto una conferencia en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Valencia (ETSAV), en el Politécnico de Valencia, sobre el bonito tema (agárrense que vienen curvas) de: Cocina: melodrama y poder sobre la representación del interior burgués, y muy especialmente la cocina, en el melodrama de los 50 y su evolución en el cine posterior. Dicho en bonito: “Si el gran tema del western es la frontera y su escenario principal es el desierto o la cordillera montañosa, el gran tema del melodrama americano es la familia y su escenario principal es el interior burgués. La moderna cocina, el lujoso comedor y la amplia sala de estar con el televisor se transforman en la época clásica del cine americano (desde 1930 hasta finales de los 50) en el lugar donde se representa el espectáculo de las pasiones. Pero por debajo de esas tormentas sentimentales, el gran melodrama americano tenía otra función: ser un colorido y efectivo anuncio del “American Way of Life”. De este modo, mientras que en América el concepto de “hogar” sufría brutales transformaciones, en una Europa destrozada por la Guerra Mundial soñábamos con cocinas hipertecnificadas.” La charla, asegurado, es de muchas risas, y de pensar un poquito también, que todo se ha de decir. Aquí un video de los que pondré:

Para acabar y como estamos repasando mi fasssssscinante agenda, aquí una foto con unas amistades mías, la Neus y la Patri, y lectoras de esto, haciéndole corrito al famoso director Jesus Franco “todo pagao haciéndose fotos con nosotros” durante el seminario de la Filmoteca Valencia. La foto, por supuesto, es de Juan Carbonell, fotógrafo de la casa.

¡¡Uy!! No que me se olvidaba, muchas gracias a los chicos del bizarro, bizarro blog orgullo y pundonor, un blog de ¡¡¡cine y fumbol!!!, que se defienen como “Blog de análisis constructivo de la actualidad. Política, cine, arquitectura y humor gráfico para que, anteponiendo el optimismo de la voluntad al pesimismo de la inteligencia, terminemos con la hegemonía del pensamiento único”. Que me citan y me ponen como enlace a blogs de ¡¡¡cine y política!!. Me encanta que me citen dentro de esa categoría, la verdad, muy ajustada tengo de decir. Pero, ojo, que ellos tampoco se quedan cortos lean sino como empiezan una de sus críticas y alucinen: “En un corto espacio de tiempo han coincidido en la cartelera cinematográfica y doméstica una serie de películas que tienen como eje fundamental la biografía de individuos o colectivos vinculados al marxismo en sus variadas manifestaciones históricas y políticas durante el siglo XX. Me estoy refiriendo al doble biopic, parece que por motivos exclusivamente mercantilistas, sobre la figura de Ernesto Guevara: “Che, el argentino” y “Che: guerrilla” (Che: Part one y Che: Part: two, 2008, de Steven Soderbergh, USA/Fr/Esp), a “R.A.F Fracción del Ejército Rojo”, (Der Baader Meinhof komplex, 2008, Uli Edel, Ale/Fr/Cheq), y a “El último bolchevique” (Le tombeau d´Alexandre, 1992, Chris Marker, Fr/Fin). También coinciden en la cartelera tres películas que tienen a perros como protagonistas: “Un chihuahua en Beverly Hills” (Beverly Hills Chihuahua, 2008, Raja Gosnell, USA), “Una pareja de tres” (Marley & Me, 2008, David Frankel, USA) y “Hotel para perros” (Hotel for dogs, 2009, Thor Freudenthal, USA/Ale). Quizás haya coincidencias” (¿¿¿¿¡¡¡¡!!!!!???).

Diosssssss cuanto desearía haber escrito esas palabras. En fin chicos que aquí tienen a un carnal, y que les dedico la bizarra bizarra canción de hoy, una interpretada por los Hermanitos Garcia, rotos, pero rotos, óigame, por el magnicidio acaecido en la persona de Robert F Kennedy. Esta canción fue a la vez nacimiento y muerte del improbable estilo narco-corrido-cristiano-presidencial en el que la comunidad mexicana reflejaba sus valores demócratas, y su desatino, así en general. Pinchen aquí y no salgan de su asombro.

Girls und Krise: Confesiones de un adicto a Kracauer

2009-05-09T00:15:00.000-07:00

Si pensamos en el Gran Libro de la Historia de la Humanidad como en una de esas revistas de tendencias gratuitas, y si pensamos en los periodos y ciclos que lo conforman como en modas y estilos, chicas, hemos de llegar a la conclusión que Weimar, la República, vuelve (absolutamente). Esa simpática república que se formó en Alemania entre la l Guerra Mundial y la subida del nazismo (1919-1933) es tendencia. Claro que es tendencia en sus colores más oscuros y ocres, vamos, sin las cosas guays como el cabaret, Grosz, los mutilados, los intelectuales y el Movimiento Espartaquista. Sólo en las cosas más chungas como la hiperinflación, los parados, el auge de la derecha (extrema), y la cara de desencajados que se nos está poniendo a todos por la crisis. Ante esta crispada situación mundial, y ante los lógicos roces cotidianos por no bajar la tapa del wáter, mi señora y yo pensamos refugiarnos en una de esas cuevas de Platón que son los cines comerciales. Y ya puestos a embrutecernos, peor es mejor, decidimos ver Confessions of a Shopaholic (2009) de P.J. Hogan, aunque pudo haber sido cualquiera.

La película, entiéndame, no estaba nada mal. La actriz principal Isla Fisher, tiene un talento natural para la comedia, el guión tenía unos cuantos buenos chistes, el humor visual estaba trabajado, y la gente pataleó en algunas escenas de risa, y nosotros, como pueblo que somos, con ellos. En fin, una de esas entretenidas comedias comerciales, a veces previsible, pero muy muy entretenida. Sin embargo, por encima de esas escasas cualidades cinematográficas, cómo producto cultural, la cinta es un magnifico reflejo del mundo de hoy, de hoy mismo. Bueno de hoy y de anteayer, porque como bien le dije a mi señora pomposamente “Pero esto es muy República Waimar, nena”.

Déjenme explicarles, lo interesante de esta película, a parte de los modelazos y las risas, es la recepción que tuvo. Como bien sabrán, la película empezó a recibir varapalos en el mismo día de su estreno; varapalos que provenían de periódicos que precisamente no estaban dentro del ámbito cinematográfico, como el USA Today, quien dijo “No sólo es aburrida y estridente, sino probablemente la película que ha elegido peor fecha de estreno y la más terriblemente insultante de la historia reciente”. El periódico se refiere, claro, al canto que hace la cinta del consumismo, del uso indiscriminado de la tarjeta de crédito, y del “esclavismo subyacente a la cultura del consumismo [que] es moralmente repugnante”, como dijeron en otra revista, Reelviews . No les voy a engañar a ustedes, porque algo de cierto tienen esas críticas, ya que podríamos decir que toda la subtrama económica que sostiene el filme está basado en esos activos tóxicos, en ese gastar a lo loco ¡¡¡a lo loco!!! cuando no se tiene y cuando se quiere, y que nos ha llevado a donde estamos. De hecho en un momento del filme, se cae de lleno en el comentario descerebrado (recordemos, es una comedia tonta) cuando el padre de la protagonista, John Goodman, le dice algo así como “chica, si tienes muchas deudas, no te preocupes que América también los tiene, y ha salido adelante” (¡¡¡!!!). Vamos que le falta decir “ montamos una buena guerra, pero una de esas gordas, y ya verás como reactivamos la economía, y tu hija a gastar”.

Pero ese sentido común del que hacen gala estos comentarios, no pueden esconder la miopía crítica que hay detrás de ellos. Primero, por la cosa aquella de que la gente en momentos de crisis prefiere ver superficies brillantes, escenas lujosas, aparatosos musicales, y mármoles, mucho mármol. Como bien comentaban en EL PAÍS “Durante la Gran Depresión, una de las películas más populares en taquilla fue Top Hat / Sombrero de copa (1935), complemento que representaba a las clases más altas y capitalistas y que, reflejado en celuloide, conquistó a todas las restantes. No comprender el placer de ver a alguien comprando sin parar cuando el espectador no puede hacerlo es no comprender uno de los principios de la ficción cinematográfica: el escapismo”. Y no sólo es ese, dicho en valenciano, “Xica, tu tens diners?, jo t´alabe el gust” (Chica, ¿tú tienes dinero?, pues yo te alabo el gusto), como decía, no es sólo ese ver gastar por ver gastar, sino que podríamos decir que comprar forma parte de la esencia del cine. Y fíjense si es gordo lo que digo, pero el comprar, el ir de compras es indisoluble al cine, y no sólo porque cuando vas al cine “compras un espectáculo” sino porque la mirada moderna se construyó en gran parte por la unión de mirada comercial y mirada cinematográfica: los escaparates y la pantalla (existe un libro de Anne Friedberg , Window Shopping: Cinema and the Postmodern , dedicado exclusivamente a esta idea). Por no nombrar cómo la proyección del cine ha estado íntimamente relacionada con el centro comercial: el pre-cine dentro los pasajes comerciales de fines del SXIX, las cadenas de palacios de cines de los años 20 inspiradas en las cadenas grandes almacenes, y la situación actual con todas esas salas en centros comerciales. Aunque sobre este tema hablaremos exteeeeensamente en otro momento.

Evidentemente, y es a lo que vamos, el cine de chicas, el conocido en inglés como “Chick flick”, y definido por el momento como “el cine comercial para público femenino realizado entre la década de 1980 y 2000” tiene una evidente vocación escapista y consumista, pelis como la infame Sex and the City (2008) o la apreciable The Devil Wears Prada (2006), son un canto a la lobotomía comercial, que podemos enlazar con los satinados anuncios del Cosmopolitan. Pero aunque una parte de la cultura para chicas “chick culture” se pueda resumir en una rima de una canción de Britney Spears Oops i did it again “ Cause to lose all my senses /That is just so typically me/Oh baby, baby” (“Perder todos los sentidos/es algo tan típicamente mío/Oh baby, baby”). Amigas, no todo es perder el Norte. Y eso también se ha decir claro y alto. El cine comercial para mujeres ha dado también sus obras apreciables y sus obras reprobables. Sus grandes momentos, y sus secuencias vergonzantes. Una producción vasta, fácil y asequible destinada a la consumidora, pero que como siempre (será por la cosa de la mirada masculina) no ha recibido en castellano ni un poquito así de atención crítica. Miren, yo no soy una mujer, pero soy un hombre que sabe lo que le gusta y que se pone cremas, y ¡¡diablos!! algo tiene contar eso. Así que me he propuesto iniciar una serie de artículos sobre los “chick-films”, las pelis para chicas, que como decíamos anteriormente, están viviendo como género comercial un momento interesantísimo: ¿influirá la crisis comercial en las pelis para chicas o como creo se convertirán en altavoz de los valores más consumistas?, ¿utilizaran las chicas los géneros propios para replantearse el modelo femenino, tal como han hecho los chicos con The Wrestler o JCVD?, ¿la renovación vendrá por las “lesbian-chick-flicks” o por la faaaaaaaalsa de Sofia Coppola?, ¿qué pasa en Corea con las chick-flicks?, ¿y con Gossip Girl?, y de nuevo, no , en serio, ¿que-co-ño-pa-sa-en-Co-re-a?.

Ahora que si ustedes me hablan de chicas modernas, guapas, y despiertas, me hablan de una gravísima crisis económica, y me hablan de cine, yo les hablo de Siegfried Kracauer. Ahí, es nada. Kracauer, tal como mucha gente piensa no es un grupo de techno-pop alemán de los 80, sino que es un señor filosofo de la escuela de Frankfurt, un señor que se vestía por los pies y que en la década de los 20, justo antes de que Goebbles demostrara que el cine y la radio son máquinas de matar, escribió una serie de libros sobre cultura popular que eran de ponerse de pie y dejarse las manos aplaudiendo. Un maestro, vamos. Toootal, parte de esa producción apareció analizada en una magnífico artículo de Sabine Hake titulado Girls and Crisis - The Other Side of Diversion (en New German Critique - No. 40), donde hacían referencia a un escrito de Kracauer titulado de manera muy hija de puta Die kleinen Ladenmadchen gehen ins Kino (1928) o sea The Little Shopgirls Go to the Movies o Las pequeñas compradoras van al cine. A través de ese artículo, repito, escrito en 1928, vamos a ver como nació el concepto de "pelis para chicas" y como los intelectuales del momento de enfrentaron a tan terrorífico acontecimiento.

Ese artículo es esencial para empezar analizar la cultura de chicas, créanme, esencial porque nos va a dar la clave de porque no existe una crítica de cine seria sobre el fenómeno del cine comercial para chicas. Es difícil hacer un resumen de un texto que como todos los de Kracauer es tan complejo, pero vamos a ello para no eternizarnos. En este artículo Kracauer:

· Nos da la visión misógina de la espectadora de cine del momento, que ya se intuye en el mismo título. Y es que aunque Kracauer sea una de las voces más vehementes en el tema, no fue quien lo puso sobre la mesa, ya que todo esta tendencia de hablar de las necias que van al cine, digo, de las espectadoras, se inicio allá por 1914 cuando el sociólogo Emilio Altenloh escribió Soziologie des Kinos o Sociología del cine, la primera aproximación a “la mujer como emergente nueva espectadora”. Donde junto a datos estadísticos, el hombre daba alguna opinión propia, que todo no iban a ser recoger datos, que eso lo puede hacer cualquiera. Tanto la opinión de Altenhol, como la de Kracauer, como la de la mayoría de intelectuales del momento era que el cine era un invento a todas luces revolucionario pero que las mujeres lo utilizaban para unas tonterías grandísimas, pero grandísimas. Que daban risa, vamos.

· Kracauer decía más o menos esto: “Pero si el cine es precioso, que es que refleja la vida moderna que da gloria, piensen en ese chico nuevo, Walter Ruttmann, pues ¿Cuántas mujeres han ido a ver Berlin: Die Sinfonie der Grosstadt?. Una o ninguna. Vamos hombre, si es que lo que hay que aguantar. Faltaría más. Ahora, para ver la mierrrrrrrda, y perdona que lo diga así, para ver la mierrrrrrrda sentimental de la UFA, ¿Cuántas?, ¿ehin?, ¿Cuántas?. Así, a puñaos, pásate cualquier sábado por la Kurfiirstendamm”. Claro que un hombre tan inquisitivo (sin ironía) como Kracauer no se podía quedar ahí, e intentó responde a la pregunta de por qué existía esa cultura de las chicas (en el cine, los cabarets, los musicales), por qué había esa preponderancia de las girls, y cómo ésta afectaba al cine. Según Kracauer gran parte del protagonismo cultural de las chicas proviene de la crisis económica. De hecho Kracauer fue el autor de la ecuación “Girls und Krise” según la cual la crisis económica y el ambiente urbano llevaba a las mujeres jóvenes a romper con la familia tradicional y entrar en un mercado laboral barato, cayendo directamente en la devaluada profesión de secretaria. De ahí la popularidad de los conjuntos de baile femeninos o la moda para chicas.

· Mantiene que, y traduzco del artículo, “el papel de chica era el precio que una mujer debía de pagar por su desmitificación (causada por su participación en el ámbito laboral)”. Esta característica tiene, según Kracauer, su mejor personificación en los números musicales del cabaret del momento (el cine aún era mudo): “… y cuando las bailarinas hacen lo mismo una y otra vez, sin interrumpir la línea, uno es capaz de ver la cadena de coches saliendo de la fábrica, saliendo de la cadena de montaje al mundo” (vean el video más abajo). Así mismo, hablando de géneros contemporáneos analiza la popularidad de los argumentos de "falsa identidad" entre las espectadoras como un síntoma de su propia falta de personalidad como empleadas.

· Finalmente, Kracauer echa la culpa del bajo nivel de producción del cine del momento a las mujeres, que van mucho al cine, y mal. Para demostrar esto hace una lista de típicos motivos cinematográficos y de reacciones femeninas vinculados a ellas. La lista, claro, es de aúpa. Por ejemplo, “Nación en armas”, una supuesta película de guerra: “las pequeñas compradoras pasarán un mal rato resistiendo el glamour de las marchas y de los uniformes”. O una peli de amor: “si un gentelman se aproxima a una de las pequeñas compradoras, ellas probablemente creerán que uno de esos famosos millonarios”.

El tema como verán por las parrafadas anteriores es complejo hasta en sus facetas más monstruosamente misóginas, ya que si bien nadie en su sano juicio afirmará que la mujer se “desmitifica” en el trabajo, tampoco se puede refutar que la mujer entra en pleno derecho en la sociedad de consumo, sobre todo a partir de los 60s, a través de la reivindicación de la adolescencia y la cultura de “chicas” (no en vano la modelo Twiggy es un icono de ello). En definitiva, es innegable que esta "chick culture" de la que vamos a hablar en sucesivos artículos no nació ayer, sino que ha sido una de las formas más usuales de representar a las mujer en las sociedades capitalistas (en Krisis). Además, al ser un tema tan nuevo (para España) y tan tonto es tan estimulante intelectualmente que creo que va dar para mucho entre nosotras, queridas e inteligentes lectoras.

En otro orden de cosas, justo es reconocer que no he sido yo el primero que ha unido “chick culture”+Republica de Weimar”, que me he inspirado en una canción de mi cantante favorito, el muy germano, Max Raabe and the Palast Orchestra, concretamente la versión que hizo de la canción de Britney Spears “Ooops, I did it again”: veanla aquí que no se puede colgar, créanme, es imprescindible. Max Raabe es uno de los grandes cantantes mundiales actuales y uno de los grandes recuperadores del legado cultural de Weimar, en el siguiente video lo tienen, no haciendo versiones de la Britney, sino en sus fueros, en alemán con la canción “Daysi” y acompañado de un grupo de girls como las que comentaba Kracauer, pura línea fordista de señoritas vicetiples. Max Raabe el minuto 2.10 adopta una pose (es que es muy de poses) nivel 10 de dandismo. Lo dicho, si no son personas muy muy elegantes, no la hagan en casa, podrían dislocarse la cadera.

Fin de fiestas: Max Raabe and the Palast Orchestra en estado de gracia, en puro estado de gracia, con una de esas canciones de moda en los años 30, de esa bendita moda de los 30 de las “canciones-lista” donde la letra era una lista de cosas ridículas. Esta vez, una canción de amor titulada “You´re the cream in my coffee” (eres la leche en mi café) donde se puede oír: “You're the salt in my stew” (eres la sal en mi estofado) , “You're the lace in my shoe” (eres el cordon de mi zapato), “You're the sail of my love boat” (eres la vela de mi barco del amor) o mi preferida absoluta “You're the starch in my collar” (¡¡¡eres el almidón de mi cuello!!!).

Rapidshare kills the critical star

2009-04-16T07:43:00.000-07:00

Al amplio abanico de profesionales que miran con zozobra el futuro debido a la crisis (desde fabricantes de tornillos a narcotraficantes) se le ha de sumar un sector de la economía muy particular y quizás no muy productivo, pero seguro muy divertido: los críticos de cine, los escritores y los expertos en la cosa de la gran pantalla. Aunque éstos, es justo decirlo, venían tocados desde antes, y no digo de nacimiento sino de antes, de antes de la crisis económica, que lo tengo yo comprobado. Miren, yo soy muy aficionado a los cursos de cine, hago tantos cursos como se me ponen por delante desde “Cine histórico” hasta “Mujer y cámara”, yo pago por todo, escucho lo que puedo, y me entero de lo que buenamente me da la cabeza. A lo largo de toda esa trayectoria como alumno me he ido percatando de la profunda angustia que vive ese sector profesional y es que oyéndolos parece que una forma de entender el cine, una manera intelectual que nació allí por 1951 con el primer número de Cahiers du cinema, que saltó a España con la Transición (revistas como Dirigido por, Cinema 2002…), y que se nutrió a base de espectadores de Filmotecas y Cine-clubs, se está yendo al garete. Todo según sus palabras, que yo ni quito ni pongo, de lo que compro, vendo.

Sobre esta premisa se puede llegar a las conclusiones más disparatadas, incluida una que oí en una mesa de programadores de filmotecas sobre cómo el escaso horario de apertura de los bares puede afectar al espectador de filmoteca: cómo echa para atrás tanto a los aficionados a Jean-Luc Godard como a los de la puntilla, tanto los aficionados a Rainer Werner Fassbinder como a los de la sepia con mayonesa (“… y ahora a ver In einem Jahr mit 13 Monden ). Dejando a parte estas estridencias, en todos estos simposios poco, poquito se ha hablado de cómo el cambio de formato, de cómo la desaparición de la película como objeto físico, puede afectar a la crítica de cine. De qué significa ese cambio que no sólo estamos viviendo, sino que lo estamos haciendo, entre todos… De eso va este post. De buenas a primeras a mí se me ocurren dos grandes cambios:

1) La desaparición de la concepción del cine como “misterio doloroso”. Miren, los snobs del cine, la vieja guardia que retiene en sus pupilas las grandes imágenes de la historia de la imagen en movimiento, consideran el cine como un misterio doloroso. Es la vieja historia del héroe solitario que lleva una espada o una pistola al cinto: sólo superando ciertas pruebas nuestro héroe alcanza la madurez como espectador que tiene como recompensa el éxtasis estético a través de Béla Tarr. Así, muchos de ellos recuerdan los “gloriosos viejos días” de proyecciones fantasmagóricas, filmotecas con aviso de derrumbe y cine clubs piojosos: “Cuando era joven veíamos a Yasujiro Ozu en una copia con subtítulos en finés, en mono, proyectada en una pantalla sucia, mientras llovía y habían goteras…” Vamos muy parecido a esto

Para mí, y sospecho que para gente mucho más joven que yo, el cine es un “misterio gozoso”. Al menos eso es lo que percibí cuando conocí a un grupo de chicos y chicas que están poniendo en mi facultad una serie de películas agrupadas bajo el título “La violencia según el cine”. Ellos son jóvenes, modernos, inteligentes, guapos y raros (y yo los admiro y envidio secretamente), pues bien, no me los imagino de aquí 40 años diciendo: “en mi época teníamos que pagar 15 leuros por 3 meses de rapidshare, la banda ancha era una mierda, y la señora ministra de cultura decía que nos iba a cerrar el grifo”. Un inciso: la nueva ministra de cultura está contra las descargas ilegales, el ministro de trabajo está contra el paro, en España hay 4 millones de parados, esperemos que a ambos les vaya bien, que todos tengamos trabajos dignos, con sueldos dignos, que además de mantenernos básicamente nos permita comprarnos los lujosos packs de películas en un formato que no desaparezca de aquí 5 años (fin del inciso). Resumiendo: la piratería puede convertir el cine en un entretenimiento solitario, en algo parecido a una edición de bolsillo de los grandes filmes de filmoteca y festival, pero coño, democratiza saberes y contenidos. Y eso, queramos o no, tiene otra repercusión…

2) La pérdida de capital cultural que significa poseer conocimientos cinematográficos. Esto les va a encantar, porque además está muy de moda. Según las locas locas teorías del filosofo Pierre Bordieu la vida social, su éxito o fracaso, se puede trazar a partir de la posesión de tres recursos: capital económico (tener duros), capital social (conocer la gente precisa), y el capital cultural. El capital cultural se puede definir por poseer ciertas habilidades, poseer ciertos títulos universitarios, tener muchos libros o cuadros, tener un buen pensamiento abstracto y crítico, brillantez intelectual o capacidad investigadora. Es de todos sabido que para poseer algunas de estas cualidades y objetos hace falta tener dinero (y mucho), es decir, dinero invertido en educación, o en el caso que nos ocupa, dinero invertido en acceder a ciertas o a una cantidad razonable de películas.

Pero, ¿para qué sirve ver muchas películas y leer sobre esas películas? Pues amiguitos, para tener un buen capitalazo cultural, que la cosa no está para tirar. Cito y traduzco a Doublas B Holt: “Bordiue argumenta que el capital cultural asegura el respeto de otros a través del consumo de objetos que son conceptualmente difíciles y que sólo pueden ser consumidos por aquellos pocos que han adquirido la habilidad para hacerlo”. Por eso, antes de comprar una entrada conviene hacerse dos preguntas: “¿tengo las herramientas dialécticas precisas para comprender esta película?” y “¿tengo el coño para ruidos?” (porque a lo mejor una no tiene el coño para Ingmar Bergman, y oye, no hay que forzarse). Pero volvamos a los críticos, y pensemos en ellos como poseedores de un gran capital cultural cinematográfico, en acumuladores de ese capital, en fin, dicho en plata, en capitalistas culturales (cinematográficos). Pues bien, allí teníamos a ese sector en sus Filmotecas de Invierno, disfrutando de sus arañas de cristal y sus exclusivas proyecciones en rutilantes capitales europeas cuando algo pasó: no la Revolución, sino el Posmodernismo y el Rapidshare.

Con el Posmodernismo, y por no perdernos a estas alturas, pasó lo que pasó, es decir que al final las fronteras entre alta y baja cultura se fueron al garete. Que con el pop, el estudio del comic, los cultural studies, todo se convirtió en analizable desde Roy Andersson hasta “Granjero busca esposa”. Con esta tendencia se rompía la jerarquía que suponía el consumo de productos de élite, y con ello los aficionados al cine de autor tuvimos que oír de nuestros amigos y familiares frases como está: “el otro día fui a ver una película que era una mierda, te gustará” (¡!!!!!). Dicho de otro modo, el respeto que producía el consumo de objetos conceptualmente difíciles se fue al carajo cuando los materiales de la cultura popular se convirtieron en objetos de estudio estéticos y cuando los “objetos culturales de la élite se masificaron”. Y ahí sí que entra el internete y el Rapidshare.

Creo que toda justificación intelectual contra la piratería cinematográfica va en el camino de garantizar que los productos culturales de la élite se sigan manteniendo en el ámbito de la élite cultural. Y miren si es gordo lo que digo, pero creo que la cultura no se degrada porque gente sin posibilidad de gastar grandes cantidades de dinero accedan a ella (los jóvenes, por ejemplo), la cultura se degrada porque se proyecta en catedrales (las filmotecas), porque se convierte en un objeto de lujo (el precio de los libros, ¡¡¡el precio de los libros!!!), y porque su comercio se construye sobre la absoluta falta de respeto al creador y al espectador: miren yo no tengo la culpa de que se estén muriendo de risa mi colección de VHS y dvds, de que el cine en su soporte “utilitario” haya perdido valor como objeto…

Claro, que la élite sigue siendo la élite, y aunque preocupados porque han puesto sus ahorros de capital cultural en una especie de Caja de Castilla la Mancha (o corralito), nobleza obliga. Y si esta élite no se diferencia por el tipo de objetos consume, se diferencia en “cómo” los consume. “¿Usted conoce a Béla Tarr?, es que yo vi su última película en el Festival de Venecia”. Pues bueno, y yo con mi señora dormida, al lado, y mientras le caía un hilillo de baba (la pobre me aguantó 12 min de peli). Con todo esto lo que quiero decir es que Rapidshare ha puesto al alcance de un montón de gente inquieta un material que hasta hace un año escaso pertenecía exclusivamente a la élite cultural, y que eso merece la pena defenderlo a muerte, pero a muerte. Entre otras cosas porque ver buen cine repercute en hacer buen cine, porque como decía hace tiempo Francis Ford Coppola “gracias a las nuevas tecnologías [se refería a la cámara digital] de aquí unos años veremos a una chica gordita de Wyoming hacer una obra maestra”. Créanme, he estado en Wyoming, y he conocido a unas cuantas chicas gorditas de allí y una cámara digital no garantiza nada. No hace falta sólo material, sino educación y acceso a ella, ahora sí, ahora tras descargarse Werckmeister harmóniák esa chica gordita puede ser la Béla Tarr del Medio Oeste, ¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡yiiiiiiiiiiiiiiiiihaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaa!!!!!!!!!!!!!!!!!.

Este post está dedicado a la gente de http://www.cafeycigarrillos.com.ar/ y a la de http://scalisto.blogspot.com/ por las horas de voluptuosidad cinematográfica aportada, y a cierta comunista intelectual de la que tanto he aprendido…

Nosotros los supervivientes (parte 2)

2009-04-05T02:20:00.000-07:00

(Previously on Palomitas: el autor del blog sufre un aparatoso esguince, hace una reflexión sobre el ego en el cine contemporáneo y en la blogosfera, pone una par de canciones animadas y continúa…)

Esa es la crítica que venía a hacer aquí, una crítica hecha desde mi experiencia (que lastre), mi ignorancia, y mi situación: de cubito prono, con la pierna levantada, y de un humor de perros porque todo el mundo se divertía a mí alrededor menos yo. En esa posición y con ese carácter endiablado estaba leyendo el muy recomendable blog (maquinariadenube), que también hace crítica cultural, pero vamos en un estilo mucho más fino (dondevaaparar), y a través de él descubrí una de las películas más increíbles que he visto en mi vida, una llena de personajes cotidianos, encuadres bellísimos y frases idiotamente filosóficas. La muy magnífica Du levande (2007) del no menos bizarro Roy Andersson.

La película es una obra de culto desde ya. Piensen que en España se estrenó en el 2007 y que recaudó la ridícula pero bonita cifra de 4.440 euros, es decir, que dividida entre los 6 euros que cuesta una entrada la vieron la absurda cantidad de 740 almas. Y digo almas porque la cinta es puro alimento para el espíritu ya que une alta comedia (la de tartazos, vamos) con alta filosofía. De hecho, el “nuevo” estilo del director ha sido calificado por los americanos como “un Bergman convertido al slpastick” o “que hubiera pasado si los Monty Python hubiesen sido suecos”. Es decir es una película llena de desolación y caídas tontas, como la vida misma. En esta cinta de sketchs, 67 en total, todo el mundo está deprimido y todo el mundo repite “nadie me comprende”, hasta un psiquiatra que en uno de los momentos claves de la cinta hace un hilarante discurso sobre que su trabajo consiste en hacer felices a gente egoísta (el propio director ha sufrido constantes depresiones). Es difícil encontrar películas que destilen tanta humanidad sobre el destino incierto de los suecos en particular y del resto de la población mundial, así en general.

El director. El director es una persona altamente bizarra que hace una película por década, y que entre película y película cae en profundas depresiones y hace anuncios. Antiguo estudiante de la Escuela de cine Sueca, de donde Bergman era una especie de inspector y consultor espiritual y artístico al que, casi obligatoriamente, había que ir a pedirle consejo, y al que Andersson conoció y acabó calificando como un director sobrestimado y un facha, que amenazaba a los alumnos diciéndoles que si no dejaban de hacer panfletos izquierdistas los expulsaría. Huyendo del maestro, Andersson inicia su enloquecida trayectoria realizando una obra que ha sido recibida desigualmente en su país, por ejemplo, su primer film, una historia de amor adolescente titulada En kärlekshistoria (1970) fue un éxito inmediato, su segundo film Giliap (1975) fue un fracaso estrepitoso que casi hunde al director y a la productora (los presupuestos se dispararon). Tras este batacazo pasa años en la inactividad hasta que se mete a hacer anuncios para sobrevivir, convirtiendo ese medio en una forma de arte y ganando multiples premios; como decían en otro blog: “los anuncios de Andersson triunfan a pesar de estar protagonizados por personas viejas, gordas, locas…”. Veamos algunos ejemplos, entre ellos uno de los anuncios ganadores del certamen de Cannes de publicidad (el anuncio del avión):

Entre tanto recibe los más diversos encargos que lleva a cabo siguiendo su sensibilidad y rigiéndose por unas ideas completamente disparatadas, por ejemplo, el ministerio de sanidad sueco en 1987 no se le ocurre otra cosa que encargarle una cinta de prevención del SIDA para jóvenes. La cinta, Någonting har hänt destinada a colegios se acaba llenando de un tono deprimente y oscuro, pero vean, vean, e imagínense a un aula llena de risueños niños suecos sentados delante de una desvencijada pantalla…

Un mal rrrrrollo tooootal, vamos nada parecido a esos raps con la letra "O" que el Ministerio de Nuestra Señora de la Salud Española nos tiene acostumbrados. Pero Andersson no sólo se quedó en el tono deprimente sino que a través de esta cinta sostuvo que el SIDA no fue originado en África sino en laboratorios americanos. En el corto pintaba a los científicos como racistas y establecía un paralelismo entre los laboratorios americanos y los experimentos nazis en los campos de concentración. En fin, genial, te encargan una cinta para concienciar a los jóvenes suecos y acabas haciendo una bizarrada que recoge las teorías de la Stasi sobre la pandemia, con lo que el Ministerio te acaba retirando la subvención y terminas el corto por tus propios medios. Desde hace unos años, Andersson decide cambiar de registro y hace Sånger från andra våningen (2000), que tiene puntos de contacto con Du levande (2007), es también una colección de escenas disparatadas y poéticas, de hecho toda la película está basada en un verso de Cesar Vallejo: “Amados sean los que se sientan”. Pero es mucho más oscura y enigmática, con apocalipsis buñelianos y hecatombes fellinianas, pero de las buenas, de las de antes, de cuando los directores conservaban la mala leche, como esa escena en la que un grupo de catedráticos cogen a una niña y después de explicarle “si hubieras leído muchos libros como nosotros, sabrías que hay cosas imposibles”, la lanzan a un acantilado ante la presencia de las más altas instituciones del estado como el gobierno o la iglesia. Junto a esas escenas de alta concentración metafísica, Andersson, alterna momentos tan idiotas como éstos:

En esta peli ya demuestra que los años de publicidad le han servido para trabajar dentro del plano como Dios (evita los contrastes de color y subraya la geometría), que es que se nota que cada secuencia está realizada con una paciencia neurótica, no en vano Sånger från andra våningen (2000) le costó al director la friolera de 4 años de trabajo artesanal. Decimos trabajo artesanal porque Andersson ha rodado sus dos últimas películas en los sótanos de su casa / productora Studio 24, véanle en plena faena, disfrutando y utilizando con los extras un viejo truco de vodevil, que los figurantes corran tras el escenario y vuelvan a aparecer:

Al ver estas imágenes me preguntaba, ¿no es esa calidad/cualidad artesanal uno de los valores más reivindicables de Andersson?. Quiero decir, ¿no nos imaginamos a los directores de cine como personas fascinantes llevando una vida de lujo intelectual y de intercambio de ideas al más alto nivel?. Personas que, en definitiva, dan forma al mundo visualmente, siempre rodeados de escritores (Coixet/Berger), o con vidas sexuales altamente llamativas (Woody Allen/hija adoptiva). Y antes esas imágenes de Andersson, ¿no es parece un poco pajillero?. Andersson se lo pasa pipa, eso es indudable, pero quiero decir, que el tipo hace cine del mismo modo que podría dedicarse al plastimodelismo, como un acto casero, concentrado y escasamente remunerable (el cine como un maquetismo hipertrófico). Y al hacerlo así, ¿no se pone al nivel de los aficionados y aficionadas de cine medios: personas solitarias, llenas de manías, con una lechuga florecida en la nevera, y con hobby que o bien requiere soledad o bien requiere que las personas que te acompañen estén en silencio?. Que grande y que sueco eres Roy, y cuanto te admiro.

Y te admiro porque creo que la gente que quiere hacer poesía con el cine se equivoca de medio. Es decir, que si quieres hacer poesía lo más recomendable es que cojas un par de cuartillas, un boli de regalo del Banco Santander, una ventana con buenas vistas, y te dediques a exprimirte el alma mientras te sudan las manos (si te dedicas a la poesía TE TIENEN que sudar las manos). Y es lo más recomendable porque siempre es mucho más fácil reunir un boli del Banco de Santander, unas cuartillas, una ventana, unas manos sudorosas y un alma, que un presupuesto desorbitado, un equipo técnico costosísimo, el trabajo de no menos que 500 personas (en todo el proceso), una postproducción dolorosa, un estreno rocambolesco… Es decir, en cine, como en la vida, la poesía se consigue de carambola, y es prácticamente imposible plantearse de buenas a primera crear algo con alma, vean sino, toda esa oleada de poesía indie que vivimos con directores como Michel Gondry, Sofia Coppola o Isabel Coixet, que aciertan cuando aciertan, que es pocas veces, la verdad. Por eso creo que se tienen que venerar aquellas obras que, queriéndolo o no, dan en el clavo. Vean sino los primeros minutos de Du levande y caigan fascinados…

Grande Grace Chang

2009-03-29T02:46:00.000-07:00

Hace unos años llegamos a la conclusión de que la gente era bastante desagradable y en algunos casos extremos (pero no extraños) que eran unos hijos de la grandísima puta. Al mantener esa línea de pensamiento nos cargamos de un plumazo el contrato tácito que manteníamos con los musicales: que la gente buena y simpática se iba a poner a cantar sobre sus sentimientos, haciendo que los demás, la gente egoísta y digamos “no-musical” nos diéramos enterados de ellos. Con ello se fue al traste el género musical, que no sólo tuvo que soportar el desencanto del espectador sino que, entre otras cosas, se ahogó en el lodo de sus propios presupuestos; que excesivamente altos hicieron peligrar a más de una productora. Recordemos que uno de los últimos éxitos del Viejo Hollywood fue The Sound of Music / Sonrisas y lágrimas (1965), cuyos enormes beneficios y popularidad, hicieron que muchas productoras ya tocadas por el descenso de espectadores se metieran en una enloquecida carrera de películas y musicales carísimos que se convirtieron en la agonía del Hollywood clásico.

A partir de ese momento, sino antes porque Les parapluies de Cherbourg es de 1964, el musical entró en el terreno de la experimentación, y cuando digo experimentación quiero decir de directores como raros, como Alain Resnais que hizo la maravillosa On connaît la chanson (1997) donde un grupo de parisinos hacían playback de sus sentimientos con canciones de la chanson, o Dancer in the Dark (2000) con la Björk cieguita. Otra cosa que gusta mucho a los directores raros es hacer películas incomprensibles y poner en medio coloridos números musicales, que esto creo yo que viene de Pedro Almodóvar, que lo puso de moda. Así lo hizo, por ejemplo, David Lynch en la improbable Inland Empire (2006) donde en un momento bailaban dándonos un respiro de ver a Laura Dern, o el director del que hablábamos en el anterior post, Ming-liang Tsai el de Tian bian yi duo yun/ El sabor de la sandia (2005) cuya banda sonora me la pongo siempre para limpiar la casa, porque, la verdad, me parece una bizarrada digna de tener en el nanopod.

Hace unos días, impedido como estoy (impedido y muy poco productivo) empecé a tirar del hilo de esa BSO, y he descubierto a una cantante/actriz que me tiene a-lu-ni-za-do, digo alucinado, la gran, pero gran, gran de verdad Grace Chang. Grace chang ha entrado de inmediato y por la puerta grande en el Olimpo de las grandes diosas imposibles de la canción junto a Eartha Kitt (censurada en televisión por hacer cabrear a la señora Nixon) o Yma Sumac (a la que los generales estalinistas le tiraban las medallas al escenario como símbolo de aprecio). Grace Chang está a la altura de todas ellas, vean sino esta genial versión de la “Habanera” de Carmen. El galán se la come con los ojos, como para no comérsela…

葛蘭 pues así es su nombre en chino, nació en 1933, es una actriz y cantante que participó en 33 películas en una carrera de 11 años. Educada como cantante de la ópera de Beijing acaba convertida en la Marisol del Maoismo en películas como “7 hermanas” (se debut en 1953), a partir del cual se labró una carrera como cantante ligera en la línea del mambo, y cha-cha. Aquí la tenemos en uno de mayores éxitos, en la película que le dio el sobrenombre de “Mambo girl”. Desde que oímos este tema en mi casa no dejamos de derramar el Dry Martini por las alfombras y paredes ¡¡cha-cha-cha!!...

Al final parece que la turba juvenil se la va echar encima y lincharla, pero la Chang consigue salir a hombros y todos felices... bueno, una acaba de mal rollo, pero porque es una pava. Ya ven que las películas, así a simple vista, mucha miga no deben de tener que no son otra cosa que puro divertimento para las masas socialistas chinas, pero que presentan una juventud que no esperábamos. Una juventud saludable, pues oye, cómo toda la juventud, divertida, sin complejos, sin armario, consumista, concenciada… En el siguiente clip la Chang sueña con sacarse el carnete de conducir y da sabios consejos a la altura de "la conducción tiene que ser como una flor de loto a la deriva en un tranquilo lago". ¡¡¡No corras, mamá!!!

En el video se la ve muy independiente con su carnet, pero conforme la Chang contrajo matrimonio sus apariciones en pelis se fueron distanciando y su popularidad declinado. Como cantante ha sido recuperada por directores como Ming-liang Tsai que utilizó, por ejemplo, la siguiente canción “Oh calypso!” en su peli Dong /The hole (1998) que creo que es esa en la que el protagonista se acaba follando a su propio padre en un cuarto oscuro gay sin que ninguno de los dos lo sepa (aarrrrrrrgggghh!!). ¡¡Ahivá que a lo mejor os he destripado la peli!!... La canción original salió en la peli china "Azafata de vuelo", con un argumento mucho más blanco que el anterior.

Terminamos con un, podríamos llamar, mambo comunista. Que como podemos apreciar se diferencia del decadente mambo occidental capitalista en la participación del pueblo como coro. En la canción “Jajajamanbo” el pueblo chino participa activamente bien fumando como carreteros, bien escupiendo al suelo o uniéndose a grito pelado a ese solete que se llama Grace Chang. Que gran mensaje Chang, “a la Revolución por los ritmos tropicales”, brindamos por ello.

¡¡¡ Celebramos el post número 50!!! !!!Jajambooooooo!!!

Pd: De qué irán esas pelis que siempre siempre aparece alguien con mirada intrigante…
Ppd: Señor Ariel le contesto de inmediato…

Nosotros los supervivientes (parte 1)

2009-03-24T14:51:00.000-07:00

YO nunca he pretendido que este blog fuera una especie de diario, es decir que mi ego se impusiera a la crítica cultural y que esto acabara, ya saben, como uno de esos sitios que explican “comí unas lentejas vegetarianas riquiiiiisimas”, “hoy me bajó la regla” o “me gusta mucho el autobús número 7”. Sin embargo al evitar esa imposición, me abstraigo del que es uno de los grandes debates del cine contemporáneo: el “yo” a 24 fotogramas por segundo (o a 12 si lo ponen a doble velocidad). Es decir, ¿se han fijado que gran parte del cine contemporáneo, y entiendo ese término como el cine desde los 60 para adelante, se basa o bien en el ensalzamiento o bien en la negación del ego?. Piensen en todo Woody Allen, y en gran parte de Fellini o Bergman, cineastas que vomitaron sus distintas paranoias en películas más o menos acertadas. Piensen en la cantidad de películas donde el personaje principal, bien sea el real o inventado, se confiesa ante la cámara; piensen en ello y pregúntense pasmados: ¿qué es una confesión sino un ego canceroso y enquistado?. Piensen, por citar aleatoriamente, en las confesiones sentimentales que encontramos en A Complete History of My Sexual Failures (2008), I Am a Sex Addict (2005), o Alexandra's Project (2003). Piensen en ello, y abran los ojos, almas de cántaro, que aquí quien no saca a pasear su ego es porque no quiere, y no sólo los directores de cine sino también el común de los ciudadanos-espectadores. Aquí quien no te cuenta sus miserias en facebook, es cazado por un psicópata a través de tuenti, expone sus explosivas ideas políticas en un blog o enseña sus genitales en XTube.

Esta estética de la confesión a lo loco, este hablar de uno mismo por no callar, está tan extendida que ha acabado alcanzando al cine, porque no podríamos pensar en Vicky Cristina Barcelona (2008) como en un blog de dos americanas pavas, de dos pijas de Baja California contando sus correrías españolas. Un blog contado en tercera persona, pero un blog al fin y al cabo. Seamos sinceros, sólo en un blog se podría leer/escuchar una estupidez de este calibre: “Vicky se paseaba por Barcelona buscando medios de expresión”. Ayyy, Wudy Buddy, que necio eres, y que machista, y que morro le echas... En fin, la decepción no fue sino en aumento porque la gran línea que debería haber cerrado esa infamia audiovisual era “y después de aquel verano nunca volví a ser la misma…”, y creo que la finiquitó con alguna manida frase intelectual sobre la necesidad de cambiar para acabar siendo el mismo. Y en eso, mira, acertó: somos siempre los mismos necios, pero distintos, los que año tras año vamos a ver tus bodrios. Menos mal, y fíjate lo que te digo, que el PLAN BOLONIA va a acabar idiotizando a los únicos seguidores que te quedan, esto es, los licenciados, los universitarios, y los profesoras de secundaria europeas. Mira, algo bueno tenía que tener.

Ahora piensen en la otra tendencia del cine de autor contemporáneo, en cómo ciertos autores han ido negando sistemáticamente la psicología de los personajes. Esta tendencia nació también en los 60s cuando los directores de cine, los situacionistas y la gente decente se hizo este planteamiento: a raíz de los últimos acontecimientos mundiales que incluyen guerras, magnicidios, hambrunas y revueltas hemos llegado a la conclusión que el mundo ya no tiene sentido. Y si no tiene sentido, no vamos a contar las historias como si lo tuviera, es decir, ¡¡viva los saltos temporales, los saltos de eje y los personajes atrapados por la cámara!!. De este modo las películas de Antonioni y de los directores franceses se llenaron de diálogos de besugos “- Buenos días – Buenas tardes - ¿Tiene sardinas enlatadas? – Mi prima es de Cangas de Onis” y de ese tipo de cosas. Con ello se acabó con la psicología que marcaba la causalidad de las acciones de los personajes del cine clásico. Está bien, lo reconozco, la anterior frase es muy larga y tiene muchos “des”, así que se lo voy a explicar de otro modo, fíjense que diferencia y que gusto:

- Típico relato del cine clásico: chico conoce a chica, muchos obstáculos los separan, logran superar estos obstáculos a través de una serie de desventuras y enredos que no hacen sino fortalecerlos como personas y por ende su relación.

- Típico relato del cine de autor (post 60s): chica conoce a chico, esa misma mañana se encuentra un perro abandonado, lo sigue, acaba en una barriada pobre, habla con una prostituta, la prostituta se ríe escandalosamente, ella siente angustia, huye, pilla un taxi, acaba en una fiesta, conoce a un checo, la fiesta se alarga, van a disfrutar del amanecer en una playa, alguien pesca una raya, el checo recita a Vítězslav Nezval “Byl jeden král, byl starý / už netěšil ho svět / Netěšily ho dary /Ten král rád jedl med!”.

Pues del cielo a la tierra óigame. En verdad y con la mano en el corazón nos comportamos más del segundo modo que del primero. Además esta negación de la psicología del personaje nos ha llevado a la que creo que es la gran poética del cine contemporáneo, el autismo. No se pierdan ahora y síganme el hilo: ¿qué es lo que tienen en común el cine de acción, la comedia más estúpida o la película de autor más moderna y sesuda? Que los personajes no tienen psicología, que no tiene un yo construido y que actúan o aleatoriamente o siguiendo las reglas del género (por ejemplo, Rambo mata por matar). A mí eso me encanta, de verdad. Disfruto las historias en que los personajes, aún metidos en la acción, parecen estar pegados al celuloide, como en un collage. Mis preferidos: los personajes de Gus Van Sant (cuando se pone raro) y Ming-liang Tsai el de Tian bian yi duo yun / El sabor de la sandia (2005), que unió en esa película los tres estilos más autistas de la historia del cine: Goddar+Porno+Musical. Pero de esto ya hablaremos otro día, que este post venía a hablar de mí mismo y de los acontecimientos que me han llevado a la situación en que me encuentro…

“Querido diario…” estoy metido en una espiral de mal karma. Desde que subí mi último post parece que me haya mirado un tuerto. El mismo viernes que íbamos a ver a Jonathan Richman, la grúa se llevó el coche de mi mujer, lo que, a su vez, nos obligó a realizar un enloquecido viaje urbano para recogerlo a las afueras (eran fiestas en mí ciudad y el transporte público estaba hecho un asco). Pero pese a ello, nada parecía alterarnos porque debido a la crisis llevábamos dos meses sin salir y esa noche iba a ser la nuestra. Richman empieza a tocar, yo estaba a dos metros del suelo, y una tía, bueno… una perra que teníamos detrás, ¡¡¡vomita encima a mi mujer!!!. Mal rollo garantizado. Acaba la noche, y pienso “mañana me desquito saliendo con unas amigas”. Acabo de cenar al día siguiente y sufro un aparatoso esguince que me hace entrar en el recorrido de urgencias-médicos que me abroncan-y reposo de 15 días. Eso, a su vez, me obliga a ver un buen montón de películas, la mayoría suministradas por mis amigos de café y cigarrillos, blog donde entre link y link discuten de cosas tan interesantes como permitirse “el lujo de ser subjetivos” en las críticas que acompañan las películas colgadas. A mí, personalmente, la mayoría de crítica me ha parecido muy poco subjetiva, a mí me gustaría que los críticos y los chicos de café y cigarrillos me contarán donde han visto o porque les gusta la peli, si cuando la vieron tenían un mal día, si les gusta porque les recuerda algo, o si les insulta porque se consideran mujeres inteligentes u hombres sensibles… vamos un rollo más Facebook.

Habiendo nombrado la magnifica Tian bian yi duo yun / El sabor de la sandia quién se resiste a poner alguno de sus bizarros números musicales. El resto de la película está a la altura...

Jonathan Richman y el señor de la tienda de encurtidos

2009-03-12T00:00:00.000-07:00

El número 7 es desde luego el autobús más poético de todos los de la valenciana Empresa Metropolitana de Transporte (la EMT para entendernos). Su trayectoria posee podríamos decir una belleza innata basada en el juego y en conceptos filosóficos tan elevados como la deriva situacionista ya que no parece que lleve a ningún lado, sino que tan sólo es guiado por la caprichosa voluntad del conductor. Así, aleatoriamente y por puro azar, se deja llevar y ahora fruto de sus recuerdos quiere pasar por la calle donde jugaba de pequeño o por el paseo donde iba con su primera novia, y ahora guiado por sus papilas gustativas quiere pasar cerca de un horno para ver como las empanadillas, las media lunas cristianas y valencianas, relucen en su mostrador … Yo con el autobús número 7 me identifico de una manera mística, principalmente por puro sentido contradictorio: parece que lleva por una ruta, y ¡zas!, da un giro radical y se mete por un callejón que confunde para ¡zas! dar otro giro. Es por decirlo en términos musicales una línea dodecafónica, porque justo cuando estabas empezando a comprender su trayectoria, aparece un nuevo y sorprendente vuelco en el camino… Además es un autobús que cogen los viejecitos para ir al Mercado Central, y los yonquis para ir a comprar heroína a Las Cañas, es un autobús que pasa por lugares de prostitución y por la plaza del Ayuntamiento, además enlaza con la red de Ferrocarriles que es una cosa muy práctica. Una de las escenas que más me gustan del autobús número 7 es que más o menos a la altura de la calle Francisco Moreno Usedo puedes ver, aunque quizás sea un reflejo o es que yo lo leo mal, o una tienda ¡¡¡sólo de encurtidos!!!... de olivas y pepinillos en vinagre y sus variantes (las moriscas olivas negras o las bastas olivas rotas). Y cada vez que paso por la tienda de encurtidos y viendo los escándalos de nuestra política valenciana pienso “He ahí el último hombre honrado de Valencia”. El tío de la tienda de encurtidos, sí señor, ni un constructor, ni político, ni un catedrático en historia del arte, el tipo de la tienda de encurtidos. Dan ganas de parar el autobús número 7 y bajar a darle un abrazo por devolverme la confianza en el género humano, y tomarse con el conductor, el abuelito que sólo sale de casa para comprar los auténticos tomates raf y el yonqui que va para las cañas unas olivitas y unos buenos encurtidos…

El 41 no está mal. Es utilitario, y tal, lleva a las universidades, pero claro no es el número 7 (por supuesto). Lo que ocurre es que el autobús número 41 por su pura funcionalidad este viernes se verá revestido de gloria y dignidad ya que nos llevará a ver a alguien que en casa consideramos tan majo como el de la tienda de encurtidos, Jonathan Richman . Que sí, que sí, que ya sé que viene cada dos por tres, que es colega de Kiko Veneno y Muchachito, pero tenerlo en Valencia, con sólo coger el 41 para ir al Wha-Wha es un lujo. Si no lo conocen ahí van nuestras canciones preferidas que así pruebo lo de poner vídeos…

La primera canción sirve para ilustrar lo que puede dar este hombre en el escenario, y para confirmar que donde mejor se pasa es en los bares de lesbianas. Basada en un hecho real que narra cómo Jonathan estaba una noche en un bar, y cómo que no estaba muy a gusto (estaba muy self-conscious) y unos tíos que estaban allí le llevaron a un bar lésbico en un área industrial donde se lo pasó pipa. En comparación con el primer bar, en el lésbico las cosas eran más “Friday night” y mucho más “Laissez faire”. O-sea-planazooooo.

La segunda canción, un clásico suyo, va sobre la historia del arte y sobre cómo ésta encumbra a gente pequeña. En ella cuenta como a Pablo Picasso nunca lo llamaron “capullo” cuando intentaba ligar con tías, que Pablo Picasso era un retaco pero que cuando paseaba por la calle las tías no podían resistir su mirada. A él nunca le llamaron “capullo” a diferencia de ti, y por lo menos no en Nueva York. De eso va, básicamente…

Este video incide en la cosa del directo, principalmente porque Jonathan ejecuta un sexy, sexy, sexy baile en la canción “Soy un pequeño dinosaurio”. Jonathan lo da todo, aunque el baile en el contexto de la canción, del concierto, y del curso natural de la vida y de los acontecimientos, pues como no se entiende. Ahora, repito, lo da todo. El video es presentado por un señor que acaba de venir de pescar truchas.

Finalmente un clásico suyo pero de culto, de cuando era nueva-olero y tal. Obra cumbre de los tres acordes y de juntarse con cuatro colegas (los Modern Lovers) a berrear. Aquí acompañado por un video amateur muy majo, hecho en la década de los 90 y que cuenta el viaje que se hicieron unos amigos en coche desde Nuevo Méjico hasta Nueva York. Que vamos a decirlo todo, son un porrón de horas, pero de aburrirse…

El autobús 41 en comparación es un paseíto… pues allí nos vemos.

8 de març / 8th of march

2009-03-08T01:45:00.000-08:00

Torrente y el descuento cultural de la Sra. Reyes.

2009-02-22T02:48:00.000-08:00

El otro día me encontré en una manifestación con Mireia que es lo que antiguamente se conocía como “una amiga de la familia”, esto es, alguien que puede pasarse por tu casa sin avisar, que siempre está invitada a cenar y que no está obligada a decir “cariño, vámonos, que estos señores se querrán acostar”. Total que mientras paseábamos solidariamente, Mireia me comentó una de sus muchas peculiaridades familiares que casualmente está vez tenía relación con el cine: “Nacho, mi madre (a partir de ahora la señora Reyes) entiende a la perfección las películas orientales”. Yo siempre he pensado que la señora Reyes y su marido habían formado una familia nuclear basada en el respeto donde la gente podía relacionarse en armonía y donde la cultura no estaba excluida. Además, vamos a reconocerlo, no hace falta una mente muy sofisticada para entender una peli de chinos que se dan mamporros. Sin embargo, Mireia lo que estaba diciendo es que su madre entendía el cine de autor oriental, es decir, el cine que triunfa en Cannes, Venecia o San Sebastián, es decir, cosas sesudas que no están al alcance ni de un chino medio ni de un crítico de cine apañol medio. ¿Qué le había pasado, entonces, a la señora Reyes para captar en toda su plenitud el cine oriental?. Porque, en definitiva, decir que tu madre entiende, por poner un ejemplo, a Zhang Ke Jia es tan chocante como decir “en mi casa, la sobremesa se hace en esperanto”.

Mi diagnóstico es este: la señora Reyes, por algún extraño azar genético, nació sin la capacidad de percibir el descuento cultural. Pero no nos adelantemos y antes de atacar la enfermedad, reconozcamos los síntomas. Según el relato angustioso de su hija cuando a la señora Reyes se le pone una película de corte orientaloide estilo Fa yeung nin wa / In the mood for love (2000), va y la tía te entiende todas las metáforas visuales que el director tiene a bien meter en la película. Así lo que al resto de la familia (y me aventuro a decir lo que al resto del bloque de apartamentos) le parece una película aburrida, bonita pero caligráfica donde “pasar”, “pasar”, lo que se dice “pasar” no pasa nada, a ella le parece un prodigio de imágenes rimadas y escenas trufadas de significados. Un filme lleno de mensajes ocultos, claves, y jeroglíficos que sólo ella y los intelectuales japoneses pueden entender. Con lo que, dada su facilidad para leer estos signos ha acabado aleccionando a su familia en el arte del espectador zen: “una gota cayendo sobre una piedra significa que la protagonista está preñada”, “un jilguero negro ahuyentando a uno blanco, ruina familiar”… y al no ser experta en estas cosas, la preocupación familiar, claro, no hace sino aumentar.

Mi consejo, Mireia, es que intentes ponerle películas de otras nacionalidades, a ver qué pasa. Prueba por ejemplo con Aki Kaurismäki un señor finés que dicen que hace comedias, quizás podrías empezar con Leningrad Cowboys Go America (1989), y si en media hora tu madre esta riéndose a carcajadas y dándose palmetazos en el muslo diciendo “jajajaja… este Kaurismaki es un cachondo el tío, un chisgarabís”. Si se produce esa situación es que estamos ante un rarísimo caso, uno entre un millón, de “espectador Zelig”, es decir un espectador que se mimetiza con la película. Así por ejemplo, si tu madre le da por ver un western, acto seguido quizás te pedirá un sol y sombra y el Marca (o cambiará a ver el “Gol a Gol”), o si le pones una de acción, pero de las guapas, ¿eh?, al acabar igual te pregunta que donde podéis a pillar. Llegado ese momento o desconectas la tele o desconectas a tu madre.

Tu madre, por decirlo en un horroroso término nacido de la economía, carece de lo que se llama el “descuento cultural”, esto es, y según el libro de Janet Wasko How Hollywood works: “la noción de que debido al lenguaje o a cualquier especificidad cultural una película (o cualquier otro producto) quizás fracase en alcanzar la popularidad que obtuvo en su país de origen”. No en vano una de las claves del éxito del cine americano reside en la escasa resistencia cultural que los productos americanos obtienen en los países a los que se exporta. Estamos familiarizados con sus géneros (de hecho los intentamos adaptar con mayor o menor gracia), con su lenguaje y con su modo de vida al que llevamos sometidos desde la segunda Guerra Mundial. Por no mencionar la famosa cantinela de que la fórmula del cine americano, el clásico americano, es la “narrativa transparente”, lo cual quiere decir, además, que las películas americanas pueden ser leídas “por diversas poblaciones como si fueran indígenas” (indígenas americanos, se entiende). Con lo que quiero decir que tu madre “lee” una película japonesa o coreana como quien ve una capitulo de “Se ha escrito un crimen”. A la perfección...

Por otro lado el descuento cultural como un signo de dos culturas que no se comprenden, y que están a un paso del desencuentro, la descalificación, y de ahí a la palabra gruesa (¡¡ostiaputa estoschinos deloscojones!!)… como decía, el descuento cultural es un camino de dos direcciones, porque al igual que los coreanos hacen películas incomprensibles, nosotros, los apañoles, también podemos a la vez confundirlos. Confundirlos pero a mala leche, porque, ¿habían pensado alguna vez en que piensa el resto del mundo de Torrente, el brazo tonto de la ley (1998). Es decir, ¿cómo se traduce “nos hacemos unas pajillas”? (por cierto, así: "How 'bout we jerk each other off?" ). Porque en la clase a la que asistí en la universidad de Colorado intenté explicar cuál era nuestro más reciente blockbuster y mientras yo intentaba contarlo con ciertas limitaciones lingüísticas pero con un evidente entusiasmo (“y va, y va, y va y entonces le dice jejejeje, y va y le dice a la chinita chinita de los palillos chinos, jejeje, ¿esto es pa tocar el tambor? y ¡¡tráeme pan!!”) a la gente se le iba poniendo cara de poker hasta que el profesor zanjó el asunto con un “sí, habría mucho que decir de esa peli”.

Ese desencuentro cultural es el que ha marcado Torrente, el brazo tonto de la ley (1998) allende de nuestras fronteras, por ejemplo el LA Weekly del 4 de marzo de 1999 decía: “Torrente, the Dumb Arm of the Law is an unhinged comedy best described as so sick and so proud of itself that it could never have been financed here (…) if you're offended, you've joined a very big club” (“es una comedia desquiciada cuya mejor descripción es que es tan enferma y pagada de si misma que nunca habría podido ser financiada aquí… si te ofende, ya eres parte de un gran club”). Por otro lado Jonathan Holland (http://www.puertadelsolblog.com/) escribía un par de crónicas, una para el Variety y otra como corresponsal en Cannes, en las que afilaba un poco más la crítica. Entre otras cosas señalaba que “The film is hugely enjoyable if you switch off your mental PC monitor – and its success in Spain probably says as much about the darker parts of the Spanish psyche as it does about the film itself” (“la película es muy simpática si apagas el monitor mental de la Corrección Política – y su éxito en España probablemente diga tanto sobre las partes más oscuras de la psique española como sobre el mismo film”). A partir de ahí en un montón de críticas se trataba el tema de la capacidad de los espectadores extranjeros para comprender el entramado castizo del film. Jonathan Holland continuaba diciendo en el Variety “Home auds will love it; in non-Spanish-speaking territories, only clever marketing will prevent this one-man vehicle from collapsing under the weight of local jokes and subtitling difficulties” (“A las audiencias caseras les encantará; en territorios de habla-no-inglesa, sólo una buena campaña de marketing podrá prevenir que este vehículo de una sola estrella se colapse debajo del peso de los chistes locales y las dificultades de subtitulado”).

A este planteamiento les responde dos críticos, uno el croata Dragan Antulov quien dice “Some jokes, like those about the fans of Atletico Madrid, would be incomprehensible to non-Spanish and non-European audiences, but even with them TORRENTE is universally entertaining” (“Algunos chistes, como aquellos que tratan sobre los fans del Atlético de Madrid, pueden ser incomprensibles para las audiencias no españolas o no-europeas, pero incluso con ellos Torrente es universalmente entretenido”). O el crítico canadiense Keith Bailey de la página web http://www.badmovieplanet.com/ quien decía “To be sure, there is some material that strongly suggests that it would be better appreciated by Spaniards, specifically some throwaway gags concerning European sports. Otherwise, the kind of humor to be found in Torrente is of a universal nature; slapstick, exaggerations of base human desires (…) and good old toilet humor” (“Bien es cierto que hay cierto material que sugiere que [esta película] será comprendida mejor por los españoles, más concretamente los desechables gags sobre deportes europeos. Pero por otro lado, el tipo de humor que encontramos en Torrente es de naturaleza universal, slapstick, exageraciones sobre los deseos humanos (…) y chistes de puerta de wáter”).

Pero, claro, el problema no son sólo el tema de los deportes sino también los chistes de gente con Down, que la verdad, están feos de hacer sobre todo desde que una de ellas increpará a nuestro presidente del gobierno en un famoso programa de televisión. Así lo señala con muy buen tino Jonathan Holland “Most gags are quite funny in an adolescent way, and practically always gross: Segura isn't afraid, for example, to milk the comic potential of an actress with Down's syndrome” (“Muchos gags son bastante divertidos en un sentido adolescente y son desagradables practicamente siempre: Segura no tiene miedo, por ejemplo, de explotar el potencial cómico de una actriz con sindrome de Down”). Este punto es recogido por otro crítico anónimo que traducía el corrosivo humor de la película diciendo que la “send-up that couldn't be crasser or sillier if Beavis and Butt-head had been script consultants” (“la parodia no podría ser mas insensible o tonta que si Beavis y Butthead hubiesen sido guionistas”).

Para terminar una de las cosas que más me ha llamado la atención de esta breve investigación sobre Torrente es su lugar dentro de la producción española de los últimos años. Segura presenta la cinta en Cannes con el genial eslogan de “'Just when you thought Spanish cinema was getting better...” (“Justo cuando el cine español estaba empezando a ir bien…”) dando en el clavo de cómo va a ser la reacción general ante la película. El espabilado crítico croata que mencionábamos antes decía “Whenever Spanish cinema industry is mentioned, most people think of Pedro Almodovar and other filmmakers that win festival awardsand make snobbish critics happy” (“Allí donde sea nombrada la industria del cine español, la mayoría de la gente piensa en Pedro Almodovar y otros directores que ganan premios en festivales y que hacen que los críticos de cine snobs estén felices”). Y el crítico canadiense de la página web freak empezaba su artículo con este parlamento “Although it's never really had a giant film industry, Spain has made a considerable contribution to cinema over the decades (certainly a lot more than the idiot filmmakers of my country.) There are some types who will claim that these great contributions Spain has made has come from making Oscar-winning movies like All About My Mother, Belle Epoque, and To Begin Again. Others will gush over directors like Carlos Saura, Bigas Luna, or Victoria Abril. As for myself, I say: Oh, give me a friggin' break! Okay, okay, maybe I am a soulless ignoramus who can't appreciate beauty, foreign cultures, as well as fine art. Maybe I don't know art... but I know what I like, and what I like to watch are real movies. And Spain has also made some major contributions to this genre.” [“Aunque nunca ha sido una industria gigante, España ha hecho una considerable contribución al cine a lo largo de las décadas (ciertamente mucho más que los idiotas directores de mi país). Habrá algunos que digan que estas grandes contribuciones que España ha hecho provienen de películas ganadoras de oscars como All About My Mother, Belle Epoque, y To Begin Again. Otros hablan efusivamente de directores como Carlos Saura, Bugas Luna o Victoria Abril. Y para mis adentros me digo: ¡Oh, dame un puto descanso!. Ok, ok, quizás sea un ignorante sin sentimientos que no puede apreciar la belleza de las culturas extranjeras, así como las Bellas Artes. Quizás no sé sobre arte… pero sé lo que me gusta, y lo que me gusta ver son películas reales. Y España ha hecho también algunas grandes contribuciones a este género”].

Como decía en su publicidad Santiago Segura justo cuando España internacionalmente se presentaba como un productor de películas arty, va y saca esa película, oye y a ver como explicas eso, porque hay que explicarlo porque en la taquilla batió a Titanic (1997), que ya es decir. El papelón le toco a Nuria Triana-Toribio (y ole!) quien en la tercera edición del libro The cinema book publicado por la British Film Institute explica Torrente a los anglos de este modo: “Many commentators seen in the series a depiction of a pollitically incorrect and retrogade universe of excess, a return to the “values” of Francoism and a blacklash against the Europeanisation of democratic Spain. What can be said abour the Torrente series´ popularity is that it demonstrates the enduring appeal of Francoist genre cinema, one of the main components recycled in the series in spite of all the efforts to eradicate it””. Es decir, “muchos comentaristas ven en la serie de películas una descripción de universo de exceso políticamente incorrecto y retrógrado, una vuelta a los “valores” del franquismo y una violenta reacción contra la europeización de la España democrática. Aquello que se puede decir de la popularidad de la serie de películas de Torrente es que demuestra el atractivo que aún tienen el (los) género(s) del cine Franquista, que es uno de los principales componentes de la saga a pesar de todos los esfuerzos por erradicarlo”. Con eso terminamos, con eso y con unas palabras de Jonathan Holland que creo que dan en el clavo “The director-actor-writer has succeeded in making the kind of film that, for the past 15 years, most Spanish producers have been trying hard not to make” [“El director-actor-escritor ha tenido éxito al hacer el tipo de película que, durante los pasados 15 años, la mayoría de productores españoles estaban intentado con todas sus fuerzas no hacer”].

Pensemos que quizás en Iowa habrá una señora Reyes que se está riendo a mandibula batiente con los chistes sobre orates de Torrente… el mundo es extraño a veces… Sra Reyes a ver cuando nos tomamos ese arrocito.

Famosa Genitalia

2009-01-30T01:05:00.000-08:00

Esta grave crisis económica, a mí personalmente, me va abocar a una era de pensamiento idiota. Sin oficio ni beneficio, flotando en la inopia, con horas que matar y libros que leer estoy llegando a interesarme por cosas de las que podríamos decir de que “no tienen mucha entidad intelectual” (o ninguna). Por ejemplo, últimamente dos libros que me tienen fascinados por distintas y varías razones han desembocado en un tema muy peculiar, pero que a la vez agrada a todos: el bonito pasatiempo de vejar a famosos.

Vayamos por partes, el primero de esos libros es uno de esos que los sajones llaman “reader” y que recopila los escritos más interesantes sobre un tema en particular, en este caso el de “el fenómeno de los famosos como síntoma cultural”, a saber The celebrity culture reader (hay un par pero recomiendo éste, el de Routledge). En ese libro me encontré con un ensayo que relacionaba la cultura contemporánea del famoseo con el chamanismo, Celebrity and religion de Chris Rojek imagínense. La idea general es que la cultura de la fama suplanta ciertos aspectos de la cultura religiosa prácticamente inexistente en nuestra sociedad, y al ser los famosos sus oficiantes, éstos muchas veces representan o llevan a cabo procesos o ritos de elevación y caída. Y a mí la caída me pirra, la verdad. Empecé el artículo por esa parte para enterarme que siendo el cuerpo el principal vehículo del famoso, los ritos de caída pasaban por degradarlo “las celebridades se convierten en anoréxicas, se hinchan como balones, desarrollan fobias por estar en sitios públicos, sucumbe a la adicción narcótica o se enfrascan en demostraciones públicas de borrachera. La mortificación del cuerpo trae a la celebridad al nivel de tierra / terrestre. En casos de suicidio, o intentos de suicido, lo que se busca literalmente es enterrar el cuerpo bajo tierra”. Ejemplo Britney Spears cortándose el pelo.

El otro libro es de Henry Jenkins. Aquí conviene hacer un inciso: Henry Jenkins es lo másssss. No es que sea un simple pensador moderno, sino que es un increíble pensador moderno, un tío que tiene la frescura del academicismo americano pero sin sus trampas. Un señor con todas sus barbas que estudia temas contemporáneos bien enfocados y explicados; temas analizados desde un vasto conocimiento como los videojuegos, la lucha libre, la cultura de fans y su reapropiación de la cultura de masas etc.etc. Por hacer ha hecho hasta conferencias en discotecas de SecondLife (un rato bailando, un rato hablando con el personal). Loco me tiene. Tooootal que me hago con uno de sus libros, uno con el encantador título de The wow climax (tracing the emotional impact of popular culture), y en él viene un artículo sobre Lupe Vélez, la actriz mejicana de los años 30, pareja de Jhonny Weissmuller, muy conocida además por su aparatosa muerte.

En este artículo se analizaba el status de Lupita Vélez dentro del star system de la época. Según Jenkins la representación de Lupe Vélez dentro de la política de glamour de la época tenía más que ver lo grotesco que con su innegable belleza. La Vélez era grotesca porque, como bien decía la publicidad de la época era una mujer (mexicana) incapaz de controlar su líbido, eran por ejemplo muy anunciados sus constantes amoríos y muy recurrentes sus papeles de voraz fémina; existe, por ejemplo, una anecdota que dice que las maquilladoras de las pelis de Tarzan tenían que emplearse de lleno para cubrir los arañazos de pasión que la Lupez infringia al hombre simio. Para ilustrar este aspecto Jenkins cita a un ruso (ahí es nada), Mikhail Bakhtin quien habló del realismo grotesco diciendo “el principio esencial del realismo grotesco es la degradación, esto es, ultrajar todo lo valioso, espiritual, ideal y abstracto; y transferirlo al estadio de lo material, a la esfera de lo Terreno y corpóreo”. Es decir, Lupita Vélez era una Greta Garbo (blanca y virginal) grotesca, una sueca con furor vaginal. Por cierto, ni se imaginan la cantidad de paralelismos que existen entre la Vélez y Amy Winehouse , una mujer judía, loca, y claramente dominada por un útero depredador y violento, vean sino el trailer de una de las pelis de la Velez Mexican Spitfire y pregúntense: ¿no se imaginan así a Amy en su vida cotidiana?.

Es decir, aquí podemos ver las dos principales forma de degradar(se) a un famoso: o enterrando su cuerpo en un agujero o llenarle de agujeros. Es la segunda forma la que nos interesa en este post, sobre todo en el terreno del estrellato femenino. Porque tanto en la época de la Velez, como en la actualidad, podíamos pensar que existen tres tipos de estrellas femeninas marcadas por la cantidad de agujeros que poseen y en como los utilizan: las gordas y feas que son las cómicas, y cuya comicidad residía en su imposibilidad de llegar a ser “mujeres” (en un episodio de Little Britain USA le preguntaban a Rosie O'Donnell qué había sido antes si ser gorda o ser lesbiana, es decir, si ser gorda y no poder conseguir hombres le había hecho lesbiana…). Junto a ellas, las voraces, las putarracas para entendernos, las que tienen problemas para controlar el líbido, y que se presentan como locas lujuriosas con agujeros insaciables, la clásica histérica, la de libro. Estaban esas, y estaban finalmente las estrellas de verdad, las flacas y bellas, las Greta Garbo, personas sin fisuras pero en su sentido más estricto, es decir mujeres sin agujeros. Frente a esas el populacho tenía sus propias armas...

A las Tijuana bible las podemos considerar los primeros comics underground americanos. Eran unos comics eróticos, baratos y cutres que fueron populares desde los años 20 hasta los 60, declinando con la libración sexual y la aparición de revistas como Playboy, y alcanzando su máxima circulación en la década de la crisis económica, la de los 30. En ellas había una temática muy clara: poner a follar a cualquier cosa mínimamente popular, aunque con predilección por los personajes de comic o de animación y las estrellas de cine. Desde Mickey Mouse hasta William Powell, desde Blanca Nieves hasta Claudette Corbett, pasando, ¡oh no!, por la insulsa Ginger Rogers. En esos comics las estrellas se llenaban de agujeros, de apéndices hipérboles, de secreciones, de jugos… y a darle, oye.

Lo más fascinante es que las Biblias de Tijuana haciendo un alarde de modernidad no sólo vejaban a cuerpos espectaculares sino también a escenarios espectaculares, vean por ejemplo estas historietas que les adjunto con títulos tan sugerentes como “Se comió un perrito caliente en la Exposición Universal...¡¡y le encantó!!!” o mi preferido”Vio la Exposición Universal...¡¡¡y de qué modo!!!". Demostrando de un modo bestia pero claro que la economía espectacular de Hollywood no difería mucho de la de las grandes celebraciones como las Ferias Universales y otras (en este caso la fría y moderna Expo de Nueva York 1939-40). Y siendo la valenciana tierra de celebraciones quién se puede resistir a imaginar unas buenas biblias de Tijuana pero ambientadas aquí estilo “Fue a ver la Formula Uno y se lo pusieron todo lo moruno” o “Comiendo mejillones en la Copa América” (aquí lo más parecido que existe es mi amigo Pol Coronado con su Dirty).

En fin, que este pasatiempo de poner agujeros (sexrrrruuales) a los famosos o a los acontecimientos famosos, lejos de pasar de moda se ha mantenido llegando hasta nuestros días con una envidable salud. Veamos sino unos simpáticos ejemplos de este mismo año. Uno, la loca, loca, loca Leonora Claire, una especie de dominatrix de la cosa artística y underground de Hollywood y Los Angeles, y que hacía unos meses se presentaba en Miami como comisaria de una exposición intitulada “Las chicas de oro se vuelven salvajes”, en el que, ¡oh si!... lo están imaginando. Pues es peor… la cuestión es que ella convencida decía a la prensa que “uno de los objetivos de la exposición era que las personas de edad se sintieran más a gusto con su cuerpo en el proceso de madurar”. Claro, que igual todas las abuelitas de Miami son como las “Chicas de Oro” y quizás sea un espejo que ayude a la autoestima, pero cuando aparece parafernalia nazi e implantes mamarios que explotan estamos en un terreno distinto del de la autoayuda, el de la parafilia pop.

Junto a esta magna exposición, otro de los hits de la “famosa genitalia” de este año es un comic que me tiene enganchado a pesar de mi ignorancia en estos temas (a mí los comics me los dejan, y me dicen “léete este”) y muy a pesar de que su guionista Garth Ennis es un horripilante fascista, un machista violento y un homófobo espeluzanante. Pero el comic The Boys tiene su gracia: la historia se basa en que en la sociedad actual los superhéroes no sólo serían salvadores de la humanidad sino encima famosos. Entre rescate y rescate trabajarían de modelos, harían publicidad, irían a fiestas y estrenos de películas. Lo gracioso del caso es que al reducir a los superhéroes al nivel de famosos, al degradarlos al mundo de la fama su inquebrantable seguridad, su templanza, su sentido de la justicia se derrumba (eso es lo que está de moda ahora, los superhéroes con complejos). O sea que el comic te hace preguntarte: ¿qué pasaría si Nuria Bermudez tuviera superpoderes, qué podría llegar a hacer?, ¿y si Kate Moss y los Babyshambles fueran un grupo de justicieros y no solamente (sino además) cocainómanos?. El comic está lleno, claro, de superhéroes famosos dándose por todos los agujeros inimaginables, incluida la penetración anal que según el guionista es la guarrada suma y el colmo de la perversión.

Poniendo agujeros y poniéndonos freudianos podemos decir que todo lo anterior no es sino una violación alegórica de los famosos. Quien ha llevado esta expresión a su última consecuencia son los creadores de South Park quienes se hicieron tristemente famosos en su última temporada cuando a la hora de ilustrar la decepción que había supuesto para el público la última entrega de Indiana Jones, hicieron que George Lucas y Steven Spielberg violaran repetidamente a Indiana Jones. En toda una serie de escenarios típicos para la ocasión estilo encima de una maquina del millón, en un bosque… la escena siempre terminaba de la manera más bizarra imaginable, con George Lucas penetrando analmente a Indiana y pidiéndole que gritara, que gritara como un cerdo “iiiiiiiiiiihhhhhhgggggkkkkkk” (aquí tienen el video).

Finalmente, veamos el caso contrario, ¿qué pasa cuando nos sentimos violados por un famoso?. ¿Qué sucede cuando toda la parafernalia del famoso, toda la maquinaria de representación del famoso se vuelve en contra del espectador como si fuera un cuchillo iconográfico?. Un cuchillo, dos limones, y un par de pimientos iconográficos. Así nos sentimos media España el domingo 8 de enero cuando en la contraportada de “EL PAIS” aparecía la foto del director de cine Manuel Gómez Pereira del modo adjunto. Como claro homenaje a mis admirados Vicisitud y sordidez me tuve que preguntar “What the fuck???????!!!!!!!!!!!”. No en serio, “What the fuck!!!!!????”. Todas las fotos tienen su historia y plantean sus incógnitas, pero las de esta son demasiado suculentas como para dejarlas pasar: ¿el fotógrafo que la realizó se suicido después, como el tipo ese que fotografió a un niño etíope a punto de ser comido por un buitre?. ¿Qué historia nos cuenta?. A mí la historia que me cuenta es que el sábado por la noche fuimos a cenar pues con Ariadna Gil o Pere Ponce, algunos de los más grandes actores españoles vivos (¿más vivos españoles actores? ¿vivos más actores españoles?). Que volvimos a casa un poco bebidos, Gomez Pereira abre la puerta de casa y yo digo “Oye que maja Adriana, y que sencilla la tía…”. Entonces Pereira me dice “Tú sí que eres maja” y de un golpetazo me empuja contra la pared, me baja los pantalones, y mojándose los dedos índice y corazón, me lubrica y me empieza a violar, mientras yo me agarro a alguno de los Goyas que uno siempre tiene en el recibidor. A la mañana siguiente con una de esas resacas que hacen que te moleste hasta la luz, te despiertas, y ahí lo tienes, de esta guisa preparando dios sabe qué…

Para terminar con este desproposito unas gotas de cultura, según el “Urban dictionary”, “Sugar Mamma” es: 1. A woman who is duped into believing that a man really wants her; when the man is a freakin' gold digger lookin' for a free-ride and some booty on the side 2. A woman who wants/needs sex and companionship and is willing to pay for it via gifts, trips, and money to their sugar baby.

El dificil arte del programador familiar.

2009-01-13T01:12:00.000-08:00

Como decíamos en otro sitio, no me pregunten dónde, el concepto de Gran Público (léase “Taquillazo”) se ha ido diluyendo en el difuso panorama audiovisual y artístico contemporáneo. Hace tiempo que, por ejemplo, ya no existe esa cosa que decían las grandes artistas, estilo Rocío Jurado, de “Mi Público”. Ese concepto, hoy por hoy, se ha atomizado; lo más que podríamos aceptar actualmente es “Mi público de Estepona”. O si acaso podríamos echar mano de una fascinante fórmula que una vez le oí utilizar a Julio Iglesias en una de esas disparatadas entrevistas que concede y donde le ponen un velo delante de la cámara para disimular que el uso y abuso de drogas ha puesto entre él y el mundo un muro permanente. En una de esas interview, como decía, le preguntaron por Miranda, su actual mujer, a lo que respondió en ese finísimo surrealismo que le caracteriza: “¿Pero qué Miranda?, porque a los ojos de las gentes hay muchas Mirandas”. Pues eso, que el Público es uno y trino, las gentes muchas y variadas, y Miranda, poliédrica.

Pero, ¿quién son esas “gentes” a las que un genio del espectáculo como Julio Iglesias se refería?. Pues esas gentes no son más que los cuatro colegas sin oficio ni beneficio, la señora de uno, el amante homosexual de turno, un familiar que está de paso. Es decir, gentes insulsas, incultas y altamente impresionables que se sienten fácilmente ofendidas por una película que no comprenden. O si quieren el público que cada fin de semana encontramos en nuestra salita comedor, ya que hoy vamos a hablar de una de las piedras filosofales de la gestión cultural: el difícil arte del programador de cine familiar.

¿Quién no han tenido ganas, alguna vez, de insultar al programador de su filmoteca local?, ¿de agredir al director del festival de cine al que asisten cada año?, ¿quién, pregunto, no ha sentido el repetido deseo de cagarse en el tipo que compra las películas de su cine de versión original subtitulada?. Pues toda esa serie de grandes placeres que a usted que tanto tiempo le dedica al cine le están vedados, sin embargo, ¡¡¡oh, destino cruel!!!, están al alcance de la mano de esos infraseres a los que usted les pone películas en el comedor de su casa, sus allegados.

¿Por qué no ha notado, acaso, la incomodidad ante unos títulos de crédito en checo?, ¿los movimientos nerviosos ante la opción de la versión original subtitulada en una peli hablada en chino madarín?, ¿o los bostezos ante el uso no naturalista del sonido, la moderna utilización de la cámara en mano o el simbolismo de la gama de los azules en la fotografía?. Es en ese momento, y es enfrente de la pantalla donde se va gestando un drama que termina cuando el espectador con nombre y apellidos se gira, y con una total despreocupación pregunta: “pero, oye, ¿esta mierda que me has puesto qué es?”. Y ante la opción de responderle con vehemencia, tirando pequeños escupitajos por la boca mientras se grita “¡¡¡¡una de las obras maestras del SXX!!!”, uno se para, respira, y piensa “vale, vale, no conocerá a Andréi Tarkovski pero eventualmente me deja colocarle mis genitales en su boca, eso tendría que bastar”. Un pensamiento esclarecedor que lleva a una respuesta relajada “pero, oye, que si quieres la quito, que yo esta la he visto cienes de veces”. Ante esa afirmación siempre siempre, pero siempre oye, se recibe una mirada condescendiente, que cierra un tenso primer acto.

¿Qué opciones tendríamos ante una situación tan tirante?. La más fácil y resultona, entrar en este blog Café y cigarrillos, clicar donde le digan que clique, copiarse los comentarios, decirlos a viva voz en el momento oportuno, y quedara delante de ese potorro que ha conocido en un cuarto oscuro o en clase de “Arte Renacentista (II)” como la persona sofisticada y llena de cultura que pretende ser (yo a ese blog entro cada hora, créanme). A mí este fantástico blog, por ejemplo, me ha ayudado con uno de mis días grandes, el uno de enero, cuando tradicionalmente mi señora y yo nos refugiamos en el sillón, hacemos nido como si fuéramos grandes y asexuados hamsters, y entre kleenex y paracetamoles, tragamos películas como tontos.

“Pero, Nacho Fusil ¿Cuáles son las películas preferidas para la resaca?”. Mi querida amiga, mi divisa para esos momentos es: “para días difíciles, géneros menores”. Los géneros menores son aquellos que tienen historias tontas, llenas de fórmulas, donde prima el puro espectáculo y donde existe un tratamiento de la narración basado más en la sensación que en la reflexión, vamos lo ideal para un cerebro atontado. Léase, por ejemplo, la ciencia ficción más fácil, los melodramas más desgarradores, la comedia romántica más insulsa, los teen pics más descerebrados… cosas así, de poquito pensar, que ayudan e invitan al cabeceo. Sin embargo, esos géneros pueden deparar sorpresas cuando uno descubre que puede existir una gran historia oculta debajo de un título idiota, una película que divierte y asombra, que enseña deleitando. Entonces es el momento de sacar pecho, sentir las miradas acariciadoras de admiración y deleitarse con los susurros de “no, si el tío es semi-profesional, que ha trabajado en cultura”, “y todo esto sin master, ni nada”, “las pelis son buenas pero el café es una mierda”. No se crean que esto es una tontería, un grano de anís, porque actualmente y dada la graviiiiiiiisima crisis económica que vivimos, ser un buen programador de cine de salón tiene tanta importancia social como pudiera tener en el SXIX poseer una buena conversación (“es un hombre de opiniones formadas pero discretas” decía Jane Austen). Que en mi grupo de amigos hemos pasado de noches de shusi y cine en pantalla grande, de deleitarnos con el temaki, el uramaki, y nuestra decadente bisexualidad, a pizzas a domicilio, mantita, y descargas ilegales. Todo un panorama pero por lo menos quedarse en casa es tendencia.

Volviendo al tema de los géneros, lo que les venía a decir es que la sorpresa este año la ha dado la “comedia sentimental”. Una doble sorpresa el ser este un género tan denostado, abominado por personas sofisticadas y liberales, y que, a través de Stay / Sleeping dogs lie (Los perros dormidos mienten - 2006), se convierte en un altavoz de un increíble y divertido anarquismo sentimental. Dando la vuelta al género de Rom Com (romantic comedy) y haciendo vibrar a un público tan lobotomizado como pudiera ser el del día uno de enero (mi señora y yo). Pero hagamos un poco de historia que para eso estamos: la comedia romántica contemporánea tal como la padecemos nació o renació allí por mediados de los 80 convirtiéndose en la plataforma para una última generación de super estrellas del cine, e iluminando nuestros hogares con unos divertidos amores que llevaban consigo la peor moraleja de la era Reagan. Este despropósito venía a sustituir a las “comedias nerviosas” de finales de los 70 y principios de los 80 que tomaban como referencia a Woody Allen (cuando aún tenía gracia). Al sustituirlas, la nueva comedia sentimental, se convertía en “no sólo en un revival de un género “pasado de moda”, sino en un revival de la ideología “pasada de moda” del romance heterosexual, sus rituales, signos y deseos” (lean sino al Dr Frank Krutnik y al Prof. Steve Neale).

Sin embargo Neale y Krutnik son, a qué negarlo, un poco cenizos, ya que ni toda la comedia sentimental es tan homogénea en su ideología, recuerden por ejemplo a Moonstruck / Hechizo de luna, ni a que decirlo, toda la comedia era una herramienta más del machismo neo conservador. Piensen sino en que algunas de las pocas directoras (mujeres) americanas de aquella época, las que estaban dentro de la industria, pasaron por ese género, recuerden a Amy Heckerling con Look Who's Talking (1989), y esa obra maestra del teenpic, esa adaptación de Jane Austen que es Clueless (1995). Nora Ephron directora de Sleepless in Seattle (1993), You've Got Mail (1998), Bewitched (2005), y guionista de When Harry Met Sally... (1989). Otro día con tiempo hablaremos de las mujeres directoras de pelis de acción.

La película de la que hablamos hoy, sin embargo, está dirigida por un hombre, Bob Goldthwait, a quien ustedes lo conocerán por su papel de punk descerebrado Loca academia de policía 2, 3, y 4. Mal empezamos, un secundario de Loca academia de policía , que ni siquiera estuvo en la original, recordemos, Loca academia de policía , con su legendario bar gay (leather) “La ostra azul”, ese es el nivel del que partimos. Un señor que no es danés, que probablemente sólo tenga la EGB americana, haciendo películas. Pero, créanme, la historia que cuenta es fascinante, y ya desde el inicio, porque el motor dramático de Stay / Sleeping dogs lie se pone en marcha a los cinco minutos del filme cuando su protagonista, una universitaria aburrida y solitaria decide una tarde, por pasar el rato, por pura desidia, por experimentar algo nuevo, decide, pues chupársela a su perro. Esa tonta acción se convertirá en una bomba de relojería que estallará años más tarde cuando en un tonto juego de novios, “noooo, va, cuéntame un secreto…¿qué es lo más guarro que has hecho en tu vida?”, decida contestar con toda sinceridad.

La película acaba siendo, después de muchos despropósitos, un canto a la mentira dentro de la pareja, a la reivindicación de la parcela propia y a la idea de la personalidad inalienable (y bizarra) capaz de resistir a familias y parejas. La protagonista, como en toda buena comedia sentimental, acaba transformada pero en sentido contrario: la entrega total pasa por la mentira. Además la película no pierde en ningún momento el tono de comedia sentimental, es decir, no es una comedia grosera estilo American Pie (1999) o The 40 Year Old Virgin / Virgen a los 40 (2005) (no veo la diferencia entre ambas), sino que el mal rollo surge del estilo desenfadado, brillante y fácil de cualquier comedia sentimental.

Esas películas son un éxito de saloncito comedor, pelis que bajo títulos terribles, campañas de promoción equivocadas o errores de casting dan joyas como But I'm a Cheerleader (1999) de una cheerleader que se descubre lesbiana y es ingresada por su familia en un campo de reeducación, o el entretenimiento liberal After Sex (2007), una peli de episodios sobre parejas que hablan después de un buen polvazo… Hágame caso, su salón comedor puede ser el próximo Estudio 54.

¡¡¡Que demonios, Feliz Navidad!!!

2008-12-22T23:02:00.000-08:00

¡¡Qué demonios!!, tengan una feliz Navidad y un prospero año nuevo. Disfruten de los suyos, vean películas tontas en la tele, enfádense con sus cuñadas (“menudos aires tiene esa”), compren regalos innecesarios, léanse ese best seller que le han regalado sus tíos (“como siempre ha sido el intelectual de la familia, pues nos hemos dicho…”), háganse un blog y no vayan al cine (que la cartelera está hecha un asco), repasen la filmografía de su director oriental preferido (Mizuguchi), hagan limpieza en casa, hagan un pequeño viaje, coman a reventar, vean cómo viven otras culturas y razas exóticas como pudieran ser sus primos, deprímanse, vean a sus amigos, cuenten chistes verdes, visiten los cuartos donde dormían de niños y repasen sus primeras lecturas (“Jim Boton y Lucas el maquinista”, “Cuentos por teléfono” y la colección “Elige tu propia aventura”), critiquen a los famosos, digan “que viejo está el Rey” (“este hombre cada año está más mayor"), aprovechen para preguntar por la salud de la tía abuela, participen en vergonzosas tradiciones familiares (“¡¡la foto frente al Belén, la foto frente al…!!”), creen sus propias tradiciones vergonzosas, torturen a niños hiperexcitándolos en un minuto para aborrecerlos al minuto siguiente, y…

... si están por Valencia visiten la exposición Certificados de una infancia congelada, en La Nau, organizada por la Universitat de València y comisariada por nuestras amigas, que lo son, Aurea Ortiz y Victoria Bonet. Además compren y regalen el catálogo que es una verdadera preciosidad con textos de Pilar Predaza, Chus Piqueras y un cierto autor de un cierto blog.

En fin, como siempre disfruten de los placeres culpables de cada Navidad, y ahora, la conexión internacional…

Pat, Josh, Steph and Brewer we really really miss you, you were our family overseas, hope to see you soon, take care, drive fast and take a chance. Merry Christmas.

Lo mirar modern o l´arquitectura vista des de l´avió

2008-12-16T08:19:00.000-08:00

Primero de todo, buenas tardes, el jueves 18 de diciembre doy una conferencia en la Escuela Técnica Superir de Arquitectura sobre arquitectura comercial, quien quiera venir aquí teneis el enlace: http://www.arq.upv.es/cultura/?p=946.

Hola a todos, ya he llegado a Valencia. Este hecho que reconozcámoslo tiene una relativa importancia salvo para los cuatros gatos que conozco y las millones de cucarachas que habían invadido mi casa, es sin embargo una importante manifestación de modernidad que asusta y pasma. Y, ¿por qué?. Pues porque para llegar a este paraíso de insectos que era mi hogar he viajado en avión durante la friolera de 12 horas (Denver-Londres-Londres-Valencia), con transbordos y cambios de aeropuerto, 28 horas de viaje. Claro, son un porrón de horas para pensar en mis cosas mientras comes esas comidas tan entretenidas (fun food que dirían los americanos), esos mini-zumos y demás aperitivos que más que alimentan, entretienen. Y es que en todo ese tiempo estuve pensando en lo fenomenológico que era todo. Y no un poco, sino muy fenomenológico.

Piénselo detenidamente, desde mitades a finales del SXIX la cultura visual estaba marcada por hechos de tanta trascendencia como el impresionismo, la popularización de la fotografía, la locomotora y la aparición del cine. Es decir, la cultura visual estaba marcada por las grandes corrientes de pensamiento de la época como el positivismo, el cientificismo, la aparición de las masas etc.etc. Pues del mismo modo, oigan, podemos decir que el viajar en avión es la gran experiencia contemporánea, que acompaña el mirar moderno del internet, los video-juegos, la realidad virtual y demás quimeras. Por no decir que el viajar en aeroplano resume cual es nuestra verdadera función como ciudadanos del occidente democrático, y lo resume a las mil maravillas cuando al cruzar un simple detector de metales pasamos de ser ciudadanos-viajeros-sospechosos a ciudadanos-viajeros-consumidores. Eso sí que es chulo, a qué negarlo. Cuando tras media hora de horror absoluto paseando por detectores de metales y de explosivos, mordiendo el pasaporte con la boca mientras sujetas los zapatos, y sufriendo miradas de escrutinio, uno pasa la última barrea, y ¡zas!, uno se encuentra en unos grandes almacenes sin IVA. ¡¡A comprar chicos!!.

En fin, que eso sí que es mostrar las cartas con las que jugamos en la sociedad contem-pop-ranea. Esa situación, sin embargo, me recordó a un libro que leí sobre arquitectura moderna de cines, no me hagan buscar la referencia que el volumen debe estar en el cuarto de gasear cucarachas, en fin, que lo que venía a decir el libro es que los aeropuertos y los cines contemporáneos han acabado teniendo la misma estructura arquitectónica. Es decir, que ambos eran complejas estructuras hangar donde el propósito era hacer gastar el máximo dinero al consumidor mientras se trasladaba por unos largos pasillos. Esta coincidencia espacial entre las dos formas arquitectónicas comerciales más características del SXX iba mucho más allá de lo que apuntaba el autor, porque para la elaboración de sus respectivas tipologías, el cine y el aeropuerto habían tomado las formas de arquitecturas de prestigio anteriores. Por ejemplo, el cine copió los teatros y los palacios de ópera en una época, mientras que los aeropuertos tomaron como ejemplo la gran terminal viajera del SXIX, la estación de tren (existía una molesta tendencia de hacer la sala de recepción de los aeropuertos bajo un gran arco).

Pero al viajar en avión no sólo se visita edificios modernos, sino que también se puede aprender de arquitectura contemporánea, y casi si me apuran, futura. Que uno tiene a la altura de las rodillas uno de los grandes panfletos del capitalismo en todas sus formas, incluidas las arquitectónicas: ¡¡¡las revistas gratuitas de los aviones!!!. Vamos, uno hace simplemente un año, cuando era un Nacho-pre-crisis-económica, pensaba que el capitalismo, a priori, no necesitaba más publicidad, que las empresas del ramo de la publicidad debían de cerrar en masa ya que habíamos alcanzado el punto en que consumiríamos pues por pura inercia. Hoy en día creo que frente a esas voces escépticas que dicen no sé qué mierda de consumir menos, cualquier opinión favorable contra los desfavorecidos debe ser bienvenida. En esa corriente de pensamiento, reconozcámoslo, las revistas gratuitas de los aviones se llevan la palma, vamos, que si uno cualquiera escribiera con el mismo tono contra el capitalismo, pues tendría a los GEO en casa aplicándole la antiterrorista. Todo se comprende, claro, que es cuestión del punto de vista con que uno mira las cosas.

Pero hablábamos de arquitectura. La revista de la British Airways, que pude leer en el trayecto Denver-Londres se había gastado sus buenos duros en periodistas. La revista estaba bien escrita, los temas interesantes, y además uno descubría que entre la raza de superhombres nietzschianos a la que estaba dirigida (fascinantes yuppies viajando a enclaves llenos de encanto) y uno habían similitudes: “Mira nena, también les gusta Antony and the johnsons”. Sin embargo, en un increíble artículo titulado “Los 50 sitios más auténticos del planeta Tierra” se recomendaba, ojo, Torremolinos. Y se argumentaba de este modo: Torremolinos, de acuerdo, está lleno de turistas poniéndose rojos como gambas, pero si miramos detrás de las grandes masas de apartamentos uno podrá descubrir un tranquilo pueblo andaluz donde la gente huye del calor, come su pescadito, y piensa que ir a la playa a las 12 de la mañana es cosa de perros locos, turistas o del tonto del pueblo. Además que ya habían voces, pocas reconocían, pero tiempo al tiempo, que pedían la conservación de esas grandes masas de apartamentos de los 60-80, que eran todo un documento en ladrillo caravista de un tiempo y una época. Una época que culminaría con Mayra Gómez Kemp diciendo aquello tan bonito de: "Como bien dijo Bigote Arrocet, “la vida esta durita manito pero… pueden cogerse las manitas en este fantaaaaaaaaaaaastico apartameeeeeeeeeento en Torrreeeeeeemolinos!!!." Y cómo no se va a conservar eso, pues claro que se ha de conservar. A la fuerza.

Pero la que sí que es droga dura, pura heroína neoliberal, es la revista de easyJet (Londres-Valencia), el Pronto de las revistas gratuitas de aéreo navegación. Un disparate, que tras 25 horas de viaje interpreté en clave surrealista, por aquella cosa que dijo Bretón que el verdadero acto surrealista era salir a la calle y liarse a tiros. La cuestión no es que la publicidad que llevaba iba dirigida a personas muy muy ricas y probablemente con intenciones diabólicas, ni que la máxima información sobre un país trataba sobre el mercado inmobiliario, sino que las imágenes que daban del mundo eran como el cuaderno de un pintor romántico del SXXIII, es decir, un montón de futuras ruinas arquitectónicas. En un post anterior hablé del fascínate tema que suponía preguntarse qué tipo de ruinas iba a dejar esta civilización a las posteriores culturas que la sucederán. Ahora esa duda está resuelta, y la respuesta la encontré en la revista de easyJet.

“CUADERNO DE ARQUEOLOGÍA DEL SXXIII. YACIMIENTO 1 (Budapest): Gran estructura circular de cristal rodeada de estructuras de plástico sin disposición alguna”. Realmente comprendo la estupefacción que le causarán a nuestros sucesores cuando se encuentren como yo mismo me encontré delante de la publicidad o de los restos de Aquaworld Budapest, “el mayor parque acuático cubierto de Europa central”, a lo que pensé: igual que yo soy la persona más alta de mi casa, o mi señora la persona que tiene más mal humor de nuestro descansillo. Pero en este tema conviene especificar porque Aquaworld en Budapest, rivaliza con el mayor parque acuático de Europa occidental; esa locura germana que es Tropical Islands, donde se ha transformado un simpático hangar de dirigibles nazis en una playa oceánica, y todo a 50 km de Berlín. A partir de la simple observación de estos dos monstruos del entretenimiento acuático bajo techo no pude dejar de señalar la tendencia de los países con pasados trágicos, generalmente personificados en la figura de un dictador sanguinario, de hacer estos parques temáticos delirantes donde la gracia es hacer indoors lo que se supone que se hace outdoors. Estilo bañarte en una playa cubierta, o … es que no pillo la idea, la verdad. Es como si en Valencia hicieran unos Apeninos cubiertos, donde la gente pudiera practicar esquí, deslizarse con trineo, y eventualmente sufrir avalanchas. Pero me callo para no dar ideas.

Por cierto, hablando de avalanchas en la misma revista de easyjet anunciaban una simpática mochila anti-avalancha con una especie de cojines hinchables a gas que por el módico precio de 798.93 eurazos evitaba que tu descendencia heredara prematuramente tu provechosa cadena de fábricas.

“CUADERNO DE ARQUEOLOGÍA DEL SXXIII. YACIMIENTO 2 (Malta). Conjunto de cemento armado, ladrillo caravista y telefonillos automaticos”. Otro de los reportajes-anuncios de la revista de EASY-JET trataba sobre una super urbanización situada en la católica Malta. La urbanización como ven por la foto no es más fea que cualquiera que se pueda encontrar a este lado del Mediterráneo, por eso lo que tengo que lamentar es que las civilizaciones futuras pasen por alto la “inteligencia” del proyecto. Y es que en la publicidad repiten machaconamente que el proyecto, la vivienda y por ende, sus moradores son “inteligentes”.

Y a mí la foto me hace pensar que si eso es vivienda inteligente, yo soy gilipollas, cosa que puede entrar dentro de lo normal, porque personalmente me recuerda a cualquier “ciudad de vacaciones”. ¿A cualquiera?, no, porque esta tiene un target muy preciso: los mafiosos. Es una ciudad de vacaciones para mafiosos, sino lean el alucinante subrayado del reportaje…

… aha… negocios que no necesitan oficinas… uhm… negocios que se pueden hacer en un bar, vaya, como pasar droga, blanqueo de dinero, tráfico de blancas. Este tipo de cosas, ya me entienden.

Pero la revista de la easyJet no sólo muestra el mundo tal como será en un futuro, sino que nos habla de cómo el futuro ya está aquí y nos está echando el aliento en la nuca. Vean sino uno de mis gadgets preferidos que ya pueden comprar en su tienda amiga: el robot aspiradora. El anuncio, con dos cojones, muestra una escena delirante donde un niño “está programado para ensuciar” y el iRobot, nombre del aparatito puesto en honor del libro de Asimov, “está programado para limpiar”. No sabemos, por un lado, que pasará cuando el robot alcance al niño, si le lanzará un rayo mortal al estilo de esa peli de robots que se vuelven locos Runaway (1984), o qué.

Por otro lado, aunque el robot debe ser de una eficacia mortal, y me consta que pueda dar mucho de sí en un loft de una familia danesa o finesa, dudo de su empuje en el típico piso español. Miren que la cultura patria se caracteriza por los muebles supletorios, por la belleza de ese chifonier, por la sutileza de ese mueblecito aparador, por la gracia de la mesa del teléfono que también acoge la foto familiar, y por las tres o cuatro mesitas y taburetes repartidos aleatoriamente por el comedor, todos con sus tapetes, pasamanerías y número de patas variables. En fin, no será mucho obstáculo para esa cosa que se supone se orienta sola y vuelve a su madriguera tras haber aspirado-patrullado. Pero mi gran duda es, ¿podré convencer a las cucarachas de mi casa que el iRobot es la raza superior que están esperando, ya que claramente no somos nosotros, y se dispodrán a abandonar mi casa como si fuera un encuentro con entes superiores?. Me las imagino rollo Encuentros en la tercera fase (1977), despidiéndose con las antenitas y montándose alegremente en el aspirador-ovni.

Pero no puedo, ni quiero terminar, con la cosa más delirante que he leído en meses sino años. Un momento de surrealismo absoluto que me ofreció la revista de easyjet, tal era el despropósito que pensé que el jet lag, la mantequilla ingerida a grandes cantidades en los menús de los aviones, o la emoción de la vuelta me estaba jugando una mala pasada. Pero no. Todo era cierto. Estaba frente a un anuncio de escuela de bongos para yuppies. Así en crudo. Una cosa que ellos llaman “Corporate drumming and experimental learning”, y no es que la escuela pretenda emular la historia de Puyi , el último emperador chino quien tras la subida del comunismo se convirtió en el jardinero de su propios jardines, y consecuentemente hayan decidido convertir a los responsables de la crisis económica en simpatiquísimos hippies que alegrarán con el bum bum de sus tambores nuestras ciudades. No, la cosa se trata de hacer que los yuppies estén más unidos entre ellos y con la empresa que así lo explican en su página web www.sewabeat.com : “Sewa Beats delivers high-impact, interactive management learning. By combining the elemental language of African drumming with twenty-first-century training techniques, participants can learn quickly, emotionally and deeply. Sewa Beats will empower your entire team, using its unique interactive methodology that demands concentration, teamwork, communication, creativity and leadership from all participants.”

Jódete y baila. Una cosa así tiene, entiéndame, tantos matices que podríamos pasarnos siglos hablando de ello, si acaso subrayar el origen africano de la bongo-terapia. Lo extraordinario del asunto es la cuestión moral porque se toma una técnica, una tradición cultural del tercer mundo para ayudar a los explotadores del tercer mundo a que hagan mejor su trabajo. Es tal cual la mierda de película que vi ayer Ultimatum a la tierra (2008) donde en una historia que se suponía que llevaba un mensaje ecológico había publicidad encubierta de las corporaciones más contaminantes del planeta. Pues eso, que aún nos pasa poco, que merecemos un exterminio a gran escala, algo que creo que ya está sucediendo: van a ser las cucarachas y han empezado desde mi despacho.

Mensaje cifrado: Fina, anímate, que nos echaremos unas risas...

Mad men and english dogs

2008-11-17T16:38:00.000-08:00

Interrumpo un momento mis importantes quehaceres diarios para escribirles mi última crónica desde Estados Unidos, y se preguntarán ustedes, ¿en que consisten exactamente esas cosas importantes que hago en América?, pues últimamente me dedico compulsivamente a:

HBO LA CADENA QUE ME HACE DECIR "OH-OH"

Ver en un estado casi hipnótico las 13 horas seguidas de ese maravilloso resultado de la civilización radiotelevisada que es Mad Men (2007). Pero no se crean que a mi me importa los Grammys, la respetabilidad intelectual de las series, o los equipos de guionistas transformados ahora en Dostoievskis pluricéfalos (con muchas cabezas, chorlitos). A mi lo que me gusta, ¡que demonios!, es ELLA, Christina Hendricks / Joan Holloway. Ella que aparece en cada secuencia como un transatlántico saliendo de la niebla, majestuosa, misteriosa y llena de curvas. Y es lo que tiene ser un pibón de dos metros altura que lleva los jerséis ajustados como el Louvre sostiene los mayores logros de la humanidad, es decir, al estilo clásico, al estilo Lana Turner, pero pelirroja y por ello más inflamable. Por eso, en cada una de sus apariciones, uno tiene reacciones tan humanas, por animales, como éstas. Que, todo sea dicho, a veces se alternan con las respetuosas demostraciones de patriotismo que siempre inspira una mujer bella: uno no tiene más remedio que dejar su martini triple seco, levantarse y entonar una de las más famosas canciones de Fred Buscaglione “Che Bambola” (la pueden escuchar aquí), una que dice:

“Mi trovavo per la strada circa all'una e trentatrè,

L'altra notte mentre uscivo dal mio solito caffè,

quando incontro un bel mammifero modello "centotrè"

CHE BAMBOLA!
riempiva un bel vestito di magnifico lamé,

era un cumulo di curve come al mondo non ce n'è,

che spettacolo, le gambe, un portento, credi a me”.

(Estaba por la calle a eso de la 1 y 33 / La otra noche mientras salía del café /Cuando encontré un bello mamífero modelo “103” / CHE BAMBOLA! / Llenaba un bonito vestido de magnifico lame,/ Era un cúmulo de curvas, como en el mundo no hay / Que espectáculo, las piernas, un portento, créeme)

Como todos sabrán o habrán adivinado Fred Buscaglione es una de las grandes voces italianas de la década de los 50, o por lo menos, es una de mis preferidas (mías y del copiante de Tonino Carotone) porque a pesar de que tenía un gran dominio de la técnica no dudaba en aplicarla al absurdo y a la comicidad, por ejemplo, en sus recitados a mitad canción que son antológicos. Buscaglione, por así decirlo, tomaba la técnica de los cantantes románticos de los 50, con sus vozarrones, sus mostachos, y sus poses matadoras y la transformaba en un chiste, un buen chiste, eso sí. Lo más curioso del asunto es que Fred Buscaglione triunfaba justo en la misma época en la que se sitúa Mad Men, a finales de los 50, un momento en el que ser hombre dejaba de significar lo que tradicionalmente había significado. Los protagonistas de Mad Men y la especie a la que representan, a diferencia del gran Fred, no estaban para tomarse su masculinidad a guasa ya que tenían el propósito de alcanzar el último logro del hombre blanco heterosexual del SXX: construir las bases del capitalismo hiperacelerado. O dicho llanamente, conseguir que a través de la publicidad consúmanos hasta alcanzar la extinción de la raza – la serie trata sobre el mundo de la publicidad de aquella época. Pero esta historia, como todas las grandes historias americanas, está llena de héroes caídos, de perdedores borrachos, de padres puteros, y de maricas malas y reprimidas (los departamentos de “arte” son, dicho sea de paso, un escándalo).

De hecho la serie puede considerarse en su conjunto, “in toto” que dicen los listos, como un catálogo de necedades masculinas donde prima la zancadilla en los negocios, la chulería en el amor, y los cojones puestos sobre la mesa para el resto de cosas. Una de las secuencias antológicas a ese respecto es cuando dos de los protagonistas se reúnen en una comida de negocios y la acaban convirtiendo en una especie de concurso de comedores de ostras (se ponen a reventar). En otro momento, una de las múltiples amantes que calienta la cama de los chicos de la oficina dice tras una noche de pasión: “Ahora me doy cuenta de lo difícil que es ser hombre”. Al oír esa frase se me encendió una bombilla, le di al “pause”, abrace a mi esposa paternalmente y le dije engolando la voz: “Mira cariño esa frase es una verdad como un templo, además nos habla de un signo de los tiempos, la masculinidad tradicional en decadencia”. A lo que ella me respondió: “Me quieres dejar ver la serie de una puta vez, que no ves que llego reventada de trabajar todo el día en el laboratorio y no tengo ganas de oír tonterías”. Porque claro, aunque bien es cierto que soy del tipo de personas que-lanza-una-pierda-al-lago-y-dice-mira-así-se-trasmite-el-sonido (ya saben a que tipo me refiero), ciertamente es difícil ser un hombre de verdad, uno de esos que se viste por los pies en estos tiempos que corren. O por lo menos así nos lo muestran nuestras series favoritas, por ejemplo, "The Sopranos" con ese patriarca mafioso deprimido, o mi favorito, el mormón protagonista de "Big Love", que se presentó en un celebrado primer capítulo como un amante padre y dedicado hombre de negocios que tiene que tomar viagra para satisfacer a sus tres esposas. Convirtiendo, así, el sueño masculino del harén en una pesadilla de tensión y auto exigencia, como en esta famosa secuencia de 8 ½ de Fellini.

Vaya, que aunque la masculinidad lleve en decadencia la friolera de 40 años (Fellini nos dio obras maestras al respecto entre las que conviene destacar la incómoda Il Casanova di Federico Fellini), el tema parece, a todas luces, incombustible. Y parece gozar de tanta salud que me ha llevado a preguntarme: ¿no será este soniquete del hombre masculino en decadencia una manera solapada de ser machista?. Es decir, quizás hablando de hombres llenos de sentimientos contradictorios sobre su papel tradicional hayamos podido conseguir que los hombres sigamos haciendo lo que más nos gusta: hablar de nosotros mismos. Vean sino las películas que se ven aclamadas esta temporada JCVD (2008) de Mabrouk El Mechri, la peli que recupera a Jean-Claude Van Damme como si fuera un moderno Hamlet ( el famoso slogan para anunciar Ninotchka fue “¡¡La Garbo ríe!!” ahora toca “¡¡Van Damme llora!!”). Por no hablar de The Wrestler (2008) de Darren Aronofsky, que recupera, ojo, a Mickey Rourke, en una arriesgada apuesta de su director: ese hombre con esa cara puede transforma cualquier línea, por inteligente que sea, en un disparate. Parece indudable que por una cuestión puramente generacional tanto los grandes guionistas, como los grandes directores y los grandes críticos de hoy en día, lease Jordi Costa, se han formado sentimentalmente con el sadismo anal de videoclub que representan estas figuras. Pero, ¿no creen que la recuperación problemática del héroe de videoclub rima con las ansiedades de los protagonistas de las series de ficción?, ¿no creen que los hombres hemos descubierto una nueva manera de hablar de nosotros mismos?... además puestos a recuperar, ¿por qué no a Kurt Russell el de Big Trouble in Little China (1986)?. Era un actorazo, la verdad.

Lo de la tele no lo digo yo, que lo dice mi profesor americano, el amable y magnífico Dr John Lupo, que me permitió “sit in on”, es decir, asistir por la cara a uno de sus cursos de doctorado, uno en Media Industries (era hacer uno de eso o de cerámica). Así en uno de los textos que nos mandó leer, Para television and discourses of distinction: the culture of production at HBO de Avi Santo dentro del libro colectivo It´s not TV: watching HBO in post-television era, se hablaba de eso, de la HBO, de la tele y del género. Y como género, no nos engañemos, la tele es especialmente femenina, y no por los faldones de la mesa camilla, sino así en absoluto. Por ejemplo, la estudiosa Lynne Joyrich dice que la tele es un medio que ha sido tradicionalmente considerado por los críticos culturales como un “pasatiempo castrador y una preocupación feminizante”, principalmente en su género estrella, el melodrama. Ustedes dirán “ahí se ha pasado la Joyrich”, pero pónganse la tele entre las 9 de la mañana y las 9 de la noche y ya verán, ya, que un poco castrados se sienten (aunque sea sólo un poco). Por eso Avi Santo dice que el slogan de la HBO “Its Not TV. Its HBO” tiene también una lectura de género, es decir, es una tele que “no es feminizante, consumista, castradora, ni masificada, (…) por lo que la cualidad que la HBO subraya también puede ser entendida como una postura defensiva contra los supuestos afeminantes de la televisión y sus telespectadores”.

Así el autor de este artículo pasa a relatar como en la HBO lo que gusta es recalcar la temática masculina de sus series a través de la publicidad. Esta estrategia de marketing viene acompañada en las propias series de todo un despliegue de las angustias varoniles del espectador modelo, que no es otro que un hombre, de clase media y blanco (recordemos que la HBO es un canal de pago). Así si un día mojamos el huevo frito con uno de los legendarios ataques de pánico del protagonista "The Sopranos", al siguiente nos comemos el hervido con el vértigo que produce ver como en "Sex and the City" se consume a los hombres como si fueran blusas o cocktails ("Sex and the City", es como sabrán una serie sobre hombres). Esta idea, aunque es problemática –los personajes femeninos continúan estando muy bien trabajados, y no sólo los hombres pagan tele por cable-, no deja de ser un interesante explicación parcial del aluvión de hombres problemáticos que vemos en nuestra pequeña pantalla.

Pensando en Mad Men algo me vino a la cabeza, espera, espera… yo esto creo que lo he visto en otra parte: son publicistas, son hombres, tienen sentimientos… uhmm, ¡¡claro!!, "thirtysomething" (1987). ¿No se acuerdan de aquella babosada yuppie de dos amigos que trabajaban en una empresa de publicidad, y que se llamaban Michael y Elliot?. Pues de aquellas lluvias, estos barros, porque aquel fue uno de los primeros melodramas sobre hombres problemáticos de la tele. Pero tía, era taaaaaaan ochenta, en serio, taaaaaaaan ochenta; tan ochenta, primero al presentar a la gente rica como seres con mejores sentimientos ya que pueden, entre compra y compra, ir a terapia y ordenar un poco esos sentimientos confusos que todos tenemos. Y segundo, al convertir cualquier problema social o laboral en una cuestión personal, por ejemplo, en la serie salía un menesteroso y se oía una voz en off que decía: “Cuantos sentimientos encontrados me produce este necesitado sin oficio ni beneficio”. Y eso, claro, es taaaaan Reagan, bueno tan Reagan y tal melodrama, porque la esencia del melodrama es resolver estas cuestiones en el plano sentimental, ya que sino estaríamos hablando de Bertolt Brecht , Fassbinder y, la verdad, no acabaríamos nunca. Lo importante sin embargo es que según Kenneth MacKinnon, un experto en esto de los estudios de género, los hombres de esta serie tenían que renegociar su masculinidad, haciéndose más sensibles, cuidadosos y femeninos, para seguir manteniendo sus privilegios masculinos. Es decir, en cada capítulo, en siendo ellos más sensibles y delicados, más reforzada salía la estructura heteropatiarcal, que como sabrán, amiguitos, nos oprime a todos.

Aunque en Mad Men hay algo de esa tendencia del melodrama de reducir los problemas sociales al plano de yo-me-mi-mismo, es una obra que supera con creces las limitaciones “de historias de hombres con sentimientos” y de esas “series de lugar de trabajo” de los 80, donde los señores, especialmente los policías campaban a sus anchas (algunos eran nobles y tenían problemas), para entrar de lleno en el drama wagneriano masculino. Porque de eso trata la serie, es en esencia un gran melodrama masculino con toda su tramoya (como el último Batman The Dark Knight), lo que refuerza la causa que dábamos anteriormente para el triunfo de las nuevas series: son una especie de “Cristal" para intelectuales, para fumadores profesionales de pipa…. Por otro lado, el peligro que corre el melodrama masculino moderno es el mismo que corre el melodrama femenino moderno y el mismo que corre el folletín de toda la vida, es decir, eternizarse. Que las temporadas se hagan eternas, que todo se haga más abstracto y pesado, y que no terminen tan poéticamente como en la vida real, donde por ejemplo, el gran Fred Buscaglione acabó con su vida al estrellar contra un camión su Ford Thunderbird de color rosa delante de la embajada de los USA en un bonito amanecer romano. Exigimos, pues, más “melos” en nuestros melodramas masculinos, mientras tanto, Mad Men, no defrauda.

MUDANZAS Y CRÍTICAS: ¡¡¡CAMPANILLA VIVE!!!

La otra cosa a la que me dedico es a hacer millones de cajas preparando nuestro traslado a España mientras que en mi ordenador suenan las Kumbia queers (un grupo de lesbianas rockeras que les ha dado por hacer cumbia y vallenato con temas lésbicos y con versiones de The Cure y Madonna; mi preferida esta, La chica de clendario). Y es que el sistema educativo-científico español nos ha convertido en zíngaros yendo de aquí pa allá, permitiendo que mi señora, la lista de la casa, se haga una carrera científica, pero lejos, lejitos de España. Además que, como ya dije, yo no pienso vivir en un país dominado por un “Emperador Negro”, ni donde no haya “Colorante Carmencita”, y no es una cuestión política, sino cromática, que el arrós caldós parece que lo haya hecho en el agua de fregar. Bueno, no digamos mentiras, es una cuestión cromática y un poco profética, porque revisando las películas y series con presidentes negros, su mandato siempre siempre precede a una gran catátrofe, véase, por ejemplo el ataque terrorista de "24" (2001) o el meteorito de Deep Impact (1998). Y no seré yo quien se quede a verlo, la verdad.

Sin embargo, lejos de ser unos Juanitos Valderramas locos por volver, la visión que nos llega de España tampoco da para dar “oles” de alegría. Ya que vimos con estupefacción el slogan de la campaña de nuestro Organismo de Turismo, titulada lamentablemente “SMILE, YOU´RE IN SPAIN”. La vimos y nos fuimos corriendo a llamar a nuestros amigos españoles para informarnos de la verdad y nos dicen que sí que la gente sonríe, pero que quizás sea un rictus histérico, que no lo saben muy bien. Además descubrimos que no es sólo un slogan sino que viene acompañado de un “spot” (verlo aquí), que no es que es sea directamente terrible, sino que es más de lo mismo y en todo caso, peor: España es un paraíso desértico dominado por la raza aria. Al verlo puse mi mejor voz carajillera y dije: “No si al final pa ver gente blanca nos tendremos que ir a España, que hay que joderse, Mari”.

Además esta imagen de paraíso solitario para familias sajonas, y muy posiblemente, modificadas genéticamente, contrasta con otro anuncio que no paran de echar por la tele americana y que va echar por tierra los millones que nos hemos gastado en la campaña “En Tudela, o sonríes o te tiramos al pilón”. Es un divertido anuncio de la empresa de teléfonos AT&T (aquí) donde una familia americana va a pasar unas vacaciones a España, y haciendo un inteligente juego entre “estar cubierto” de cobertura telefónica y “estar cubierto” de ropa, los hijos pequeños de la familia descubren en una playa española su primer pezón (están todos desnudos). Que mejor publicidad…

Y como hoy estoy muy en plan “cada canción un recuerdo” todos estos anuncios mostrando a esa España desierta y soleada me han recordado una vieja canción del gran Noel Coward, una titulada “Mad dogs and englishmen” que dice (aquí): “Mad Dogs & Englishmen / Go out in the midday sun”, es decir, “Sólo los perros locos y los ingleses/ Salen al sol del medio día”.

Por último, mi regreso a España es agridulce porque podemos decir que no he triunfado precisamente en el concurso de blogs de 20minutos, tal como se me certificó por correo “Mejor blog por votación de los blogueros - 1 voto - 1489º puesto. Mejor blog de cine - 1 voto - 77º puesto”. Y el 77 no es ni siquiera una buena posición pues la comparto con 80 personas… Sin embargo, pásmense, he recibido mi primera crítica, jejejeje, y es positiva (¡oh, ah!). Una de la revista Rotos&Descosidos que según ellos mismo es “una revista virtual que nace en octubre de 2008 como un trabajo académico de estudiantes de Periodismo en la Universidad Carlos III de Madrid”. Allí, en su sección Miscelánea, Carlos Torró recomienda este blog con estas palabras: “El blog Palomitas en los ojos. Un simple aficionado al cine, sin más aspiraciones que paliar su necesidad comunicativa, expone a través de interesantes textos sus opiniones. Pero lo que más me gustaría destacar es su sentido del humor. Un sentido del humor algo irreverente pero manteniendo los pies en el suelo. Este espacio permite, simplemente, divertir. Y ese es el punto crucial. Entretiene a través de los conocimientos que van cayendo dentro de cada crítica, silenciosamente, sin dolor (como un buen dentista se supone que trabaja).”

El comentario, entiéndame, es bienintencionado pero me gustaría hacer dos puntualizaciones: la primera, la cosa del “simple aficionado al cine”. Carlitos, hijo, no es ponerse en plan chulo, en plan a ver quien la tiene más larga… pero si tu me enseñas primero la tuya, yo te enseño la mía… No, en serio, la verdad es que soy un simple aficionado, pero a mi me gusta considerarme como un “aficionado profesional”, o si quieren un connaisseur. Me he dado cuenta, por ejemplo, que la mayoría de los blogs de cine de internet imitan el estilo de las críticas sosas de las revistas, utilizando frases como “para los amantes de Woody Allen” o “una película magnífica, le pongo 3 Mari Carmenes, en mi Mari-Carmen-Lista”. En cambio, mi estilo es más del SXIX, un estilo tomado de las señoras de clase alta. Esas a las que sus confesores, médicos o alienistas les decían: “Querida amiga, aunque la lectura en la mujer es muchas veces pereza mal disimulada, lea y escriba usted, que eso le alejará de su estado melancólico”. Así que cada quince días me siento a escribir mi “Monumenta Ignatiana”. Y ustedes, claro, a tragársela. La otra puntualización es la trillada imagen del dentista. Ya saben, cuando asisto a una fiesta y me preguntan qué a que me dedico, y yo digo “soy crítico cultural”, la gente siempre dice “¡ah! como si fueras una especie de dentista…” (¿¿??). Bueno, pues, para ti la perra gorda… dentista, pues dentista, pero eso sí, como el de esta canción. Y muchas gracias de verdad, Carlos…

Eso es todo, espero verles en España, pero sonriendo coño, que así se hace nación…

El aparato depredador femenino y el cine

2008-10-30T08:53:00.000-07:00

Kracauer decía una cosa muy bonita, muy bonita y muy jodida como todas las cosas bonitas: “Vivimos en una cultura de empleados, hecha por empleados para empleados”. De esta completa y compleja frase hoy vamos a subrayar el género, pues la lección de hoy trata sobre cómo los medios culturales están en manos de hombres, de hombres cineastas, de hombres escritores y hombres periodistas. De hombres empleados. Estos hombres empleados llevan siglos elaborando un discurso muy llamativo y que gusta a otros hombres empleados, un discurso que viene a ser más o menos éste: “el aparato reproductor femenino, dador de vida, es sin embargo un máquina de matar, el foco de todos los males”. Últimamente me he encontrado tantas variantes de este discurso que no me he resistido a hablar de él. Cojan un buen té caliente, acurrúquense en el sillón con una rebequita, y rásquense en un poco el coño, porque es la última vez que lo verán como una agradable y tibia parte de su cuerpo, y no como la terrible máquina de matar que de verdad es.

Pero antes un recordatorio: este blog va sobre analizar imágenes y no sobre moral o religión. Yo no he creado las imágenes que hay a mi alrededor, tan sólo las intento comprender… aunque, bien pensado, si la Primera de las Españolas, S.M. la reina Doña Sofia, puede decir lo que le pase por el cardado, quiénes somos nosotras para contradecirla...

EL ÚTERO DEPREDADOR

Les voy a contar como empezó la idea para esta larga entrada: hace un mes me dirigía silbando alegremente hacia la biblioteca donde suelo trabajar cuando al girar una esquina, ¡¡¡MALDICIÓN QUE VEN MIS OJOS!!!, ¡¡¡DIOS SANTO!!!. En medio de la plaza central de la universidad donde estoy, la de la Colorado State University, unos majaderos no sé si pro-vida o anti-sutileza habían colocado una enorme carpa, una especie de anuncio tridimensional de cinco metros de altura lleno de fetos despedazados, descuartizados, hechos añicos. No había manera de evitar ese circo, y encima, doble maldición, mi sitio preferido en la biblioteca era un palco privilegiado desde donde observar a uno de ellos, el más sangriento, el más despedazado y el más abortado de ellos (si es que en esto existen grados). Aquel día empezó una larga semana de convivencia con fetos muertos. Tras cinco días de trato llegue a dos conclusiones: primero, pero cómo se parecen estas fotos a las de los menús de los restaurantes chinos (no en serio, que están cocinando esos tipos). Y segundo, pero si esas fotos hablan de… pero no sé, no puede ser…

Cómo uno no sabe pensar sin apoyos, empecé a investigar qué mente criminal había creado estas imágenes, qué nos intentaban enseñar y por qué habían acabado debajo de mis narices. Así encontré un libro con el ilustrativo título de Killing for life: the apocalyptic narrative of Pro-Life politics, que me ayudó a entender ciertos mecanismos de este terrorismo visual. Según la autora de este libro las imágenes de fetos muertos las tenemos que comprender dentro de la natural evolución de los grupos pro-vida en EE.UU. Dentro de un movimiento que logró aunar a radicales religiosos, a la vieja guardia del KKK, a los modernos supremacistas blancos, a la ultra-derecha consparanoica –todo el rollo del Nuevo Orden Mundial- y le dio a este conjunto un alegre toque de milenarismo: el mundo, chicos, se acaba. Así según su autora, Carol Manson las imágenes de fetos despedazados tienen su origen cultural en los linchamientos del KKK, y en como después de éstos se solía cortar alguna parte del cuerpo del linchado para exhibirlo. En otra parte subraya como las imágenes de fetos magnificadas, puestas o no al lado de otras masacres, nos remite a la idea del “holocausto”. “América esta viviendo un holocausto”, o para ser más exactos, “América está viviendo un holocausto blanco”, pues según muchos de estos anti-abortistas radicales, la mayoría de médicos que practican abortos son judíos o extranjeros que están llevando a cabo una aniquilación silenciosa de la raza blanca (hemos de señalar que el nivel de embarazos no deseados entre las jóvenes negras, y pobres, es ciertamente escandaloso). Sin embargo mi teoría favorita es una que dice que la mayoría de los y las feministas que trabajan en clínicas abortivas son gays y lesbianas que están utilizando los fetos aniquilados para experimentar con el SIDA…uhmm, quien puede resistirse a las idea de unas locas locas locas enfermeras lesbianas. A este nivel de disparate hemos llegado, y yo lo cuento porque lo he leído y lo he visto, que en la paraeta que tenían puesta en la universidad se decía fehacientemente y con pruebas “que abortar producía cáncer de mamá” –es la nueva arma: se están denunciando a las clínicas por ser causantes de cáncer. Esto, claro, ya pasa de lo grave a los gravísimo, del insulto a la inteligencia al terrorismo intelectual, que sumado al visual, produce en los EE.UU., lo que se conoce como terrorismo real, el de poner bombas y matar médicos.

De todo eso trata una película excepcional, imprescindible y bella, Lake of Fire (2006) de Tony Kaye, director de la conocida American History X. Esta es una cinta sobre el aborto y el terremoto social y personal que produce. Una película rodada en blanco y negro, donde siempre suena un bellísimo réquiem, y donde el director plasma quince años de investigación y entrevistas. Olvídense de idioteces como Super Size Me, en esta peli tenemos un examen serio con una voluntad de captar todas las variantes que un tema así puede suscitar. Desde Noam Chomsky relativizando las posturas morales, hasta cristianos pro-choice, pasando por entrevistas con asesinos de médicos y figuras legendarias del derecho al aborto ahora convertidas en cristianas renacidas. Todo este fresco, un tanto disparatado, se convirtió en material de Grand-gignol en otra película que también gusta mucho, Palindromes (2004) de Todd Solondz. Esta cinta, que actuaba a modo de una buena caricatura, y que dibujaba la historia de una joven a la que sus padres obligan a abortar, para acabar engrosando las filas de los anti-abortistas más radicales, no dejaba de ser, en su acidez, muy humana y próxima. Además, acuérdense, que tenía aquella cosa experimental de cambiar a la actriz que representaba al personaje principal según sus estados anímicos.

Junto a estas dos, otra de las cintas que nos puso el corazón en un puño, y nos colocó un puño en el estómago fue 4 luni, 3 saptamâni si 2 zile (2007), o sea, “4 meses, 3 semanas y 3 días”, una peli rumana donde se cuentan las terribles circunstancias que rodean el aborto de una joven rumana durante la dictadura comunista de Nicolae Ceauşescu (la peli esta ambientada en 1987). En ella se refleja la violencia diaria y cotidiana en la que se ve envuelta una mujer cuando el aborto es ilegal. Es una historia terrible, donde la angustia se mezcla con lo cotidiano cuando asistimos a los viajes en busca de doctor, a las cenas familiares, a los reproches entre amigas. La historia, en fin, da un giro brutal cuando el “médico” pide sexo a cambio de practicar el aborto. Cuando la ví me pareció que la película patinaba hacia el terreno del melodrama tremendista, y que de un momento a otro iba a aparecer un vibrato de violines anunciando algún giro aún más tremebundo, pero meses más tarde descubrí en un libro titulado Abortion and life, que esta práctica era común, y que muchas asociaciones feministas americanas que daban una lista de “clínicos” seguros durante las décadas de los 60s tenían que revisarla periódicamente debido a las denuncias por este tema. Una película dolorosa, sorda y feroz donde se puede ver uno de los planos fijos más discutibles de la historia del cine.

Sin embargo, para cerrar esta primera parte, la dedicada al útero, conviene señalar que el tema del feto despezado americano tiene, además del disparate derechista, otro origen cultural: el feto embotellado europeo. Hace meses descubrí este magnifico artículo, Anatomy of a motif, donde se analizaba la presencia de fetos embotellados en la pintura y la ilustración de finales del SXIX, especialmente en la corriente simbolista. Allí podemos ver no sólo una larga selección de pinturas y referencias culturales que harán las delicias de las historiadoras del arte que me lean (la más bizarra: un dibujo de Somm donde se autorretrata como un feto embotellado en alcohol haciendo referencia a su adicción por la bebida), sino que a través de las valiosas informaciones que nos da, podemos establecer un paralelismo entre la Francia del SXIX y la América del XX. En el texto se nos cuenta, por ejemplo, que la visión de fetos embotellados era algo relativamente próximo a los ciudadanos a través de las Escuelas de Medicinas y de las ferias de curiosidades, pero que pasó a ser un tema popular en un país como Francia debido a que la guerra franco-prusiana y las matanzas de la Comuna habían instaurado el miedo a la despoblación. Estos acontecimientos se vieron además acompañados por la aparición de la “mujer nueva”, es decir, “la mujer feminista”. A este respecto, los especialista tampoco se quedaron callados, y por ejemplo, el economista Pierre Paul Leroy-Beaulieu demostró estadísticamente, es decir sumando y restando, que la despoblación era causada directamente por el feminismo: “tengo dos niños, pero me llevo una feminista son…”. Así mismo, Vacher de Lapouge presentó una enloquecida teoría según la cual el feminismo era el causante de la degeneración de la raza (francesa, se entiende) ya que si las mujeres más listas, ergo las feministas, no tenían hijos la raza podía acabar hecha un asco y gustándole las películas de Louis de Funès.

Las imágenes de fetos eran en aquella época, como en ésta, y según Elizabeth K. Menon la autora de este magnifico trabajo, imágenes “que comunican el miedo de los hombres, y su odio por la “nueva mujer”, ya sea la estereotipada feminista hombruna, la femme fatale, o la compradora superficial de productos de lujo. Las mujeres vestidas a la moda visitando a un abortista o contemplando fetos deformados sugieren la renuncia a la procreación y a la familia a favor de la búsqueda de bienes materiales o intelectuales. Los fetos monstruosos quizás sugieran la falta de interés en la mujer por la maternidad, así como, de manera más general, el miedo a la degeneración como resultado de factores tanto ambientales como hereditarios”. El caso americano recoge todas esas paranoias y las plasma en términos de guerrilla de imágenes –tanto en tamaño como en emplazamiento: a las puertas de las clínicas, por ejemplo. Es decir, se pone en práctica toda una táctica violenta que nos hablan ofensivamente de una verdad totalitaria: la mujer es puro útero, y como tal, ella es la causante de esas imágenes. Pensemos por ejemplo, en como se renuncia a reflejar en los carteles cualquier método abortivo. Con ello, al igual que con la imágenes de fetos deformes del SXIX, se nos transmite una idea obscena en la que se transforma el útero en una máquina de despedazar niños. Es decir, el útero también puede ser un aparato depredador cuando la mujer abandona su principal función que es la de tener hijos.

LA MENSTRUACIÓN DELICTIVA

Siguiendo con esta línea de impulso criminal ligado al aparato reproductor femenino nos encontramos, claro, con la menstruación. Menstruar a priori no es delito, pero pronto, creo, pasará de moda. Sin embargo, la menstruación ha sido considerada origen de múltiples y variados delitos para los que nos tendríamos que remontar, fíjense, al SXIX; cuando se decía que la mujer que cometía infanticidios o se suicidaba (si mataba a un hombre es que era directamente una bruta y había que colgarla) quizás era por irregularidades menstruales. Esta teoría era mantenida, entre otros, por un señor decimonónico como el Dr Henry Maudsley quien dijo en el Journal of Mental Science de 1861 tras atusarse el bigote: “Las irregularidades en la menstruación son causas reconocidas de desordenes nerviosos, y pueden actuar en diferentes partes del sistema nervioso en diferentes modos, a unas [mujeres] dando origen a convulsiones histéricas o a manía histérica, en otras epilepsia, y en otras a tendencias suicidas u homicidas”. Ahí es nada. Sin llegar a tanto pero tampoco quedándose atrás, un maestro de la cosa criminal Cesare Lombroso expuso allá por el 1893 en un libro capital sobre la hembra malhechora, La mujer criminal, la prostituta y la mujer normal que “la menstruación tiene gran influencia sobre ciertos tipos de crimen. De ochenta prisioneras arrestadas por rebelarse contra o por asaltar a los guardas, descubrí que sólo nueve no estaban menstruando. Entre las mujeres parisinas es más probable que roben en tiendas mientras menstrúan: entre los 56 ladronas estudiadas por Legrand de Saulle, 35 estaban en el periodo menstrual, y para 10 el periodo justo acababa de terminar. Legrand por lo tanto concluye que cuando las mujeres jóvenes histéricas roban bibelots, perfumes y cosas parecidas, es casi siempre durante el periodo menstrual. Emet y De Gadarne observaron que en mujeres excepcionalmente lascivas, la menstruación es anormalmente prolongada, repetida o abundante, Otra característica de la menstruación entre las prostitutas es que es aparentemente irregular”.

¡¡¡ Ostras Pedrín!!!,. que lo que Lambroso nos está contando es casi casi Marnie (1964) de Alfred Hitchcock. O sea que esa fobia del personaje, Marnie Edgar, por el rojo, y esos fundidos a rojo que nos regala Hitchcock en toda la película no son otras cosa que “fundidos menstruales” (esta es mi bizarra teoría: “free Winona”). Claro que cuando se junta la menstruación con la telequinesis ahí sí que la tenemos montada. Me estoy refiriendo, claro, a Carrie (1976) de Stephen King. A Stephen King se le ha acusado de ser un machista horripilante al retratar a esa extraña joven criada por una cristiana fundamentalista como una loca telequinética dispuesta a mover objetos punzantes hacia sus compañeros. Sin embargo hasta llegar a ese final sangriento, Carrie ha aguantado carros y carretas, como por ejemplo cuando le sorprende la primera regla en el vestuario femenino, convirtiéndola en el monstruo que siempre ha sospechado ser. A este hecho sus compañeras responden creando una red de apoyo que consiste en lanzarla tampones, compresas y gritarla: “¡¡¡freak, pedazooooo de freak!!!”. Aquél episodio es un punto y aparte para Carrie, que se pone en contacto con su yo-interno, que resulta ser un yo-interno telequinético y ciertamente asesino. Esta película, en fin, ha sido tradicionalmente vapuleada por las feministas quienes consideran que la aniquilación masiva de sus compañeros de instituto no se puede reducir a un típico “¡¡¡Oh Carrie!!...ya sabes, está en uno de esos días del mes”, o por utilizar una expresión típicamente americana “¡¡¡Oh Carrie!!!... ya sabes, está cabalgado el caballo de algodón”. Principalmente por no reducir a la mujer / a Carrie a uno de sus órganos reproductores. Sin embargo, y en este caso, tengo que discrepar de mis amigas feministas pues lo único que hace King, y por intermisión el director de la película Brian De Palma, es hacer lo que sabe hacer mejor este hombre: coger uno de nuestros pequeños miedos cotidianos y amplificarlo. Claro, que como miedo es un miedo típicamente masculino, a qué engañarnos, un miedo consistente en que nuestras mujeres, compañeras, hermanas y primas se transformen en monstruos violentos, guiados por la ira y el afán de destrucción. He visto casos, créanme, en que los lugareños cerraban contraventas y refugiaba a sus hijos mientras el cielo iba tomando un color cobrizo; a ese respecto los recomiendo este corto de you-tube donde se juega con las siglas PMS, o sea, “Pre-Menstrual Syndrome” llamándolo “Pre-historic Monster Syndrome”.

Irónicamente una película que literalmente transforma a las mujeres en monstruos por intercesión de la regla, es una de las más alabadas en este terreno por la crítica feminista. Se trata de Ginger Snaps (2000) de John Fawcett donde unas hermanas así como góticas, intelectuales y medio raras, son atacadas el primer día del periodo de una de ellas por una misteriosa bestia que merodeaba su vecindario, convirtiéndolas en chicas lobo. Que son, según parece, como las lobas de toda la vida: sedientas de sexo y sangre. Una crítica feminista, Tammy Oler, hace una interesante reflexión sobre la peli: “Como si fuera una respuesta a los clichés que expresan una unión esencial y biológica entre lo femenino y el horror, Ginger Snaps, nos urge a que examínenos cómo de potencialmente dañinos son esos vínculos para las jóvenes. La desgana que sienten las hermanas por alcanzar la adolescencia se basa precisamente en su deseo de no verse reducidas a sus partes / órganos femeninos. Ginger Snaps, en cambio, subraya la necesidad de las chicas de no significarse o habilitarse a través de algo específicamente femenino –algo que se derive de sus capacidades esencialmente biológicas- sino a través de expresarse a si mismas como individuos”.

La menstruación y una rara alteración hormonal, la enfermedad de Adison, son la causa para que la protagonista de la novela de Lawrence Sanders, The thrid deadly sin (1981), vaya matando hombres en serie guiada por su ciclo menstrual. Zoe Kohler, una triste empleada de la seguridad de un hotel, ignorada por los hombres y recién divorciada empieza a tener problemas con su menstruación: vértigos, dolores de espalda, además de tirones y terribles contracturas. Este delicado estado, unido a la enfermedad de Alison, que inhabilita hormonalmente para aguantar el stress, hace que nuestra heroína se plantee acabar con la cultura masculina que impera en su ciudad. Se disfraza como prostituta o acosa a los hombres en los bares, para llevárselos a una habitación de hotel donde les corta la garganta y les acuchilla repetidamente los genitales. Placer, placer no encuentra, dicho sea de paso, ya que más que vicio se trata de venganza, o mala leche, por el doloroso estado que cada mes le toca aguantar.

LA VAGINA DENTADA

La vagina, convertida en uno de los muchos motivos abstractos del cine porno a través del “primer plano ginecológico”, se transforma en protagonista indiscutible de una historia muy discutida en el saloncito de mi casa, Teeth (2007). Teeth es una excelente y divertida película dirigida por uno de los protagonistas de esa cinta que dio a conocer a Ang Lee, El banquete de bodas, el que hacía de novio americano, vamos, Mitchell Lichtenstein. Teeth, empieza como Carrie o Ginger Snaps, jóvenes que niegan su sexualidad de algún modo y que se dedican el ensimismamiento adolescente o a la religiosidad. En este caso nos cuenta la historia de una joven metida en uno de esos bizarros grupos que abogan por la castidad (“si tienes un regalo precioso, ¿verdad que no se lo vas entregando al primero que pasa?), que un buen día se enamora. Viviendo todo un torrente de sentimientos con los que no sólo descubre el amor, sino también que tiene una vagina dentada, con sus molares, incisivos, y caninos. Así la película se transforma en lo que quiere ser una película de terror feminista, es decir, la joven con el hallazgo de la sexualidad placentera, toma conciencia del poder que posee en la entrepierna.

La película es uno de esos disparates amenos que divierten entre ocurrencia y ocurrencia y que tiene, además, el aliciente de ser un cuento de terror liberal y moderno. Con esa idea se la recomendé a mi amiga Monica Ciscar que tiene el pedigrí de haber sido expulsada de los círculos feministas más miopes, cuando la vio, me dijo dos cosas que me parecieron el colmo de la perspicacia: primero, “esta peli se parece mucho a Hard Candy (2005) en el personaje de la adolescente tomando conciencia de su poder y en la vulgarización de las teorías feministas”. Y, segundo, “esta no es una película feminista es una película hembrista”. “¡¡Toma ya!!” dije yo. Ahí me había pillado, la verdad, porque no comprendía muy bien el término, ella con esa paciencia que da ser buena amiga y haber trabajado como “monguitora” me explicó que me fijara mejor, que la peli no hablaba de la liberación de la mujer, sino de los asquerosos que eran los hombres. Que seguía describiendo el sexo como algo sucio y que, en última instancia, continuaba reduciendo a la mujer a su aparato reproductor. Que no fuera un merluzo y que no me cegara por cualquier modernidad (cuanto me conoce esa mujer)…

Para concluir que ya es hora, vayamos concluyendo, la conclusión es clara: los hombres son y han sido tradicionalmente los principales manofacturadores de imágenes y, como he esperado demostrar, a través de las imágenes que han fabricado han ido reflejando sus miedos por esos seres enloquecidos y lunáticos (por la cosa de ir con la luna) que son las mujeres. Dentro de las mujeres, como si se tratara de un acertijo dentro de un acertijo, el mayor misterio de todos parece ser el sexo. Ese gran interrogante que es el aparato sexual femenino sirve de metonimia del género femenino, es la parte que representa al todo, o como se dice popularmente en valenciano: “dona gran, figa gran, dona menuda, tot figa”. Así parece que la mejor metáfora que puede haber en un mundo asquerosamente machista es la de un útero depredador, una menstruación delictiva o una vagina dentada. Es decir, la mujer reducida a un aparato reproductor monstruoso. Ahora lo que toca es cambiar nuestros tiempos, y cambiar nuestras imágenes.

Os dejo con unas imágenes de mi próyecto feminista de calabaza de Halloween. Como verán traté el tema de la vagina dentada y la menstruación...

Lucha libre Mexicana y Crítica de cine Español

2008-10-04T08:07:00.000-07:00

Hace un par de semanas tuve la suerte de visitar México DF con unos amigos; México es una cuidad de grandes contrastes donde, por ejemplo, se puede escuchar entre mucho ruido y muchísimo ruido. Donde se pueden ver sendos murales, donde se puede viajar en metro dirección al Apocalipsis (muñones, ciegos y guitarristas atronando en vagones repletos) y donde, oh, se puede asistir a la famosa lucha libre mexicana en una de las catedrales de la cosa, Arena México , tal como hicimos. ¡¡Que cosa más bonita y vistosa!!. Preciosísima. Aquello es lo más parecido a un ballet para heterosexuales que se pueda imaginar: ese cogerse de las manos, ese darse volteretas, para rematar en brincos y saltos, y para terminar dándose unas palmadas que atronaban pero no dolían. El público que estaba en nuestra sección, la más barata, era excelente ya que nos acogieron amablemente entre insultos de “¡¡Viva los españoles aunque todos sean nietos de Franco!!” y cosas por el estilo. Claro que una vez que vimos que insultaban a todo el mundo, eran insultadores globales, nos sentimos totalmente integrados ya que, por ejemplo, a una alemana que nos acompañaba le dedicaron el sociológico y contemporáneo “¡¡Ángela Merkel chíngale a tu madre!!”.

El espectáculo consistía en lo siguiente: se empezaba con un aperitivo de lucha femenina en este caso Goddes contra Princesa Sugehit, para seguir con lucha de enanos. Me detengo un momento en este llamativo número: los enanos no son otra cosa que versiones en miniatura de los grandes luchadores, es decir, son mini-Santos, mini-Blue Panthers y otras versiones de bolsillo. En aquella noche pudimos ver a Mascarita Dorada enfrentarse a Pierrothito. Un amable espectador mejicano, comunista acérrimo que mientras animaba daba vivas a la República, a la nuestra digo, nos informó que lo de usar enanos era por la cosa paródica y surrealista “que ya lo dijo Breton” y que no nos confundiéramos “que a veces eran enanos y otras veces simplemente chaparros que eso se veía a simple vista”. Después del combate de baja intensidad venía el plato fuerte consistente en el enfrentamiento de dos equipos de tres luchadores cada uno, en una especie de danza hiperbólica de gritos y músculos. Lo que no sabíamos era que una de las reglas del juego consistía en que estos dos equipos siempre están enfrentados, polarizados, en dos actitudes: los que respetan las reglas y quieren hacen un espectáculo bonito, los técnicos, y los que dan mamporrazos a diestro y siniestro y a la brava, los rudos (los villanos). Nosotros fuimos a caer en el sector de los rudos que animaban a Los Perros del Mal, o sea que debíamos llamar putos a todo técnico que nos pasara por delante, en este caso los seguidores de Marco Corleone, Blue Panther y Volador. Y dicho sea de paso, bien putos que eran los técnicos…

Ante aquel impresionante espectáculo que tenía tanto de mascarada como de homovestismo (es decir, de subrayar las cualidades del propio sexo hasta el delirio utilizando la ropa), como decía, ante aquella astracanada violenta me dije: “pero que bonita metáfora del mundo en general y del mundo de la crítica de cine español en particular”. Porque, ¿tal vez no deberíamos pensar en la polémica que tiene enfrentada una parte de la crítica como en un combate de lucha libre mexicana, donde parece que se pegan pero no, donde hay rudos y técnicos, donde hay enanitos y chicas florero?. Oye, que es que encaja a la perfección, piénselo. Para los que no se han enterado, o si se han enterado pero son un poco lentos, yo les voy a explicar lo de la polémica de los críticos españoles utilizando como metáfora una de las cumbres de una cultura hermana, la mejicana: la lucha libre.

Como en la lucha libre y en las historias de amor de Hollywood existen dos grupos, los técnicos y los rudos. Vamos con los primeros. Los técnicos, los que quieren hacer las cosas bonitas, son los que han levantado la liebre de la polémica al firmar una carta dirigida al director de El País, donde se quejan que su crítico estrella, Carlos Boyero, no apoya suficiente al cine valiente e independiente, conocido anteriormente como cine de Arte y Ensayo (pueden leerla pinchando sobre “carta”). ¿Quiénes son los técnicos? Los técnicos son principalmente un par de directores de cine como Víctor Erice creador de las conocidas El espíritu de la colmena (1973) y El sol del membrillo (1992), Isaki Lacuesta director de Crav an vs. Cravan (2002), además de críticos de cine, incluyendo casi toda la plantilla de Cahiers du Cinéma. España. Historiadores de cine como Santos Zunzunegui, y algún que otro escritor como Javier Maqua o Isabel Escudero. Una vez identificados veamos a ver que dicen…

… si han leído por encima la carta, comprobarán que en cierto modo hacen bien al denunciar que el Mal, digo el Capital, puede andar detrás de esa cosa tan altruista que es ir a ver cine en un certamen europeo, pasear los ojos por unos cuantos rostros suecos y unos cuantos culos franceses y volverse a casa pa contarlo: “Macho, lo que he visto…”. Sí, tienen más razón que El Santo, y la cosa no hay que tomarla a guasa, El País es el periódico más leído de España y España es el país que asiste más al cine dentro de la EU según el libro que vamos a utilizar esta vez, tomen papel y boli, European Film Industries por Anne Jackel (ojo, los datos son del 2000). Pero vamos a ponerles “peros” al equipo de los técnicos, que los “peros” pueden enriquecer un discurso que viene a ser, más o menos, el que sigue: “el crítico de El País, o el periódico en su conjunto, no apoya las películas atrevidas porque es el representante de un grupo mediático concreto con intereses concretos en el mundo del cine y la televisión”. Bien. Interesante, la verdad. Aunque, seamos sinceros, yo al grupo de los técnicos (¡¡¡¡putos rudos!!!) los llevo oyendo años en conferencias y charlas, leo cuando puedo sus artículos, compro las revistas de su ramo y sólo he oído la palabra “industria mediática” precedida o seguida de un escupitajo. En cambio si me dieran un nickel por cada vez que he oído “universo lacaniano”, “mirada performativa” o cosas por el estilo sería un tipo niquelado. Vamos lo que quiero decir es que el grupo de los técnicos sufre mucho a la industria como directores, historiadores y analistas sensibles que son, pero analizar, analizar, la analiza poco, la verdad. Vamos que sí, seguro el Grupo Prisa tiene intereses mediáticos pero… ¿cuáles?. Claro, los canales de televisión son de todos conocidos, que si Canal + , que si… pero, ¿sabía usted que el GRUPO PRISA es dueña de una de las mayores distribuidoras de cine español SOGECINE ?, y ¿sabía que controlaba el 33% de la cadena de cines WANER-LUSOMUNDO (vendida a CINESA en 2005)?. ¿Sabía que cada vez que mandaba a su niña a ver una bonita película que mezcla animación y realidad a esos cines estaba dando dinero a los comunistas-homosexuales-pro-aborto-americanistas del grupo PRISA?.

El otro “pero”… es que todo esto, perdonen, es muy “naif”. O si lo prefieren “bizantino”, ese pueblo tan ideal que sitiado por sus enemigos se preguntaba: “¿son las imágenes religiosas correctas, quién tiene más razón los iconoclastas o los iconocludes, debemos superar las manga rangla en nuestra túnicas?”. Lo que quiero decir es que conviene preguntarse, ¿para qué sirve un crítico?. Vamos, los críticos, los de antes, los de la prensa escrita, servían para decir si una película era güena o era un pestiño, si merecía gastarse 300 pesetas en el cine o en cervezas. Uno leía la crítica, lo meditaba el resto la semana y se iba el sábado al cine. Ahora si esperas tanto probablemente tengas que comprarte el DVD en la FNAC para verla. Vamos que un crítico de prensa era alguien que utilizando el “boca-orejas” intentaba orientar al público, pero ahora casi siempre es demasiado tarde para oír su veredicto ya que los estrenos se suceden demasiado rápido y la gente, por muy amante que sea de los gustos del grupo PRISA, la mayoría de las veces se encuentra con El País del viernes pasado diciendo “uy, ya la han quitado, y eso que la ponía bien el Boyeros”. Yo, la verdad, no echo de menos esa situación y encuentro ciertamente divertido tanto el grado de estupefacción de nuestros mayores como la posibilidad de una crisis económica a escala interplanetaria.

Pero, ¿quiénes son los rudos de esta historia?. Quiénes son los que dan mamporros a diestro y siniestro, quiénes desprecian las piruetas de los técnicos y quiénes, maldición, tienen la aprobación del populacho. Pues Carlos Boyero y un nutrido grupo de profesionales de la crítica cinematográfica a los que después leeremos ya que antes conviene analizar un elemento esencial del combate: el equilibrio de fuerzas. Parece evidente que en este combate las fuerzas son desiguales, ya que aunque dudo que Boyero pueda convertir los panes en peces y los peces en espectadores, bien es cierto que la maquinaria informativa que tiene detrás es capaz de aguantar críticas y palos, así como es capaz de convertir una película en un éxito económico. En cambio un fracaso en taquilla a un pequeño productor o distribuidor puede acarrearle el cierre de persianas y el dedicarse a la fontanería. De este modo desde principios de los 90 las quejas de este tipo se han venido sucediendo y parece que al grito de “¡¡¡que inventen ellos!!!” la crítica teórica española ha tomado el ejemplo de la francesa e inglesa y le ha dado por el pataleo intelectual. Repasemos algunos ejemplos: un tal Stafford, de los Stafford de toda la vida (es que no tengo la referencia a mano), hizo un estudio entre la prensa inglesa y llego a la conclusión, ¡¡O.M.G.!! -acrónimo de “¡¡Oh, My God!!”- de que a las películas europeas en la prensa británica se les dedicaba un espacio pequeñísimo. Que daba igual que el crítico dijera que aquello era un nuevo paso en la historia de la humanidad que el espacio que ocupaba era parecido a esos anuncios de “A San Judas Tadeo por la curación de mi cuñada”. Vamos una cosa pequeñísima, de lupa.

Ante ese enanismo de la prensa escrita inglesa y española encontramos la que se conoce como le grandeur francesa, donde periódicos como Le Monde o Libération te hablan del cine europeo que da gusto, a todo meter, a tres columnas, con santos, entrevistas y opiniones formadas. Que es que la gente del cine tiene que estar contentísima en Francia… ¿todos?. No, no todos, existe una pequeña aldea dominada por Patrix Lecontorum… Vamos, que siempre hay gente que le gusta quejarse, y en este caso fue Patrice Leconte quien allá por 1999 se unió a un grupo de profesionales del cine y dijo que la prensa francesa daba un cobertura injusta a ciertos género del cine francés como la comedia o las películas de época (en 1996 había dirigido la magnifica Ridicule). Ya me puedo imaginar la carta dirigida a los medios: “Somos franceses, sí, pero eso... ¿nos hace menos humanos?, si nos hacen cosquillas, ¿no nos reímos?, si nos ponen una película de época ¿no bostezamos?”. Toda una declaración de principios. Estas protestas venían sin embargo a contradecir un estudio de la ARP, la Asociación de Autores, Directores y Productores de Cine Francés que en 1996 advirtió que la crítica francesa no era, como se pensaba, un agente doble al servicio de Hollywood. Desde entonces las recriminaciones entre crítica y profesionales de la cosa audiovisual se vienen produciendo regularmente, sobretodo cuando los asfixiados productores que intentan ver devuelto algo de su inversión se encuentran en plena promoción con una crítica como esta: “The Fountain, del no menos celebrado Darren Aronofsky, cayó como un alud de memez y pedantería sobre cientos de personas inocentes. Fue terrible” (Enric Gonzalez, EL PAIS).

Ahí nada más y nada menos reside la segunda fortaleza del sector rudo: no sólo tienen una amplia difusión, sino que, encima, se les entiende. Mientras tanto, y como tendencia general el grupo de los técnicos intenta defender un cine de línea dura con palabras y fórmulas mágicas (existen honrosas excepciones). Aunque este tipo de cine puede ser muy valioso, por ejemplo, recomiendo fervorosamente The world/ Shijie (2004) de Jia Zhang Ke, chica, yo a los críticos teóricos no los entiendo. Tomemos como ejemplo una crítica a la En la ciudad de Sylvia (2007) de una de las revistas del ramo, lean y pásmense: “Mediante el desglose y la especulación contemplativas -unidireccional, pues el contraplano rara vez implica el cruce de miradas con el actante focalizado-, se pretende erigir el receptáculo catalizador y dar cuerpo a la quimera en aras de reeditar un evento del paso -real o ideación, no llegamos a saberlo a la postre- y exorcizar las mil y una reverberaciones en su ser desde entonces”.

Yo de aquí sólo entiendo los artículos, y no es casticismo anti-intelectual, es que no lo entiendo, no sé ni donde está el sujeto. Claro, que frente a esta hipertrofia universitaria de la crítica teórica, el último escándalo que protagonizó la crítica profesional española fue también un poco vergonzoso, ya que nadie asistió en la última Mostra de Venecia a la proyección de la película ganadora, otra del Jia Zhang Ke titulada Sanxia haoren (2006). Lo que dio origen a una serie de críticas delirantes:

“Lo gracioso del asunto es que esta película de Jia Zhang-Ke ni siquiera estaba programada de antemano; se proyectó sobre la marcha y en plan sorpresa un día a las tantas de la noche y sólo acertaron a verla los parientes de Jia, dos que no tenían hotel y una representación muy selecta de entre lo más colgado de la crítica... Sobre lo que viera a esas horas, o cuando fuese, Catherine Deneuve se podrían hacer diversas lucubraciones graciosas” (Oti Rodriguez Marchante, ABC) “. “Cuando se conoció la película ganadora, la primera reacción en el Palacio del Cine fue de estupor. Al estupor siguió el frenesí: había que encontrar a alguien que hubiese visto Naturaleza muerta.” (Enric Gonzalez, El País).

Claro que hay que comprender también que esta sección se traga cosas realmente aburridas, insoportables, y es natural que afilen dientes y lápices durante las largas horas pasadas con “nuevos grandes genios del cine·. Veamos para terminar una pequeña galería de insultos:

Apichatpong Weerasethakul (esto, lo crean o no es un nombre): “De este angelito había visto antes Enfermedad tropical / Tropical Malady, película imbécilmente simbolista protagonizada por dos homosexuales que se pelean mogollón y un tigre muy aburrido que se pasea por la selva. Un disparate tan tedioso como impresentable. Seguro que atrae a multitud de fans.” (Carlos Boyero, EL MUNDO). “Resulta imposible hacer algún comentario sobre el pulso cinematográfico de Weerasethakul: la cuestión queda pendiente hasta el día en que decida mover la cámara. Para dar una idea del estilo, la secuencia inicial son cuatro minutos de mirada estática sobre un campo. Luego una doctora habla con un monje, mayormente sobre pollos y ácido úrico: 12 minutos de cámara quieta. El argumento se anima cuando, más tarde, un dentista hurga en la boca de otro monje mientras canta country tailandés. La escena dura más que la del ácido úrico. Lo del dentista-cantante debe ser, con toda probabilidad, un rasgo de humor tailandés. Si además de un León de Oro hubiera entre los galardones un León Catatónico, el autor tailandés podría quedárselo hoy mismo (…) un producto tailandés de ritmo narrativo geológico” (Enric Gonzalez, EL PAIS).
Tsai Ming-liang : “Dos de los directores estrella de esta edición de la Mostra, Darren Aronofsky y Tsai Ming-Liang, compartieron ayer una doble dicha, la de competir con su cine por el León de Oro y la de tener rendida a sus pies a toda la crítica internacional. Absolutamente rendida, arrastrada e implorando una capitulación sin condiciones: «¡por favor, ya basta, esto es insoportable...!» Ambos cineastas, el uno independiente americano y el otro independiente chino, rodeaban al espectador con técnica muy distinta pero igualmente eficaz: el chino te mataba de aburrimiento y el americano, pues de algo cercano a la vergüenza ajena. Sea lo que sea lo que quiere contar Tsai Ming-Liang, lo hace en un plano largo y oscuro y con menos dialogo que un sketch de Tricicle; los personajes son enigmas allí a lo lejos, en unos interiores húmedos de Kuala Lumpur (se sabe porque lo pone en la información adjunta), y sus acciones, o sea, las tres o cuatro que hay en las dos horas de película son del tipo lavarse, lavar a alguien, lavar ropa o fregotear un colchón... ¿Cómo resistirse a la fascinación de semejantes hechos?” (Oti Rodriguez Marchante, ABC).

“Sólo me aburro con planos de duración interminable de una señora cuidando a un tetrapléjico, de un homosexual instalando en su casa a un enfermo que ha recogido en la calle. Además, hay un tipo joven que masturba a una señora adulta en un callejón a oscuras, pero me cuentan los enterados que esa secuencia no es real sino onírica. Si tienen la desgracia de tropezarse con ella alguna vez, les rogaría que me lo contaran. Su autor no es un cualquiera, sino alguien mimado por las revistas especializadas, las filmotecas y los festivales. No voy a calificarle de engañabobos ya que siento mucho respeto por los disminuidos mentales. Es algo peor. Que sus intelectualizados feligreses lo sigan disfrutando mucho tiempo” (Carlos Boyero, EL MUNDO).

Así tenemos a la crítica española, de agarrada en agarrada imitando la primera película con argumento de la historia del cine español: Riña en un café (1897) de Fructuós Gelabert

Posdata: Respuesta de Boyero en el chat de EL PAIS: “Se refiere usted a la conjura de los necios? Le he dedicado escasos minutos a la famosa carta. Entre otras cosas porque la personalidad del 95% de los firmantes, según ellos pertenecientes al ámbito cinematográfico, me resulta absolutamente desconocida. Y los que me suenan solo me inspiran esa sensación tan poco cristiana del desprecio. Durante toda mi vida profesional he tenido multitud de enemigos, pero al menos, sabía quienes eran y a que se dedicaban. Cuánto esfuerzo el de Víctor Erice, ese juglar de los membrillos, y de José Luis Guerín, uno que fotografía durante dos horas la ciudad de Estrasburgo y se empeña, inútilmente, en que eso es una película artística, para convocar a sus ortodoxos mariachis. Me siento como Gulliver en el país de los enanos."

Cine D´Or (Valencia)

2008-09-16T14:19:00.000-07:00

Uno de los grandes placeres de viajar con tiempo es practicar la “antropología del espectáculo”. Es decir, meterse en cualquier sitio donde echen cualquier cosa y ver como se lo monta el público. Haciendo eso, uno descubre que, por ejemplo, los neoyorquinos que son un pueblo muy templado y elegante, aplauden y aúllan en el ballet como si fuera un partido de la NBA. Una de las variantes más especializadas de la “antropología del espectáculo” es la “arqueología cinematográfica”, que no consiste en quitarle el polvo al celuloide (¡¡hola Chus!!), sino en experimentar como se veía el cine, no digo hace cientos de años, sino hace miles de millones de años. En mis viajes por los USA, he tenido la suerte de practicar este turismo especializado cuando pude ver Metropolis en uno de los pocos palacios de cine que aún se conservan, El Castro de San Francisco; y cuando hace un par de semanas mi amigo Pat Reeves nos llevó a ver el último Batman, The Dark Knight (Christopher Nolan, 2008), a un drive-in con su Chevrolet Impala de coleccionista, es decir, con su coche viejo. Todas estas experiencias, y la circunstancia de que me hayo viviendo en Estados Unidos, y por lo tanto no se me puede acusar ni de paleto ni de regionalista, me han llevado a esta conclusión: el mejor cine del mundo se encuentra en Valencia, a dos calles de mi casa, vamos a un tiro de piedra de donde ustedes se encuentran. Como ya habrán adivinado, les vengo a hablar del gran “Cine Estudio D´Or”.

El Cine Estudio D´Or es un sitio tan bizarro, extraño, peculiar y al mismo tiempo familiar, cercano y vernacular que si quieren más que cine deberíamos considerarlo anti-cine. Es decir, es un cine que nos habla de todo lo que actualmente NO es el cine. Un oxímoron de la distracción que rompe una de las reglas sagradas de Hollywood: “sólo hay espectáculo cuando hay negocio y sólo hay negocio cuando hay espectáculo”. En el D´Or, en cambio, sólo hay cine cuando hay suficientes ojos para verlo. Tan simple como eso. Pero no hagamos más poesía de la necesaria y analicemos paso por paso porque un sitio tan cutre rompe todas las reglas de la mercadotecnia cinematográfica, pareciendo que está a punto del cierre y la bancarrota para renacer cada temporada haciendo las delicias de los valencianos.

Pantallas: Una. Reconozcámoslo, la exhibición es la parte más débil de la ecuación del espectáculo cinematográfico. Una pieza que siempre está a punto de romperse y que depende de la caridad de los malvados distribuidores cuya cuota sobre las ganancias en la taquilla ronda el 80%. Incluso en países como Estados Unidos donde las cadenas de cine nacionales tienen una larga tradición, y donde se negocian mejores porcentajes, el cierre y la venta de locales no es nada extraño. Imagínense entonces la situación de exhibidores independientes como los del D´Or, que según tengo entendido (habladurías), pertenece a los mismos dueños del teatro Olympia que lo mantienen como si de un lujoso capricho se tratase, porque evidentemente NO hace el dinero que debería. Pero, bueno, como decía, una de las maneras de paliar esta penosa situación económica fueron las multipantallas, que si por un lado permitían a los exhibidores alojar más películas, haciendo que hubiera una mayor posibilidad de acoger algún éxito de público. Por otro lado, permitía a los distribuidores lanzar masivamente sus películas al mercado y sobresaturarlo.

Pero hagamos un poco de memoria sobre este modo de exhibición: allá por el año 1963, en un centro comercial de Kansas City, se abrió el primer cine multipantallas moderno, los Parkway Theaters, y al grito de “si funciona en Kansas, lánzalo al mundo” la moda de las multipantallas se expandió en las siguientes décadas. Las multipantallas se hicieron especialmente populares durante los años 80 en América con el boom constructivo de cines que corrió en paralelo con la construcción de centros comerciales (como sabrán la fórmula centro comercial + cine continúa funcionando). Actualmente las multipantallas es el único modo en que la exhibición se convierta en un negocio rentable y a él han sucumbido hasta los cines de arte y ensayo (Verdi de Barcelona, Albatros-Babel de Valencia), ya que, entre otras ventajas, ofrecen la posibilidad de convertir, literalmente, el cuarto de las escobas en una sala de proyección. Una sala de proyección, claro, donde el proyector nunca mira a la pantalla, sino que está a un lado o mira donde no toca y por lo tanto se proyecta con espejos, poleas y demás mecanismos que hacen que la película tiemble, esté borrosa, salté o las miles de cosas que le pueden pasar a una cinta iraní. Pero, en cambio, ahí esta el D´Or con su gran pantalla (un poco manchada todo es cierto), con su laaaaaarga sala, rematada por un segundo piso o balcón. Que no se ha reconvertido en una diminuta sala donde proyectar más películas, sino que se ha abandonado a los fantasmas y los espectros, donde dicen que hay niños salvajes paridos allí mismo, y que sostiene, al fondo, un proyector que se encuentra mirando donde tiene que mirar… ¡¡coño!!, pues al frente.

Además, la moda de las multipantallas no sólo es una cosa física, sino que influye en el comportamiento del público, favoreciendo el consumo rápido e inmediato de productos no perdurables. Es decir, el ver cine comercial se ha convertido en el equivalente de comerse una hamburguesa para los ojos; es de visionado rápido, caprichoso, y de digestión pesada. En plan: “me apetece ver Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (Steven Spielberg, 2008), lo hacen en el multiplex a las 4, a las 4.15, a las 4.30”. Uno se presenta a cualquier hora, consume con los ojos, y se va a escupir a la calle, aunque la mierda que haya visto, probablemente, le de una mala noche. En cambio al D´Or, con su sesión doble a un precio popular, uno va, simplemente, a pasar la tarde. A dejarse estar, a sentarse incómodamente y a ver lo que te echen, o por lo menos, a ver lo que te echen junto con la película que has ido a ver.

Las multipantallas también influyen (y tienen su origen) en otro hecho, que, oye, también tiene que tomarse en cuenta: la atomización del público que se inició en la década de los 60. Algo que conviene matizar, ya que, aunque no podemos olvidar que los grandes éxitos de Hollywood actuales siguen estando pensados para atraer al mayor número de gente posible, y aunque tampoco podamos pasar por alto que el Hollywood clásico también hacía películas pensando en diferentes sectores (Paramount sus cosas sofisticadas para los urbanitas, la Warner más clásica para los paletos del medio-oeste, los dramas para las señoras…), aunque como decía, no podamos olvidar estas características la ecuación sigue siendo muy básica: una Pantalla es igual a un Público (P=P). Es decir, el cine actual dominado por esa ciencia del mal que es marketing, tiende a los nichos, que se convierten en multipantallas: la película de aventura para niños y jóvenes en la pantalla 1, la levemente independiente para adolescentes y 30añeros en la 5, todos con sus mini-pantallitas. Último y dramático ejemplo: Sex and the City (Michael Patrick King, 2008). Me imagino a uno de esos ejecutivos de Hollywood gritando: “¡¡¡Maldición, ¿por qué nadie me había dicho que las mujeres van al cine!!!”. La tendencia, claro, es a repetir el éxito y en la tele americana están anunciando al menos dos películas con un slogan muy parecido a este: “Llévate a tus amigas a cenar y al cine, y disfrutad de esta comedia sobre mujeres que…”. Sin embargo, como decíamos, el D´Or sólo tiene una pantalla, y con eso se recupera la ilusión de “Público” como comunidad. Y, ¡¡que público!!. Porque quién tiene tres horas que perder a mitad semana: jubilados, universitarios, parados, amas de casas, y “otros” que conforman un fresco de personajes muy felliniano. Porque el D´Or es definitivamente un cine muy felliniano, uno de esos con una atmosfera densa, con la gente medio tumbada, sin zapatos, corriendo para pillar los mejores asientos no numerados… a veces, la mayoría de veces, el espectáculo se encuentra enfrente de la pantalla.

Reestreno. Cuando decimos que el D´Or, un cine de reestreno, es una ventana a otros tiempos, lo decimos literalmente, porque “ventanas” es como llaman en Hollywood a los distintos modos de vender una película a lo largo de toda su vida comercial. Cuando una ventana se cierra, la de la proyección en cine, otra se abre, la de la venta en DVD. Lo único que pasa es que la ventana de “reestreno” pasó de moda, pues hace la friolera de 50 años, por lo menos en USA, el espejo ante el que todos deberíamos mirarnos. Actualmente, y cada vez con menos diferencia temporal, cuando se cierra la ventana de la proyección, se abre inmediatamente la del DVD, que es donde verdaderamente se seca tajada. Pero, en serio, ¿reestreno?. ¿Quién querría ver una peli ya vieja en un mercado saturado de novedades comerciales?. Además, ahora todos los cines son de estreno y todo el público está formado por estrellas.

Comida. Todos los libros que he podido consultar están de acuerdo: la mejor forma de sacar provechos netos para un exhibidor es vender palomitas (entre un 50 y un 80%). En serio, lean el famoso libro Popped Culture: A Social History of Popcorn in America de Andrew F. Smith. Sin coñas. ¿No se han fijado acaso que las multipantallas, que ofrecen una experiencia minimalista del cine como arquitectura, concentran todos sus esfuerzos de diseño en los puestos de venta de comida?. De hecho, una de las ultimas tendencias en el diseño de estos espacios es, según Robert L. Beacher presidente de la “Forest Bay Construction” (que se dedica a esta cosa de hacer cines), crear espacios modernos. Crear espacios modernos eliminado la pared del bar, pero manteniendo un ambiente familiar, como de living room para que los espectadores más mayores encuentren el ambiente agradable. Es decir dar un look nuevo a algo que recuerde a un cine de siempre. Además, que al eliminar la pared del bar se pueden hacer puestos de venta de comida circulares, que tienen una clara ventaja: aunque hagas cola siempre esperas ser el próximo. ¿No les recuerda esta descripción a algo?. ¡¡¡Malditos franceses y maldito UGC Cine Cite y sus trucos arquitectónicos!!!. En cambio, piensen en el franco D´Or, el cine sin reveses, ¿qué tiene a la entrada?. Dos máquinas de bebidas y aperitivos matadas y viejas, y que hasta hace poco, vendían cervezas a un euro. Una ganga. Podías ponerte ciego viendo la película aburrida que acompañaba a la que habías ido a ver. Pese a esas carencias en torno a las infraestructuras alimenticias, o precisamente por ellas, la gastronomía juega un papel importantísimo en el D´Or. Es decir, allí uno no compra comida, sino que se lleva el bocadillo de tortilla, o las empanadillas riquísimas, o las papas… y uno cena, oye, y cena bien, y cena barato y casero. Además que el D´Or tiene esa extraña costumbre de hacer que la gente cene siempre al inicio de la segunda película, a eso de las 9.30 o 10 que es la hora española de cenar. Y todo el mundo dice: “nos tomamos primero las papas, y cenamos cuando empieza la otra peli… espera que voy a por una cerveza”.

Sexo. Uhmmm, la parte que todos esperaban. Sexo, sexo, sexo. En el D´Or se hace sexo, como en cualquier sitio donde se encuentren dos o más seres humanos en mutua armonía. Pero en el D´Or el sexo es practicado a diario por unos feligreses muy respetables, casi míticos, que ocupan las últimas filas y que consiguen que no haya proyección despoblada: los pajeros o, por utilizar un latinismo a la altura, masturbatores. Unos caballeros muy amables dispuestos a toquitearte la entrepierna y que a mí siempre me han recordado a un poema de Jaime Gil de Biedma, uno que decía una cosa como “quiero vivir a la vejez entre las ruinas de mi inteligencia”. Estos aristócratas que viven paseándose entre las ruinas de su sexualidad, no sólo no son reprimidos por la dirección del lugar, sino que en cierto modo, en un cierto modo “extraño”, se dialoga con ellos a través de la programación. Porque lo que acaba convirtiendo al D´Or en una rareza inigualable, la guinda del lugar, es tener una programación muy peculiar y propia. Alejada de convencionalismos y snobismos, radical a veces, y tremendamente comercial otras…

Una imagen muy metafórica de lo que les queremos decir

P es de Programación y de Personalidad. ¿Qué se puede ver en el D´Or?. De todo, como en casi ningún lugar (en los multiplex hay mucha variedad de lo mismo). Es decir, la peli de autor que se cayó de la cartelera conviviendo con la comedia romántica, la peli china ¡¡¡a veces hasta subtitulada!!!, con la peli de acción americana, y por encima de esta variedad, un género, un género hasta podíamos calificar como propio: el delirio, el delirio erótico. Porque el D´Or que se contradice y respira como cualquier ser humano, es a la vez, un cine familiar y un cine, digamos, un poco verde. Es en definitiva como un viajante de comercio, buen padre pero que frecuenta prostitutas. Y a través de esas películas (pseudo)eróticas es como el cine habla con sus masturbatores, a ellos están dedicadas todas esas películas europeas que muestran con franqueza apéndices, penes y coños, con alegría, desenfado y milimetría. Bajo el manto, o mejor, bajo la chaqueta del cine independiente o europeo por esa sala han pasado películas pajeras como Intimacy (Patrice Chéreau, 2001), una coproducción francesa de dos que se juntaban a follar como perros pero sin decirse palabra, por no estropear las cosas y por no decir cosas en francés que siempre quedan aburridas. O Solo para clarinete / Solo für Klarinette (Nico Hofmann, 1998) un thriller erótico alemán, un autentico despropósito que recuerdo vagamente salvo porque cuando se estrenó ya parecía viejo, y que era una especie de TV-Movie venida a más, donde las pililas germanas, peludas y orgullosas, se veían incapaces de enmendar una historia tan idiota (al final al policía protagonista lo matan con un clarinete). O 9 Songs (Michael Winterbottom, 2004), ese laaargo video-clip porno, donde se follaba al ritmo de grupos que “vestían la camiseta indie” como diría el pavo de Radio 3. O El sabor de la sandia / Tian bian yi duo yun (2005), uno de mis musicales favoritos, y otra vez una peli de gente que folla sin hablarse, porque según he leído los personajes no tenían psicología, que es algo que ya ha pasado de moda en el cine alternativo. Y, si no tenían psicología, ¿qué pintaban en el D´Or?. Pues pintaban por la fisionomía, hombre, porque había coños, y sandias, y sexo; sexo con sentimiento y sexo que daba arcadas, para contentar a todos, a los masturbatores y a los intelectuales (no se sabe quién prefería qué)… Ay, y casi me olvido de… Shortbus (John Cameron Mitchell, 2006).

El D´Or es un lugar maravilloso donde hacer una cosa maravillosa: ir al cine (y no ir a ver una película en concreto). Un sitio que me recordó un fragmento de un libro muy interesante que estoy leyendo Screen Traffic: Movies Multiplexes and Global Culture de Charles R Acland, donde se decía que ir al cine se debe comprender como una practica cultural.

“Las proyecciones públicas son ocasiones para comer, para saltarse las restricciones de la dieta diaria, para pagar mucho dinero de manera consciente por la comida, para picar y beber a escondidas, para encuentros y encontronazos sociales, para trabajar, para ligar, para juguetear sexualmente, para chismorrear, para marcar territorio y conseguir los asientos con calefacción, para amenazar a los espectadores ruidosos, para pelearse, para leer, para hablar de futuras películas, para relajarse, para compartir la experiencia de la pantalla con otros miembros de la audiencia, para miradas fugaces a posibles alianzas y lealtades de gusto, política o identidad, para estar muy cerca de extraños, para estar entre gente con ropa de invierno, para congelarte con un aire acondicionado excesivo, para aburrirte, para dormirte, para decepcionarte, para jugar, para excitarse sexualmente, para enfadarse, para dejarse caer, para cogerse de las manos, para tomar drogas, para hacer colas, para hacer llamadas de teléfono, para jugar a video juegos, para mirar tráilers, para hablar de lo que ha pasado o pasará después del cine, para tanto mirarse como olvidarse de uno mismo.

Podría continuar esta lista hecha deprisa quizás para incluir prácticas más imaginativas, subversivas, e incluso criminales pero creo que muchos se reconocerán en las anteriores. Aquí el cine es banal, erótico, social, indisciplinado; es un lugar cotidiano, diario, lleno de posibilidades reglamentadas e infinitas”.

Hablando de versiones (visiten el fantástico blog Cover garden) y de cosas favoritas, como el D´Or, disfruten esa maravillosa versión que he colgado de la original My favorite things en ME HA ENTRADO EN LOS OJOS…